Capricorn One (1977)

Título Original: Capricorn One
Director: Peter Hyams
Productor: Paul Lazarus III
Guion: Peter Hyams
Fotografía: Bill Butler
Edición: James Mitchell
Año: 1977
País: USA / UK
Intérpretes: Elliot Gould, James Brolin, Brenda Vaccaro, Sam Waterston, O. J. Simpson, Hal Holbrook, Karen Black, Telly Savalas

Tagline: The most important event in our nation's history...what if it never really happened? 
imdb: http://www.imdb.com/title/tt0077294/reference

La manipulación de los medios con el fin de desviar la atención del público o el mero hecho de sustentar una mentira para continuar proyectos, ha estado presente en nuestras vidas, sin importar la nacionalidad. Es por ello, que a veces con razón o no, se han lanzado teorías de conspiración, las cuales acusan a los gobiernos de crear una red de mentiras, que como en el caso de este filme, en el que se trata de mantener el apoyo a la investigación espacial por parte de la NASA. La historia de Capricorn One está basada en las teorías conspiratorias que promulgan que la llegada a la luna en 1969 fue falsa, recreada en unos estudios, mientras que como parte de una leyenda urbana, se dice que el propio director británico Stanley Kubrick, quien había dirigido la soberbia 2001: A Space Odyssey (1968), era el responsable de las imágenes del Apollo 11. A pesar de que la idea del falso alunizaje es un poco descabellada para la época, en Capricorn One, se presenta más avances tecnológicos, los cuales permiten sustentar la idea de un montaje falso, en esta ocasión, la visita a Marte. El director Peter Hyams, relata un thriller competente, además envuelto perfectamente en el cine político y de conspiraciones que se realizó en la década del 70, un filme donde no todo es lo que parece.

La NASA está a punto de lanzar el Capricornio Uno, una astronave que llevará por primera vez el hombre a Marte. Justo cuando el público está a la expectativa, incluyendo al vicepresidente de los Estados Unidos, el doctor James Kelloway (Hal Holbrook), interrumpe en la cabina de la nave y se lleva a sus tres tripulantes, Charles Brubaker (James Brolin), Peter Willis (Sam Waterston) y John Walker (O. J. Simpson) a escondidas, lejos del lugar del lanzamiento. Sin embargo, el vuelo continua común y corriente, la aeronave despega sin tripulación y el público queda convencido que los tres tripulantes van a cambiar el curso de la historia. El Doctor Kelloway les explica que la cápsula estaba destinada al fallo, debido a un error humano, el cual detectaron meses atrás, pero que no tenía solución. Ahora algunos científicos de la NASA consideran que es mejor fingir que la tripulación está a bordo del Capricornio Uno y simular el aterrizaje, mediante un montaje perfecto que se construyó en una antigua base militar.

Al enterarse de la reticencia por parte de los astronautas para seguir con la farsa, al doctor no le queda más remedio que amenazarlos con la seguridad de sus familias si no siguen sus planes. Los astronautas forzosamente acceden a enviar una comunicación en el momento del supuesto aterrizaje y mostrar imágenes falsas de ellos sobre la superficie marciana. La idea final, es llevar a los tripulantes en el momento del regreso a la tierra, pues la aeronave fue manipulada para caer 500 km lejos del punto de descenso pactado, lo que les daría tiempo de llegar allí con los astronautas y monta el show de los héroes americanos. Pero, las cosas se tornarán aún más grises cuando la verdadera nave tiene problemas al entrar a la atmósfera y su escudo se rompe, situación en la que ningún humano sobreviviría. Pronto los tripulantes se darán cuenta que sus propias vidas correrán peligro si se quiere conservar una de las mentiras más grandes del país.

Capricorn One es un excelente thriller, el cual tiene un sentido de realismo, en cuanto a la representación de los lanzamientos espaciales y el manejo de este espectáculo. Resulta curioso que los antagonistas sean de hecho la NASA, pues la misma agencia otorgó apoyo técnico para la elaboración realista del filme. La historia escrita por el propio Hyams, sabe congeniar la teoría de conspiración y la paranoia de algunos personajes, para elaborar un filme de suspenso competente. Todos los hechos se ven muy plausibles, además de que muestra la ceguera de un personaje que lo único que le importa es que no reduzcan los fondos para sus programas, a si esto conlleve a la traición de sus propios amigos. Hal Halbrook hace de villano sin escrúpulos, el cual manipula no solo a los medios de comunicación, sino a las supuestas víctimas de los tripulantes, haciendo de títere detrás de los hechos. Mientras que el protagonismo se divide entre el capitán Brubaker (James Brolin) y el periodista Robert Caulfield (Elliot Gould). Brubaker es el líder de sus compañeros, y es una persona de principios, a quien lo que más le duele es mentirle a su propia familia. La recursividad de Brubaker, que está más desarrollada que sus compañeros, le permiten escapar y no rendirse, hasta llegar a una de las escenas más originales del filme, que muestra cuando el capitán aparece justo en el momento en que se está llevando a cabo su propio entierro. Mientras que el otro protagonista, Caulfield, tiene ecos de la pareja periodística que derrumbó al ex-presidente Richard Nixon, pero algunas de sus escenas están tratadas de forma incongruente, pues lo que más se había destacado en la historia era esa sensación de realismo. Caulfield es importante y necesario para ayudar a Brubaker, una especie de mano de Dios que aparece en el momento más oportuno, justo cuando el capitán no tiene forma alguna de escape. Pero eso no es lo criticable, sino la forma en que lo hace, pues Caulfield va recogiendo pistas sin detenerse a pensar en sus perseguidores, en tomar algún tipo de precaución o tomar conclusiones que son menos que obvias para el espectador. A pesar de ello, las actitudes del personaje no opacan a la historia que se convierte en uno de los grandes thrillers de la época.

Peter Hyams ya tiene una carrera sólida en los thrillers con dotes de acción, como en Capricorn One, donde el ritmo es pausado en su inicio y luego posee escenas de acción trepidantes que son muy llamativas. Cabe destacar la escena en que el automóvil del periodista se queda sin frenos, filmada de forma trepidante, así como la persecución de los helicópteros al avión de fumigador que pilotea el actor Telly Savalas. El realizador escribió la historia a mediados de los setentas, cuando trabajaba como reportero de la CBS en la guerra de Vietnam. El director volvería al mundo espacial en su filme Outland (Atmósfera Cero, 1981), el cual es mucho más redondo.

A pesar de que la agencia NASA es vista como una impulsadora de la innovación y el descubrimiento científico, el filme otorga elementos de duda en el espectador, pero sobre todo, expresa la necesidad de no tragar entero, de no creer todo lo que se dice y se muestra en la pequeña pantalla. El ingenioso guion de Hyams logra crear personajes a la vez profesionales y espeluznantes, demostrado por ejemplo en la frialdad del doctor, cuando recibe las llamadas acerca de la captura y asesinato de los astronautas. Capricorn One es un thriller inteligente el cual se destaca además, por sus excelentes diálogos, dirigido por un director que ha merecido una mejor suerte cinematográfica.

Calificación: 7.5/10

Trailer:

The Supernatural Collection # 17: The Fog (1980)

Título Original: The Fog
Director: John Carpenter
Productor: Debra Hill
Guion: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Edición: Charles Bornstein y Tommy Lee Wallace
Año: 1980
País: Estados Unidos
Intérpretes: Adrienne Barbeau, Jamie Lee Curtis, Janet Leigh, Tom Atkins, Charles Cyphers, Hal Holbrook, Nancy Loomis.

Tagline: What you can't see won't hurt you...it'll kill you...
imdb: http://www.imdb.com/title/tt0080749/reference

Después del cambio de registro con el biopic Elvis (1979), John Carpenter volvería al cine de género, con una historia de fantasmas muy a su estilo, con suspenso creciente y muy creativa. Al igual que la mayoría de sus anteriores obras, La Niebla contó con un apretado presupuesto, pero gracias al ingenio del director y a la gran labor del director de fotografía Dean Cundey, el filme maneja perfectamente unos artesanales efectos visuales, con las actuaciones de su protagonistas, los cuales en esta ocasión están repartidos en varios personajes. El filme es entretenido de principio a fin, respirando esa magia ochentera muy difícil de igualar.

"Es casi medianoche, hay tiempo para otra historia. Otra historia antes de las 12, para mantenernos en calor. En cinco minutos será el día 21 de abril. Hace cien años, un 21 de abril, en las aguas de Spivey Point, un pequeño barco se dirigía hacia tierra. De repente, en medio de la noche, apareció la niebla. Durante un momento no podían ver nada, ni siquiera a 30 cm delante de ellos. Y después vieron una luz. Dios mío, había una hoguera ardiendo en la orilla. Suficientemente fuerte como para atravesar los remolinos de bruma. Siguieron en dirección a la luz. Pero era una hoguera como esta. El barco chocó contra las rocas. El casco se partió en dos. El mástil se quebró como una rama. Y los restos del barco se hundieron con todos los hombres a bordo. En el fondo del mar quedó el Elizabeth Dane con su tripulación, con los pulmones llenos de agua salada, los ojos abiertos y mirando a la oscuridad. Y arriba, igual de rápido que vino, se levantó la niebla, se retiró a través del océano y ya nunca volvió. Pero cuentan los pescadores, sus padres y sus abuelos que, cuando la niebla regrese a Antonio Bay, los hombres en el fondo del mar, en las aguas de Spivey Point, se levantarán y buscarán la hoguera que los condujo a su oscura y helada muerte. Las doce en punto. 21 de abril".

Así comienza La Niebla, con este hermoso prólogo de un viejo capitán a la luz de una fogata y con unos pequeños atrapados por la historia. Esa misma noche, justo a la víspera del cumpleaños número 100 del pueblo costero Antonio Bay, una niebla comienza a acercarse, poco a poco, pasando primero por un barco pesquero del cual no queda vivo ninguno de sus tripulantes. ¿La razón?, la niebla no viene sola, dentro de ella hay un grupo de almas vagantes con sed de sangre, pues el pueblo al que le pidieron ayuda les dio la espalda, ahogándolos en el mar, solo por el hecho de ser leprosos, además que les robaron todo su oro. El pueblo está en peligro, y sólo las advertencias de Stevie Wayne, la DJ local, harán eco en los protagonistas, a los que incluye su pequeño hijo, la esposa de uno de los pescadores muertos y una pareja que recién se conoce, entre otros. La niebla recorrerá el pueblo dejando cada vez menos lugares para esconderse, mientras los protagonistas corren contra el reloj para encontrar la forma de liberarse de esta maldición.

Desde el comienzo, el filme presenta una gran ambientación, con la historia en la hoguera (escena adicionada al final de la grabación, debido al metraje tan corto de la edición final). Las palabras del viejo capitán, no solo cautivan a los niños, sino también a los espectadores, los cuales se imaginan antes de que aparezcan en pantalla, las criaturas que hay en la niebla. Así mismo, y por fortuna, el buen manejo que le imprime Carpenter a la historia, hace que se construya el suspenso, dejando a los seres ávidos de venganza para que permanezcan escondidos en la niebla, solo permitiendo ver en las escenas iniciales, los garfios que caen sobre sus víctimas. La historia coescrita entre Carpenter y su productora del momento, Debra Hill, dio excelentes resultados desde su anterior colaboración en Halloween (1978), y acá no es la excepción. La Niebla es una historia de fantasmas, pero contada de una manera original, además que no hay un protagonista único, pues sus diversos personajes luchan por sobrevivir en diferentes lugares, hasta el punto de que por ejemplo, el personaje dueña de la radio estación, interpretada por la esposa de Carpenter en el momento, Adrienne Barbeau, nunca comparte pantalla con ninguno de los otros actores, a excepción de su hijo, pero es un personaje clave para guiar a los demás mediante sus ojos desde lo alto, pues el personaje está ubicado en un faro, teniendo comunicación con todo el pueblo por intermedio de la radio. La excelente fotografía y puesta en escena, logra otorgar una mayor calidad técnica y apariencia de mayor presupuesto, algo habitual en el director. La niebla, es un ente palpable, que se reparte por doquier y además brilla en la oscuridad, sobre todo en las grandiosas escenas de la playa. Acompañan a Barbeau, la actriz Jamie Lee Curtis, una de las grandes heroínas del género, descubierta por el director dos años atrás en el clásico Halloween, aunque en esta ocasión cede mucho su protagonismo. También aparecen otros actores habituales al cine de Carpenter como Charles Cyphers, Nancy Loomis -ambos actuaron también en Halloween-, y algunos primerizos con el realizador, como la propia madre de Lee Curtis, Janet Leigh (Psycho -Psicosis, 1960) o Tom Atkins (Escape From New York - Escape de Nueva York, 1981).

Buena parte de los personajes fueron nombrados por amigos o ídolos del director, por lo que están por ejemplo, los nombres de Nick Castle (quien interpretó al propio Michael Myers en Halloween, además que coescribió el siguiente filme de Carpenter, Escape From New York, Escape de Nueva York), Dan O'Bannon (su compañero de estudios y coescritor de Dark Star, el debut cinematográfico de Carpenter), o Tommy Lee Wallace (editor de Halloween y de este mismo filme). Adicionalmente, el director ha recurrido varias veces al cameo, emulando al maestro Hitchcock, por lo que se reservó una escena al inicio del filme, como ya lo hiciera en el filme Elvis. La música original fue igualmente compuesta por el realizador, otorgándole ese sonido único que acompaña a la perfección el tono del filme.

La historia es por momentos espeluznante, con algunos trazos de gore, aunque sin ser en ningún momento un filme sangriento. Cabe destacar la escena en el hospital, cuando el cadáver del pescador se levanta para asustar al personaje interpretado por Jamie Lee Curtis, o todas las escenas al interior y exterior de la radio estación, ubicada en un hermoso faro, un perfecto lugar para rodar la historia, el cual posee un largo y siniestro camino para llegar a él. Así mismo, se destaca la persecución final a la locutora, quien no le queda más remedio que trepar hasta el techo faro, siendo perseguida por varios de los seres de ultratumba, momento en el cual Carpenter decide hacer un plano más detallado de sus rostros llenos de gusanos, algo quizás innecesario de acuerdo al tono que se había construidos anteriormente.

La Niebla es una historia sólida, con una fotografía única, siendo además un éxito de taquilla, aunque la crítica fuera un poco más reservada. Pero debido a esto, y a que en los últimos años se ha dado una re visitación a algunas de las historias de Carpenter, incluyendo a La Niebla, la película inspiró un remake totalmente fallido, producido en el 2005 y dirigido por Rupert Wainwrigth, siendo uno de los peores fiascos del cine de terror. La Niebla es un filme que se ganó su condición de clásico a pulso, una obra creativa y artesanal en el que convergen los diversos talentos de personas que aman lo que hacen y que encuentran en el cine de género una forma de narrar historias atrapantes, entretenidas e inolvidables.

Calificación: 7/10
Trailer:

Blog de 24 Cuadros por Segundo

Blog de 24 Cuadros Por Segundo:

http://veinticuatrocuadrosporsegundo.blogspot.com/ 

En el blog pueden descargar todas las ediciones de la revista de cine, la cual se ha centrado en directores como Quentin Tarantino, Michel Gondry y John Carpenter, además de las múltiples secciones basadas en distintos géneros cinematográficos, estrenos, retrospectivas y trivias. También encontraran en el blog todos los programas radiales hasta la fecha, el cual trata distintas temáticas de cine, noticias, estrenos y bandas sonoras.

Dark Star (1974)

Título Original: Dark Star
Director: John Carpenter
Productor: John Carpenter
Guion: John Carpenter y Dan O'Bannon
Fotografía: Douglas Knapp
Edición: Dan O'Bannon
Año: 1974
País: Estados Unidos
Intérpretes: Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Dan O'Bannon.

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0069945/reference
Tagline: What Do You Say To A Talking Bomb? All Systems Snafu!!!

En 1948 nació un creador imaginativo cuyo seno familiar logró formar sus aptitudes musicales, además de alentarlo con su sueño de contador de historias. John Howard Carpenter comenzó a rodar cortometrajes en 1962, a partir de los cuales, creaba mundos generalmente ambientados en la ciencia ficción, con monstruos espaciales o bestias colosales. En ellos aplicaba técnicas del cine tan artesanales como lo son el stop-motion o el uso de maquetas, así mismo, utilizó efectos especiales que le ayudarían tiempo después en sus largometrajes. Posteriormente, uno de sus trabajos en un cortometraje llamado "The Resurrection of Bronco Billy" en 1970, dirigido por James R. Rokos, fue más que sobresaliente, una historia que Carpenter co-escribió, compuso la música y la editó. El cortometraje ganó el Oscar al mejor cortometraje, por lo que su nombre empezó a tener cierta repercusión en el medio. Pero no fue hasta la elaboración de un proyecto universitario junto a su amigo y compañero Dan O'Bannon, que el nombre de Carpenter fue asociado a una forma dinámica de hacer cine, generalmente primando la creatividad sobre el presupuesto, pero siempre anteponiendo su propia visión.

Carpenter realiza películas para el público en general, siempre con el ánimo de entretener, además con un estilo propio, el estilo de un gran contador de historias desenvueltas generalmente en el mundo fantástico o de terror, aunque la mayoría de sus filmes pueden ser leídos como westerns actualizados. Carpenter quería seguir los pasos de su ídolo cinematográfico Howard Hawks y es por ello que su acercamiento a la forma de contar historias del clásico director, lo convertiría en el Hawks de los ochentas y noventas. En términos generales, sus personajes son antagonistas, los cuales son puestos en situaciones donde deben realizar actos heroicos o de ayuda hacia los demás, son personajes que tendrán en forma habitual, finales poco condescendientes con ellos. Además, sus historias están enfocadas en la lucha contra la autoridad o la represión por parte del gobierno.

A pesar de tener cierta predilección por los tonos pesimistas, su cine dista de ser aburrido, pues sus personajes conectan fácilmente con el espectador, debido a sus caracterizaciones y las situaciones extremas a las que se ven sometidos, todo ello acompañado de una cautivadora música instrumental compuesta por el propio director. Es así como desde sus inicios, logró captar la atención con su película Dark Star. El filme fue en proyecto de ciencia ficción con tintes de 2001: A Space Odyssey (Una Odisea en el Espacio, 1968), tomando algunos elementos de ella, pero sobretodo fue una producción acerca de la soledad de los personajes.

La película está narrada en un futuro en el que unos astronautas son enviados a una misión de "limpieza espacial", pues deberán buscar planetas inestables y hacerlos explotar mediante el uso de bombas inteligentes. Este trabajo es realizado por un grupo de tripulantes de la nave Dark Star, los cuales han pasado los últimos veinte años en el espacio, tiempo que desde la tierra se ve poco pues viajan a velocidades cercanas a la luz. Con su capitán muerto en un accidente, pero mantenido en congelación, los tripulantes deberán continuar con sus funciones sin perder la razón. El problema llegará cuando una de sus bombas inteligentes decide continuar con su secuencia de detonación, a pesar de que hay un fallo en el mecanismo que hace que se separe la bomba de la nave. Pero, ¿Se podrá razonar con una bomba?.

Como se mencionó anteriormente, las similitudes con el clásico filme de Kubrick son evidentes, en especial por la ambientación espacial y el uso de un ser inteligente que controla la nave. Sin embargo, el aporte que le imprime Carpenter y O'Bannon a su guion, es dotarlo de elementos cómicos y sobretodo convertirla en una historia acerca de la soledad que sufren sus personajes. Cada uno tiene su propia función, pero para sorpresa de todos, realmente no se comunican entre sí, hasta el punto de no recordar el nombre de pila de sus compañeros. Un gran detalle del guion es que cada uno de los personajes termina de acuerdo a lo que quiere, ya sea contemplar el espacio infinito, surfear o simplemente morir, para los que no encuentran sentido a su vida. Su icónico final fue inspirado en el cuento de ciencia ficción del desaparecido escritor Ray Bradbury llamado Kaleidoscope, en el cual un grupo de astronautas se alejan flotando en el espacio después que su nave espacial explota. Así mismo, otra escena destacable involucra la conversación filosófica que tiene el teniente Doolittle y la bomba inteligente, para llegar a cuestionar sus decisiones. Una secuencia angustiosa soportada de forma cautivante.

El sentido cómico del filme fue adquirido principalmente por las escenas que se adicionaron posteriormente para alargar el metraje y lograr estrenarlo en los cines, toda una proeza. En dichas escenas, O'Bannon, quien además interpreta a uno de los astronautas llamado Pinback, escribió la secuencia del alien-mascota y todo su persecución a lo largo de la nave, algo curioso, pues años después, el guionista utilizaría esta premisa para escribir su cautivador guion de Alien, el cual fue rodado por el realizador Ridley Scott en 1979 con un tono mucho más serio obviamente.

Dark Star es un filme artesanal, elaborado por unos grandes aficionados al cine, los cuales con muy bajo presupuesto lograron narrar una historia creíble, con una gran atmósfera y sentido claustrofóbico, empleando para ello recursos muy imaginativos, como las bombas hechas de tráiler de juguete a escala. El alienígena presente en el filme, que podría verse como un balón de playa pintado, se vería ridículo en otro tipo de filme, pero en Dark Star es un sello característico, el cual soporta el sentimiento que expresa el filme de no tomarse en serio a sí mismo. Aunque ello no evite verse como un injerto. La mano del director Carpenter está presente en numerosos detalles evidenciando su iniciativa de tomar un control casi total de sus proyectos, motivo por el cual sus películas anteponen el "John Carpenter's" antes del título. Dark Star es una entretenida ópera prima en la que su director entrega todo por la elaboración de la historia, utilizando sus recursos imaginativos, además de crear una banda sonora cautivadora que hacen mucho más disfrutable el filme.

Calificación: 7/10

Trailer:

Edición # 7 de la revista digital 24 Cuadros por Segundo

Ya está disponible la Edición # 7 de la Revista digital de 24 Cuadros por Segundo, en cuyo enfoque continuamos con el director americano John Carpenter, desde su película The Thing (La Cosa) a Memorias de un Hombre Invisible. Así como las habituales secciones de estrenos, cine latinoamericano, ciencia ficción, drama, terror, cine negro, cortometrajes, cine asiático, una retrospectiva al desaparecido genio del stop-motion Ray Harrhausen y más mucho más....

La pueden descargar en formato pdf en el siguiente enlace directo:

http://rapidshare.com/files/2528433116/Revista%20%23%207.pdf

The Slasher Collection # 42: Halloween (1978)

Título Original: Halloween
Director: John Carpenter
Productor: Debra Hill
Guion: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Edición: Charles Bornstein y Tommy Lee Wallace
Año: 1978
País: Estados Unidos
Intérpretes: Donald Pleasence, Jamie Lee Curtis, Charles Cyphers y Nancy Kyes

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0077651/
Tagline: The trick was to stay alive

Pocos directores han influenciado tanto el cine de género como lo ha hecho el realizador estadounidense John Carpenter. Con Halloween, ayudó a cimentar las bases de un subgénero popular entre el público, pero lo hizo con una calidad tal, que su nombre nunca será olvidado. Halloween fue un pequeño filme, el cual demostró que se puede realizar una historia de terror con bajo presupuesto, creíble y además insuperable, algo de lo que brilla por su ausencia en las innumerables secuelas y de todas las imitaciones de esta película seminal.

En un pequeño pueblo llamado Haddonfield, los habitantes del mismo serán testigos de un brutal asesinato cometido por un niño de seis años de edad llamado Michael Myers, quien tras ver a su hermana desnuda con su novio, se le disparó sus tendencias asesinas, apuñaleándola hasta la muerte. Michael ha pasado los últimos quince años encerrado en una institución mental, pero una noche en la que lo intentan trasladar para una corte judicial, Michael logra escapar, dirigiéndose a su pueblo natal. Solo el doctor Sam Loomis sabe de lo que es capaz Michael, pues según él es la esencia del mal mismo.

Es la noche de Halloween. El pueblo está ocupado en las celebraciones y los juegos de dulce o truco, pero mientras las calles permanecen casi desoladas, solo la presencia de algunas niñeras alteran la paz del lugar, entre ellas la joven Laurie Stroode, una mujer responsable, quien a diferencia de sus amigas cumple a cabalidad con su trabajo. Laurie será el centro de atención del adulto Michael, el cual dará rienda suelta a sus instintos tras ver a las amigas de Laurie desbocándose a sus deseos sexuales, reviviendo de esa forma lo sucedido años atrás con su hermana. Laurie tendrá que enfrentarse a la encarnación del mal para poder sobrevivir.

Desde el momento de su estreno, y gracias a la gran acogida de crítica y público, Halloween se convirtió en una plantilla para el género slasher, debido principalmente a su planteamiento de un asesino enmascarado, el cual persigue a jóvenes niñeras, mientras que una de ellas, la protagonista, debido a su condición de ser responsable, nota que algo anda mal en el pueblo y se convierte en la “chica final”, consiguiendo enfrentarse a su antagonista y en la mayoría de las ocasiones salir viva para contarlo. Es pues natural pensar en esta premisa como un cliché de nuestros días, pero en el año de 1978, la película sorprendió por su originalidad a la vez que mostró un manejo preciso del suspenso por parte de su director, algo que le valió una comparación en su momento con el maestro del suspenso Alfred Hitchcock. No obstante, el director inmediatamente desestimó esta comparación, pues su cine va regido por otros derroteros, aunque sin duda alguna, el maestro influenció los inicios del cine de Carpenter, y en particular en este filme, en cuanto a la elaboración de las escenas de acecho de Michael hacia sus victimas. Además, es mas evidente la comparación en los otros dos trabajos que realizó Carpenter ese mismo año, hablamos de Someone`s Watching Me, realizada para la televisión, siendo un homenaje al filme Rear Window (La ventana Indiscreta, 1954) y su guion para la película titulada Eyes of Laura Mars (Los ojos de Laura Mars, 1978) dirigida por Irvin Kershner.

Retomando el suspenso presente en Halloween, elemento totalmente acertado del filme, es algo en lo que Carpenter logra crear su propio monstruo cinematográfico, un hombre inexpresivo, el cual se oculta tras una mascara, dejando ver solo sus ojos, un hombre silencioso pero mortal. Michael es una amenaza maligna, que acecha a sus víctimas lentamente. La peligrosidad del personaje es constantemente transmitida al sheriff del pueblo por intermedio del doctor Loomis, un personaje tan importante como el propio Michael, en cuanto a que da un perfil al espectador de las capacidades asesinas del joven desquiciado y de que su ataque esta próximo a ocurrir. Carpenter sabiamente utiliza las escenas de persecuciones, destacándose el hecho de mostrar el escorzo o puntos de vista del asesino para crear la atención. En ese sentido, el filme se destaca notablemente, contando con una gran variedad de ejemplos puntuales. En la escena inicial, filmada como si fuera un plano secuencia -de hecho posee tres cortes-, la cámara de Carpenter es subjetiva, a la altura de un niño vestido de payaso, en la noche de Halloween, todo lo vemos a través de sus ojos, así como la decisión de cometer el asesinato. Este plano esta cuidadosamente rodado y coreografiado, además que es impactante para el espectador. La escena pudo haber sido influenciada por el cine de terror italiano de los setentas, en especial de sus Giallos, donde la cámara subjetiva era habitual para ponerse en el lugar del asesino de turno.

En otra escena destacable en cuanto al suspenso, Laurie se esconde en una casa en un armario, donde puede ver lo que sucede en la habitación a través de unas rejillas de la puerta. Terriblemente asustada, observa el comportamiento del asesino hasta que este la ataca. Esta escena hace eco al propio Carpenter en el filme televisivo Someone's Watching Me, en el que su protagonista, consiente de la presencia de su acosador, se esconde en un espacio en el suelo que tiene una rejilla, momentos después un hombre se para en ella, por lo que su protagonista, es testigo de lo que sucede hasta que el hombre deja caer el cigarrillo que estaba fumando dentro del compartimiento. Otra de las claves de Halloween, y que ayudan sin duda alguna al suspenso y a la atmosfera creada por Carpenter, es su propia composición musical, un tema famoso, creado con sintetizadores, siendo a la vez tenebroso y contundente. Carpenter quien se ha destacado también en la música, hace una perfecta composición que acompaña de forma brillante al filme. Así mismo, la utilización del Steady Cam sobresale por la forma en que el director la utiliza para acompañar las escenas de Michael, otorgándole un status mayor al que le permitía su presupuesto, que entre otras cosas fue mínimo, hecho que lo convirtió en un enorme éxito. De hecho, gran parte del dinero se gastó en la cámara Panavision, la cual tiene un formato 2:35:1, recurso que empleo Carpenter por gusto propio para alargar el formato de las escenas y hacer más amenazante la presencia del asesino. Como curiosidad, debido al bajo presupuesto, el equipo encontró la máscara más barata posible en las tiendas, la máscara de Stark Trek de William Shatner la cual fue posteriormente pintada de blanco, y se reformaron los ojos para ser utilizada por el asesino.

Las actuaciones son sobresalientes, en especial la de Donald Pleasence –quien trabajaría en otros proyectos posteriores del director-, aportándole una obsesión perfecta para su personaje, pues fue el doctor Loomis quien estudió a Michael durante muchos años. También es destacable la actuación de su protagonista, Laurie interpretada por la desconocida en su momento Jamie Lee Curtis, convirtiéndose gracias a este filme y a sus siguientes películas envueltas en el slasher, como Prom Night (Noche de Graduación, 1980) o The Fog (La Niebla, 1980) del propio Carpenter, en la "reina del grito", apodada de esa forma por su presencia habitual en estas producciones, apelativo que continuó con ella casi una década. Jamie, quien realizó su debut con este filme, le aportó al personaje una adecuada fragilidad y vulnerabilidad, así como la transformación que hace que se enfrente al mal. Además, Carpenter muestra de nuevo su predilección por repetir con el equipo de trabajo, no solo en la parte técnica, sino con los actores. Como se menciono anteriormente, esta seria la primera ocasión en que el director trabajo con Pleasence y Curtis, pero ambos actores repetirían con el director posteriormente. Así mismo, el actor que hace de Sheriff, Charles Cyphers, apareció en el filme Assault on Precint 13 (Asalto a la comisaria del distrito 13, 1976) y en el filme televisivo Someone's Watching Me (1978).

Halloween fue escrito a cuatro manos entre Carpenter y la productora Debra Hill, con quien tendría una fructífera relación de trabajo en la mayoría de los grandes éxitos del director, aunque gran parte del concepto del filme es acreditado al productor Irwin Yablans, quien tenía la idea de una película de horror protagonizada por niñeras y que iba a titular “The Babysitter Murders”. Debra, escribió la mayoría de las escenas ficticias en el pueblo de Haddonfield, en especial la relación entre las amigas mujeres y sus trabajos de niñera, mientras que Carpenter, escribió el personaje de Loomis y le otorgo mayor suspenso al filme. Cabe mencionar que el nombre de Sam Loomis fue tomado del clásico filme Psycho (Psycosis, 1960) de Hitchcock, en él, Loomis era el personaje del amante secreto de Janet Leigh. La actriz Janet Leigh es además la madre de la actriz Jamie Lee Curtis, hecho que motivo a Carpenter a darle el papel principal.

Halloween es todo un clásico del género, una película bien construida en la que sobresale el suspenso y las actuaciones, la cual a pesar de tener un asesino violento, no es una película que particularmente exhiba violencia gráfica, más bien estilizada. Carpenter creó con Michael un ícono en el cine de horror, un ser de maldad pura, quien no habla y se toma las cosas con calma, como se observa cuando asesina a uno de los jóvenes y se queda mirando su rostro sin vida como intrigado, o cuando utiliza una sabana para taparse mientras que una de las niñeras cree que es su novio, generando un silencio tenebroso. Al final, el filme se adentra en los terrenos de lo sobrenatural, pues aunque Michael recibe varios disparos a quemarropa por parte del doctor Loomis, su cuerpo desaparece de la escena como si fuese inmortal. De hecho esta inmortalidad fue abusada posteriormente en sus secuelas, que llegan ya a ocho, además de un remake filmado en el 2007, el cual también posee una secuela, y en la de otros íconos tipo Jason Voorhees de la saga Friday the 13th (Viernes 13). A pesar de ello, el final creado por Carpenter se acopla perfectamente a los hechos, en cuanto a que Michael es mostrado como el coco en persona que acecha a un pequeño pueblo. Halloween es un gran pilar del género, y un filme muy especial para la época de pedir dulces, pero sobretodo para el espectador que quiera un filme terrorífico de calidad.

Calificación: 10/10
Trailer:

The Slasher Collection # 41: Madman (1982)

Título Original: Madman
Director: Joe Giannone
Productor: Gary Sales
Guion: Joe Giannone
Fotografía: James Lemmo
Edición: Daniel Loewenthal
Música Original: Stephen Horelick
Año: 1982
País: Estados Unidos
Intérpretes: Gaylen Ross, Tony Fish, Harriet Bass, Seth Jones, Paul Ehlers

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0082696/reference
Tagline: Don't say his name! 

Gracias al éxito de la película Halloween (1978), precursora del género slasher, y a sus subsiguientes imitaciones, pero sobretodo tras el éxito del violento y poco elaborado filme de Friday the 13th (Viernes 13, 1980), apareció toda una avalancha de historias que incluyen a un asesino legendario, el cual persigue a jóvenes en los bosques solitarios. Es así como Madman, aprovecha este tirón comercial para contar una historia de un loco escondido en el bosque a quien le gusta asesinar con un hacha. Todos los clichés posibles están presentes, además de las malas interpretaciones de sus actores, con el añadido de las malas decisiones que toman sus personajes. Pero, aunque falle por mucho la película, Madman posee cierto encanto ochentero que lo hace meramente disfrutable, especialmente por su tipo de humor no intencional.

En un campamento de verano juvenil, a la luz de una fogata, su director cuenta la legendaria historia del Loco Marz, un hombre enorme que asesinó a su esposa e hijos por medio de mutilaciones con su hacha. Los habitantes del pueblo, acorralaron a Marz y lo colgaron de un árbol, dejándolo a su suerte hasta el otro día. A la mañana siguiente, su cuerpo no estaba allí, además que desaparecieron los cuerpos mutilados de su familia. Se dice que si se susurra el nombre de Marz en el bosque, el loco aparecerá con su hacha para hacerte picadillo. Como es de esperarse, la fecha en que realizan la fogata, coincide con la de la desaparición de Marz. Los jóvenes regresaran poco tiempo después al campamento, mientras que uno de ellos se escabulle al ver un personaje en el bosque, y lo sigue hasta su casa. Cuando los miembros del equipo del campamento comienzan a desaparecer uno por uno, la noche se alarga y se tiñe de rojo por el ataque del loco Marz.

El filme fue el primer y último trabajo de su director Joe Giannone, quien a pesar de la precaria calidad de su slasher, esperaba realizar una secuela, en especial teniendo en cuenta su final abierto. Giannone empezó su filme con una fogata en el medio del bosque, justo como lo hiciera el director John Carpenter en su clásico The Fog (La Niebla, 1980), ambientando de esta forma al espectador y generando expectativas en cuanto al personaje de Marz. Así mismo, uno de los jóvenes comienza a cantar parte de una legenda, momento en el cual se acerca a cada uno de los presentes en la fogata, instante que empleó Giannone para insertar planos individuales de los protagonistas, evidentemente asustados, con escenas que aún no suceden en la historia como si se estuviese prediciendo la terminación de sus vidas. Este recurso imaginativo quizás pudo haber sido inspirado por el filme Blood and Black Lace (Seis mujeres para el asesino, 1963) del maestro italiano Mario Bava, quien con su habitual creatividad, comienza los créditos de su filme con los personajes posando como si fuesen maniquíes en una exhibición.

El Loco Marz, es mostrado solo parcialmente en sus ataques, aumentando de esta forma el interés por él, utilizando por ejemplo planos de sus monstruosos pies, su silueta o el sonido de sus gruñidos. Pero donde el filme se descarrila es en generar nuevas situaciones de suspenso, pues la formula reiterativa de utilizar a un personaje para buscar a sus compañeros perdidos, se repite hasta el cansancio. Si se tiene en cuenta además las poco afortunadas actuaciones, culpa de actores amateurs y los efectos precarios, hacen de este filme, un malogrado origen de un asesino legendario, explicación de la ausencia de cualquier secuela. Sin embargo, su humor no intencional es quizás el elemento más recordado de la producción. Tomando ejemplos claros, en Madman hay la habitual y casi obligatoria escena de sexo, esta vez filmada dentro de un jacuzzi. En ella, se muestran a una pareja girando sobre sus propios cuerpos, tratando de crear una danza sensual, pero la cual adquiere un efecto cómico por sí misma. Otro ejemplo viene dado por la escena en que una de las mujeres perseguidas se esconde en un refrigerador, vaciándolo segundos antes que el asesino llegue a ella, pero el cual tiene la posibilidad de escucharlo todo, pues esta a escasos metros del lugar. Además, en el guion hay diálogos incoherentes e hilarantes como el dicho por una mujer que interrumpe una relación sexual de una pareja, y al acercarse les dice: "no se apuren ...pero muévanse".

A pesar de todo, Madman posee elementos rescatables, orientados en su mayoría a su final diferente y pesimista, en el que sobrevive un joven curioso en lugar de la heroína de turno o chica final. La heroína quien supuestamente acaba con Marz, también muere al final aunque haya salvado previamente a los más pequeños del campamento al dejarlos en un bus. Otro elemento destacable es la ambientación, con una predilección por escenas oscuras (quizás muy oscuras), así como el hecho de que su particular asesino posee una letra propia, compuesta por el propio productor y uno de los escritores del filme, Gary Sales. 

Madman es un filme un poco desconocido, el cual se apoya del éxito del slasher rural, en particular de Friday the 13th, para contar una historia convencional, con una ambientación decente, pero solo recomendable para los fans del género.

Calificación: 5/10
Trailer:

Edición # 6 de 24 Cuadros por Segundo

Ya esta disponible la edición # 6 de la revista digital 24 Cuadros por Segundo, esta vez enfocada en el director John Carpenter, y además de las secciones habituales, pueden ver una lista de los mejor del 2012 según 24 Cuadros por Segundo.

Que la disfruten, la pueden descargar en el siguiente enlace:

http://rapidshare.com/files/2898699324/Revista%20%23%206.pdf

Edición # 5 de 24 Cuadros por Segundo

Ya esta disponible la quinta edición de la revista 24 Cuadros por Segundo. Para los que la quieran descargar de rapidshare, a continuación el enlace:

http://rapidshare.com/files/3622809301/Revista%20%23%205.pdf

Felíz 2013 para todos!

Filminutos para la Imaginaton

Bueno se terminó la premiación de la Imaginaton el pasado sábado, asi que ya se pueden publicar los filminutos en los que participamos.

Que les parece?

Retroceso



En el Juego

Edición # 4: 24 Cuadros por Segundo

Ya se puede descargar la edición # 4 de la revista 24 Cuadros por Segundo, esta vez enfocada en el cine de Michel Gondry, sus largometrajes y videos incluidos.

https://rapidshare.com/files/208879192/Revista%20%23%204.pdf

Espero les guste...

Headshot (2011)

Título Original: Headshot

Director: Pen-Ek Ratanaruang

Productor: Raymond Phathanavirangoon y Pawas Sawatchaiyamet      

Guión: Pen-Ek Ratanaruang

Fotografía: Chankit Chamnivikaipong       

Edición: Patamanadda Yukol   

Música: Vichaya Vatanasapt        

Año: 2011

País: Tailandia / Francia

Intérpretes: Nopachai Chaiyanam, Sirin Horwang, Chanokporn Sayoungkul, Apisit Opasaimlikit, Kiat Punpiputt, Theeradanai Suwannahom

imdb:  http://www.imdb.com/title/tt1682186/

Tagline: Bangkok's most dangerous cop is about to have his world turned upside down.

"Headshot (Fon Tok Kuen Fah)" es una coproducción entre Tailandia y Francia basada en la novela de Win Lyovarian, la cual tiene un concepto intrigante pero nunca entrega verdaderamente lo que promete, la idea de que la visión de una persona cambie de abajo a arriba. El director tailandés Pen-Ek Ratanaruang (Last Life in the Universe, 2003) hace una obra íntima, narrando los hechos pausadamente pero con una excelente y oscura fotografía que apoya las imágenes. Es sin embargo extraño, que no se presente en el filme un mayor número de escenas subjetivas del protagonista, para así sentir más cerca su nueva condición de vida.

Tul (Nopachai Chaiyanam) es un policía honesto, quien batalla contra la criminalidad y los políticos corruptos. Después de hacer un arresto relacionado con drogas, donde su compañero es asesinado, Tul enfrentará inmediatamente el poder político, el cual lo induce a olvidar el caso a cambio de mucho dinero. Tras el rechazo por parte de Tul, este se verá involucrado en una trampa, terminando posteriormente en la cárcel por un asesinato que no cometió, de hecho, el cuerpo de la víctima no se encontró, pues no estaba muerta. 

Un día recibe una visita de un extraño hombre, el doctor Suang (Kiat Punpiputt), quien le ofrece salir de la cárcel, si acepta ser un asesino a sueldo para su organización, especializada en eliminar a los corruptos, ladrones y en general gente criminal. Tul acepta y se adentra en esta nueva aventura, la cual lo lleva a un trabajo en un monasterio (disfrazado de monje) donde tras eliminar  a un monje recibe una bala en la cabeza, evento que casi le cuesta la vida y lo deja con su visión girada 180 grados. Esta discapacidad ocular hace que Tul no sea el mismo de ahí en adelante.

Los encuadres perfectos están a la orden del día, con un buen número de transformaciones de plano, siempre mostrando al protagonista y su relación con el entorno, un personaje que sufre cambios en momentos puntuales del filme. Tul pasa de ser un honesto policía, a un asesino a sueldo en busca de la justicia bajo su propia mano, eliminando diferentes objetivos que le proporciona su jefe. Esta nueva tarea es afectada por su condición inesperada, tras pasar tres meses en coma y salir del hospital con la vista girada 180 grados del mundo tal y como es. Ya nada será igual, pues ese nuevo punto de vista lo obligará a ver con más detalle el mundo que lo rodea y todo lo importante que hay en él. En sus propias palabras: "Veo la lluvia ir al cielo...". Es así que conforme avanza y acepta su nueva situación, decide tomar su decisión final, abandonar la carrera justiciera fuera de la ley para hacer parte de un monasterio, pues una vez entra a ese lugar bendito todos sus pecados quedan afuera, abrazando las creencias budistas de que toda vida es sagrada.

Ratanaruang (quien también escribió el guion), comenzó la historia en la mitad, cuando Tul (Nopporn Chaiyanam) recibe una misión por correo. La narrativa utilizada involucra dos espacios temporales para contar la historia, cambiando súbitamente de eventos en el presente a eventos en el pasado, obligando al espectador a mantener la atención en todo momento con el fin de hilvanar la historia y darle sentido. Estos eventos, en algunas escenas se vuelven confusos, especialmente entre la relación de Tul y Rin (Sirin Horwang), hija de una de sus víctimas asesinadas, de hecho ese suceso ocurrió el mismo día que le dispararon en la cabeza, una mujer que se aparece en su automóvil en repetidas ocasiones en momentos importantes de la trama con el fin de recogerlo a él.  El final, muy acorde al tono creado en el largometraje es ambiguo en relación a quién comete la venganza contra Tul, aunque se puede especular que fue una persona de confianza. Quizás el director trato de utilizar el concepto del karma, una retibución por los asesinatos que había cometido los cuáles finalmente  alcanzan al personaje.

Por otro lado, el director no aprovecha el uso de la imagen invertida efectivamente, como se expreso anteriormente, pues las escenas que contienen el punto de vista subjetivo de Tul, son casi siempre estáticas, sin proporcionar ninguna indicación de la desorientación del personaje. Se podría pensar que el director no quería abusar del efecto pero el hecho de ignorarlo en buena parte del metraje es decepcionante. Tul es afectado internamente, pero el realizador no hace un buen trabajo exhibiéndolo, pues decide emplear en gran medida la voz en off del protagonista y los diálogos para explicar su proceso, algo cuestionable pues en el cine siempre funciona mejor lo que se puede mostrar visualmente. La subjetividad nunca es utilizada en ningún diálogo o escena de acción, dando a entender que el personaje se acostumbró rápidamente a su condición.

Sin embargo, a pesar de que se echa de menos un mayor uso del punto de vista invertido -sólo se observa en contadas escenas a lo largo del filme-, la inspiración del director se deja notar en momentos aislados de la película. Cabe destacar en ese sentido, la creatividad en la escena en la que Tul está en su apartamento con el televisor puesto al revés, todo un toque sutil de genialidad o la escena de la tortura en la que el personaje es colgado de los pies, retornando de esta forma su visión a la normalidad para poder escapar. En ciertos aspectos, "Headshot" es reminiscente al filme "Memento" (2000) del director Christopher Nolan, pues aunque el personaje principal recuerda todo lo que le sucede, la edición no lineal proporciona poco a poco, los detalles de la vida del personaje, incitando al espectador a actuar como Leonard Shelby y armar el rompecabezas de lo que sucede.  

"Headshot" es un filme original, presente sólo en festivales especializados en el género fantástico, el cual se presenta como una verdadera obra de autor, aunque no por ello sea una película redonda. En ella, la visión del director y su estilo particular en la narrativa están presentes, haciendo de éste un largometraje interesante, aunque sin dudas, se podría haber utilizado más apoyo desde el mundo visual para narrar la rara condición del personaje.

Calificación: 6/10

Trailer: