domingo, 6 de abril de 2014

Edición # 12 - 24 Cuadros por Segundo



Edición # 12 de la revista 24 Cuadros por Segundo con la que cumplimos 2 años!!. En esta ocasión lo celebramos estrenando look y terminando de revisar el trabajo audiovisual de David Lynch, además... las secciones Plano X Plano/ Diente X Diente (clásicos) con la película "Straw Dogs" (Perros de Paja) de Sam Peckinpah, El Legado de Sangre (Slasher) con el clásico de Alfred Hitchcock "Psycho" (Psicosis), Rojo Profundo (Giallo) con el origen del subgénero: "La Ragazza Che Sapeva Troppo" (La Chica que sabia demasiado) de Mario Bava, los Estrenos, el Cuadro 25, una Retrospectiva a la saga de Hellraiser creada por Clive Barker y una revisión a lo Mejor del 2013 en cuanto a cine...

Que disfruten la revista... bienvenidas las sugerencias y comentarios...

 Link de descarga: http://netload.in/dateiiuxz4bChJK/Revista12.pdf.htm 

Leer en línea:


Edición # 11 - 24 Cuadros por Segundo




Una de las filmografías más fascinantes y atrapantes de la cinematografía mundial es la del director americano David Lynch, cuyas misteriosas historias enganchan al espectador, hipnotizándolo, para de esa forma llevarlo a mundos insólitos y tenebrosos, donde no todo es lo que aparenta y todos tienen secretos ocultos. En esta edición comenzamos el enfoque selectivo a este gran director, así como las habituales secciones que incluyen "Slashers" y "Giallos".

Que disfruten la revista!

Link de descarga directa: http://netload.in/dateiyNDmYwOtKq/Revista11.pdf.htm 

También se puede leer en línea:


The Slasher Collection # 43: When a Stranger Calls (1979)



Título Original: When a Stranger Calls
Título en Español: Cuando un Extraño Llama
Director: Fred Walton Productor: Doug Chapin y Steve Feke
Guion: Steve Feke y Fred Walton
Fotografía: Donald Peterman
Edición: Sam Vitale
Año: 1979
País: Estados Unidos
Intérpretes: Carol Kane, Charles Durning, Ron O'Neal, Tony Beckley

Tagline: ...Fear is the Message!
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0080130/reference

El mundo de los Slasher (películas en las que en su mayoría son protagonizadas por jóvenes que intentan escapar a un asesino de turno), está plagado de muchas películas y casi todas ellas se desenvuelven en un tipo de plantilla habitual construida a partir de las seminales A Bay of Blood (Reacción en Cadena, 1971), Black Christmas (1974) y Halloween (1978). Pero siempre es grato ver nuevas aproximaciones del género, así sea del año 1979, pues When a Stranger Calls es una película semi desconocida, cuya parte inicial funcionó como inspiración para el remake del mismo nombre del año 2006, el cual es por supuesto más actualizado. En la película original, si bien posee un psicópata que acosa a una niñera, está alejada de los clichés del género, pues no asesina con un arma corto punzante -lo hace con sus propias manos- y es capturado en el primer tercio del metraje. En este excelente thriller, el asesino se muestra más humano, alejado de las máquinas asesinas, para las cuales solo se les otorga cierta explicación de su comportamiento en escasas escenas. En este filme, tenemos un trabajo bien llevado en cuanto a la caracterización de asesino, sus propios miedos y soledad, todo un aporte del director, algo que se refuerza con la excelente actuación del desaparecido actor Tony Beckley. Además, hay un cambio de roles lo más de llamativo, en cuanto el cazador se convierte en cazado, otorgándole una atmósfera diferente a este filme que pertenece por supuesto a una época donde el slasher estaba en todo su furor.




Carol Kane interpreta a Jill Johnston, una joven niñera que una noche es contratada para cuidar a un par de niños de una pareja de un pueblo. En la noche, Jill comienza a recibir llamadas telefónicas de un hombre desconocido, quien le pregunta: ¿Has revisado a los niños?. Las llamadas continúan y una Jill asustadiza decide comunicarse con la policía, quienes logran rastrear al origen de las llamadas, las cuales vienen de la propia casa, del piso de arriba. Los niños ya estaban muertos y cuando Jill decide escapar, el detective John Clifford (Charles Durning) aparece y arresta al asesino llamado Curt Jones (Tony Beckley).

Pasan siete años y Jill ha hecho una familia. Sin embargo, Duncan ha permanecido encerrado en una institución mental donde sufrió abusos físicos y psicológicos mediante un duro tratamiento con electrochoques y medicamento. Duncan escapa del instituto, pero no sabe a dónde ir ni a quién acudir. Cliff es contratado por el padre de los niños asesinados para que encuentre y elimine a Curt, mientras que Curt será acosado, eventualmente irá tras Jill para cerrar su ciclo.




When a Stranger Calls es un filme sobre un personaje perturbado, un psicópata pero también un ser humano. El filme abre con unos excelentes veinte primeros minutos, inigualables en el resto del filme, en donde una niñera es acosada por el teléfono por un psicópata que le dice que revise a los niños. El suspenso funciona a la perfección, pues el espectador está continuamente pensando si el asesino está afuera y sobre todo cuándo va a atacar, pero en un giro muy bien llevado a cabo, el cual ha sido utilizado varias veces después en el cine, el asesino esta presente en la misma casa. El director Fred Walton, filmó inicialmente un cortometraje llamado "The Sitter", el cual era esencialmente los primeros veinte minutos del filme, es por ello que cuando se ve la película, se siente que esos minutos podrían funcionar por sí solos. La decisión de convertirlo en un largometraje, fue tomada tras el enorme éxito del filme Halloween (1978), por lo que el guion fue expandido, agregando toda la persecución del villano Curt Duncan. Este alargamiento funciona bien como película y enfoque de un psicópata, aunque es claro que se diferencia mucho de las escenas iniciales, por lo que parecen dos películas distintas en una. En el enfoque de Curt, se nos muestra a un psicópata enfermo, aporreado por la sociedad y por encima de todo un ser patético. Esto es evidente en una de las buenas escenas de actuación del filme, cuando el personaje de Curt trata de aproximarse a una mujer en un bar, sin tacto y sin comprender que la situación se vuelve más y más incómoda para todos los presentes. Así mismo, la escena posterior cuando Curt va a la casa de la mujer, y entra sin permiso y se sienta, es extraña y peligrosa, siendo un gran momento en el drama del filme. Estos aspectos hacen de When a Stranger Calls un slasher un poco más complejo de los habituales.




El actor que interpretó a Curt, Tony Beckley, hace un excelente trabajo a pesar de la condición en la que se encontraba, pues al momento de empezar la producción ya tenía una enfermedad terminal avanzada que estaba acabando con su vida. El actor murió poco después de que empezara la fotografía principal del filme. El director, le dedicó la secuela de este filme, When a Stranger Calls Back (1993) a la memoria del actor. En la secuela hecha para la televisión, el director además volvió a reunir a la actriz Carlo Kane y el actor Charles Durning. Adicional a la excelente interpretación de Beckley, Walton fue capaz de dirigir a sus demás actores, siendo uno de los aspectos más destacables del filme. Charles Durning hace también una buena interpretación acerca de un personaje diferente para este tipo de filmes, pues es un hombre de la ley que se va transformando, tras haber capturado inicialmente al psicópata, el policía se retira, pero después de un tiempo, al saber del escape queda obsesionado con capturar de nuevo a Curt, aunque su principal objetivo es eliminarlo, algo que en un momento en particular del filme se vuelve como antagonista, pues el psicópata da la sensación de estar en un punto donde no puede hacer daño a nadie. Luego que Curt es perseguido y acosado, toma de nuevo su senda peligrosa para ir tras Jill, momento en que vuelve el terror. A destacar también, la escena en que Jill recibe de nuevo una llamada diciéndole que si ha revisado a los niños, pero en este caso son sus propios hijos, lo que le agrega todo un drama y terror inimaginables, excelentemente transmitido por la actriz Carol Kane.




When a stranger Calls es un slasher atípico, no recomendado para los que busquen muertes cada cinco minutos o un psicópata mudo tipo Michael Myers, sino para los que quieran ver una historia de suspenso bien contada, la cual se esfuerza en mostrar las transformaciones de sus personajes principales.

Trailer:


jueves, 3 de abril de 2014

Ghosts of Mars (2001)



Título Original: Ghosts of Mars
Título en Español: Fantasmas de Marte
Director: John Carpenter
Productor: Sandy King
Guion: Larry Sulkis y John Carpenter
Fotografía: Gary B. Kibbe Edición: Paul C. Warschilka
Año: 2001
País: Estados Unidos
Intérpretes: Natasha Henstridge, Ice Cube, Jason Statham, Clea DuVall, Pam Grier, Joanna Cassidy

Tagline: You Don't Stand a Ghost of a Chance
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0228333/reference


Después del sonado regreso del director John Carpenter a la pantalla grande con Vampires (Vampiros, 1998), que no fue tan bien recibido por la crítica, aunque el filme es más que entretenido y es una aproximación original al tema vampírico, Carpenter decidió escribir una historia de ciencia ficción desarrollada en el planeta Marte, con fantasmas de por medio, policías y presuntos asesinos. No importa que se cambie una horda de pandilleros por unos fantasmas, pues los elementos ya vistos están ahí. Fantasmas de Marte es considerada por algunos como su peor película, y si bien no se puede ir a tal extremo, es sin duda el momento menos inspirado en la carrera de este excelente director.




La historia empieza cuando se encuentra a la teniente de la policía Melanie Ballard (Natasha Henstridge), como la única tripulante de un tren. Cuando la llevan a interrogar, Melanie comenta lo que pasó con el equipo cuya misión era retornar con un peligroso asesino llamado Desolation Williams (Ice Cube). Aparentemente, cuando el equipo llegó a la primera ciudad de Marte, llamada Chryse, encontraron a todos los mineros asesinados, siendo todo un esparcimiento de sangre. El equipo se separa para encontrar qué sucedió, lo que lleva a que Melanie y el sargento Jericho Butler (Jason Statham) encuentren a Desolation encerrado en una celda, lo que lo descarta de ser el culpable de los sucedido en la ciudad. La historia continúa construyéndose a partir de flashbacks dentro de flashbacks acerca de lo que le sucedió a Melanie.




En Fantasmas de Marte, el realizador toma elementos prestados de su propia filmografía para construir una historia simple y en algunos momentos mal contada. En primer lugar, Carpenter toma la premisa del asedio, que funcionó perfectamente en Assault on Precint 13 (Asato a la comisaría 13, 1976), y la transfiere a otro lugar junto a otros acechadores, pero el fin básicamente es el mismo, eliminar a todos los que están encerrados en un solo lugar. Del mismo filme, se adapta la presencia del reo que se debe unir a la policía para lograr la supervivencia de todos, aunque en esta ocasión el personaje de Desolation Williams (Ice Cube) no tiene el carisma ni el magnetismo de pantalla que posee el personaje de Napoleón (Darwin Joston), ni tampoco el de otros personajes destacables como Nada (Roddy Piper) o el mítico Snake Plissken (Kurt Russell). Finalmente, algo de la película The Fog (La Niebla, 1980) está allí, en cuanto a los fantasmas; similitudes con The Thing (La Cosa, 1982) se pueden captar en la incertidumbre del quién es quien, y las posesiones que se vieron en Prince of Darkness (Príncipe de las Tinieblas, 1987) son también adecuadas para este filme. Encima de todo ello, el filme se presenta con bajo presupuesto, a pesar de contar con un buen dinero que la puede clasificar entre el límite de un filme independiente y un proyecto barato de grandes estudios. El bajo presupuesto es algo que no es ajeno al director, pero está menos aprovechado los recursos que en sus otros filmes, pues las locaciones son repetitivas y simples, en especial el centro de la acción en la ciudad de Marte llamada Chryse, que más que una ciudad parece un barrio.

Otro de los aspectos negativos es la forma de contar la historia, pues si en In the Mouth of Madness (Al Borde de la Locura, 1994), otra película de la que toma algo prestado (el flashback explicativo), funcionaba muy bien al empezar la historia adelantada para que el personaje empezara a explicar lo sucedido, en este caso, el flashback no es uno solo, como en la citada película, sino que la historia vuelve varias veces al futuro para mostrar a Melanie contar la historia, hecho que evidentemente atenta contra el ritmo y la tensión del filme, además de que ya se sabe de entrada cual es la sobreviviente. Pero el problema se acrecienta además, porque Carpenter decidió contar diversos flashback para los personajes secundarios, de acciones que ocurrieron en algunos casos pocos minutos antes, lo que no ayuda para nada a la historia. Y así como lo hizo en Vampires-aunque en Fantasmas de Marte lo utilizó más-, Carpenter narra la acción usando disolvencias que son por lo menos fastidiosas.




La composición musical de Carpenter está allí, pero no es la que nos tiene acostumbrados para construir atmósferas, sino que en esta ocasión tiende a ser más pesada, acompañada por la música de Anthrax, que puede servir para presentar personajes y su final, pero no para usarla en todo el metraje. De igual forma, los actores no colaboran tanto, Ice Cube se limita a expresar ademanes de tipo duro, sin llegar a generar empatía o admiración alguna. Se tiene a la actriz Natasha Henstridge, que a pesar de su esfuerzo, no logra convencer al espectador de su trasfondo de adicta, ni es un personaje creíble, en cuanto al mando que maneja o el hecho de no importarle que sus compañeros bajo sus órdenes mueran hacia el final, hay que recordar que la actriz reemplazó a la primera opción que era Courney Love. El papel de Pam Grier, una actriz que le otorga otra presencia al filme desaparece muy pronto, mientras que Jason Statham parece perdido en este guion. El antagonista no está bien construido ni es para nada memorable, un elemento que se descuidó demasiado.

Para rescatar algo del filme, es que Carpenter hace lo suyo, lo que quiere hacer, contar películas de serie b, así en esta ocasión se equivoque en grandes proporciones. La premisa inicial era muy llamativa, y es posible pensar que con un mayor presupuesto y un casting distinto se podría haber mejorado algunos aspectos del filme. Como en otras colaboraciones del director, el grupo especializado en efectos especiales KNB, liderado por Gregory Nicotero (que aporta su cabeza para una escena) y Robert Kurtzman, hacen un trabajo prolijo en el maquillaje y las muertes en pantalla. En ese sentido, la película va creciendo en dificultad y violencia, cuando las peleas se hacen cada vez mayores, las decapitaciones aumentan y el gore está muy presente. También hay que mencionar la buena labor en la elaboración de los modelos del tren y la perfecta fusión con los actores.




En resumen, Fantasmas de Marte es un filme fallido por diversos aspectos, desde el guion basado en películas anteriores del director y las actuaciones, hasta la forma de contar la historia. Sin embargo, para los verdaderos seguidores del director puede parece una película con falta de inspiración pero a pesar de todo entretenida.

Trailer:


domingo, 16 de marzo de 2014

Escape From L.A. (1996)



Título Original: Escape From L.A.
Título en Español: Escape de Los Ángeles
Director: John Carpenter
Productor: Debra Hill y Kurt Russell
Guion: John Carpenter, Debra Hill y Kurt Russell
Fotografía: Gary B. Kibbe
Edición: Edward A. Warschilka
Año: 1996
Intérpretes: Kurt Rusell, Steve Buscemi, Peter Fonda, Cliff Robertson, Valeria Golino, Stacy Keach, Pam Grier, Bruce Campbell.

Tagline: Plan Your Escape This Summer
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0116225/reference



Mucho se había hablado de una secuela del clásico de culto Escape From New York (Escape de Nueva York, 1981) del director Carpenter, pues el personaje de Snake Plissken era lo suficientemente interesante para que el cine volviera a su mundo. Luego de varios años, se propició la posibilidad de recrear un nuevo escape, gracias al apoyo del actor Kurt Russell y a que los estudios confiaron en hacer una secuela, pero no sin ejercer cierta presión, como lo fue la de volver a contar la historia del personaje, por miedo a que el público joven no lo conociera. Esto derivó en que la secuela, escrita por John Carpenter, Debra Hill y Kurt Russell, a pesar de ser divertida y contar con un mayor presupuesto, fuese casi que un calco milimétrico de la original, desencantando un poco a los fanáticos de la primera entrega.




Es el año 2013. Un terremoto a gran escala causa que la ciudad de Los Angeles se convierta en una isla. El presidente (Cliff Robertson) la convierte en un lugar para mandar a las personas que no cumplan con su particular código moral, haciendo de la isla un lugar lleno de indeseables que se mueven sin ley u orden. Pero, cuando la hija del presidente (A. J. Langer), llamada irónicamente "Utopia", se roba un mecanismo secreto del gobierno cuando está en un avión presidencial, los problemas aparecen. Ella hace su camino hacia la isla y le entrega el mecanismo a Cuervo Jones (Georges Corraface), el cual no dudará en chantajear al gobierno. Es por ello que el presidente y sus jefes de seguridad, recurren a la única opción viable para recuperar el mecanismo, persuadir a Snake Plissken (Kurt Russell), para que vaya a la isla, recobre el mecanismo y además elimine a la hija del presidente, para evitar juicios largos y no deseados. Plissken es presionado mediante el contacto a un virus el cual lo matará en 8 horas, tiempo que tendrá para cumplir su misión y regresar, aunque eso no sean buenas noticias para el gobierno.




Es casi insólito, que esta segunda parte realizada con un presupuesto mucho mayor (de 50 millones de dólares) decepcionara en parte al público afín al género, porque lo que veía en pantalla era un Deja Vu, como el propio Pliskeen lo apunta: “Ya había oído eso”. Todos los puntos fuertes de la original se repiten. La transformación de una ciudad en una prisión de indeseados (pasando de Nueva York a una Los Ángeles que se separó del país por la acción de un terremoto), que por supuesto Carpenter utiliza como base de críticas al gobierno y a la supuesta libertad: “Los Estados Unidos no es una nación fumadora. No se puede fumar, no se puede beber, no se pueden usar drogas, no se permite estar con mujeres a no ser que estén casados, no se permiten armas, no se permite la carne roja”, todo un discurso de libertad que expresa su presidente interpretado por Cliff Robertson (el equivalente al personaje del presidente de Donal Pleasence). La coerción por parte del gobierno para obligar a Pliskenn a entrar a una ciudad y recuperar algo por ellos (un veneno introducido en su sistema, además de todo un equipo de comunicación y militar para entrar y salir). El jefe militar que se apodera de un mecanismo que puede dañar al gobierno, en este caso Cuervo Jones (George Corraface) es el equivalente a The Duke (Isaac Hayes). El personaje que se conoce la ciudad y que le juega sucio a Plissken, en este caso Map to the Stars Eddie interpretado por Steve Buscemi reemplaza a Cabbie (Ernest Borgnine), la prueba a la que es sometido Plissken que supera con creces (se cambia la pelea por las habilidades en el basquetbol), la escena en que el personaje se sienta cuando necesita pensar que hacer, y el final en el sentido de "no me importa el mundo" de Plissken, donde cambia un CD (un cassete en la original) para vengarse a su manera del gobierno. Aunque esta segunda entrega tiene el aliciente de que el mundo queda como lo ve Plissken, todos por su cuenta.

Todos estos elementos ya conocidos dejan un sentimiento frio cuando se ve el filme, aunque hay que reconocer que hay nuevas ideas en esta segunda entrega y por supuesto el personaje de Plissken sigue siendo sarcástico y entretenido, por lo que vale la pena ver el filme. El alto presupuesto con el que contó Carpenter, originó que la historia fuera un poco más ambiciosa en cuanto a los efectos especiales y las escenas de acción, aunque de igual forma se utilizaron pinturas y maquetas como en la primera entrega, pero en general todo aumentó de escala. En ese sentido, el filme posee el problema del mal envejecimiento, pues los efectos visuales que funcionaron en la época, ya no funcionan el día de hoy y eso se nota, en especial, el viaje en el submarino individual del personaje por el océano (en Nueva York viajaba en un avión). La secuela también propició que los actores que participaron fuesen más reconocidos, teniendo por ejemplo a Steve Buscemi, Pam Grier, Valeria Golino y hasta Peter Fonda, este último participando en un papel poco asociado a él, el de un surfista, pero con el cual se creó una de las escenas más originales del filme, la de montar en una tabla de surf y dejarse llevar por nada más y nada menos que un tsunami. Recordemos que el director, ya había utilizado el surf para una de sus películas, su primera de hecho, en Dark Star (1974), en la que uno de sus protagonistas queda vagando en el espacio montando su tabla de surf. También es importante la utilización de nuevo, de la genial música creada por el director para Escape From New York, la cual es usada al inicio de este filme. Cabe notar además, la aparición en especie de cameo, del mítico Bruce Cambell, haciendo de jefe de cirujanos que andan tras el tráfico de cirugía plástica.




Como se mencionó anteriormente, Plissken es el personaje importante, y todo su sarcasmo y rebeldía, juegan de nuevo a favor del argumento. En este caso, también se repite la terminación prematura de un posible interés romántico del personaje, pues cuando Taslima (Valeria Golino) le ofrece sus encantos, inmediatamente cae asesinada, siendo una escena totalmente cómplice del humor negro. Así mismo, el diálogo cómico asociado al personaje está presente, cada vez que se encuentra con algún nuevo personaje, pues todos le dicen que lo imaginaban ser más alto, frase que se cambió del guion de la primera entrega, el cual apuntaba al: "pensé que estabas muerto". Es especial también, la relación de Plissken con sus captores, en los momentos en que pregunta a dos de ellos que quién le inyectara el antídoto cuando regrese, y ante la negativa, Plissken intentará eliminarlos, pero se da cuenta de que eran solo unos hologramas, recurso que le devolverá a ellos el personaje hacia el final del metraje.




Si se comparan las dos películas de Escape, sin duda alguna esta secuela sale mal parada, no solo por las similitudes en el guion, sino por el final mejor elaborado en Nueva York. Pero, si se toman los elementos divertidos, el retorno del personaje, y algunas inspiradas escenas, es una secuela que vale la pena tener en cuenta. Continuando con las secuelas, es sabido que hace tiempo se viene hablando de una posible tercera parte llamada hipotéticamente “Escape From Earth”, pero la cual nunca ha visto la luz. Así como el posible remake de Escape From New York, con un nuevo actor interpretando a Plissken, con el fin de actualizar el personaje al nuevo público, pero es algo que no ha terminado de gestarse y es indudablemente muy difícil imaginarse a otro actor diferente a Kurt Russell para el papel. Veremos que sucede en un futuro próximo.

Trailer:

viernes, 14 de marzo de 2014

The Alien Collection # 8: The Thing (1982)



Título Original: The Thing
Director: John Carpenter
Productor: David Foster, Lawrence Turman y Stuart Cohen
Guion: Bill Lancaster
Fotografía: Dean Cundey
Edición: Todd C. Ramsay
Año: 1982
País: Estados Unidos
Intérpretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, T. K. Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart

Tagline: What you fear most... is among you
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0084787/reference



Tras realizar una maravilla de ciencia ficción independiente, llamada "Escape From New York (1981)", el director John Carpenter aceptó realizar una producción grande de estudio, contando con un presupuesto elevado, algo con lo que no había trabajado antes. El proyecto era el remake del clásico de Howard Hawks "The Thing From another World, 1951", dirigido por Christinan Nyby, aunque siempre se dice que el que verdaderamente la dirigió fue el héroe de Carpenter, Hawks. Sin embargo, Carpenter no se tomó el trabajo de rehacer el filme original, sino que siempre tenía claro volver a la fuente, a la historia del escritor norteamericano de ciencia ficción John W. Cambell Jr. llamada "Who Goes There?", que se centraba en la paranoia de los personajes al no saber quién es humano y quién no. Carpenter tomó esta premisa y trabajo en un estudio acerca del miedo del ser humano, como lo llamó, para crear su primer obra maestra, un clásico del terror y de la ciencia ficción, el cual es difícilmente igualable aún hoy en día, debido a gran talento del equipo de trabajo y a las creaciones originales que se ven en el filme.




Los habitantes de una estación de investigación científica ubicada en la Antártida (la película original estaba situada en el Polo Norte), se sorprenden al ver a un perro que está escapando de un helicóptero, cuyos tripulantes le disparan a matar. Los tripulantes del helicóptero, también son investigadores científicos, pertenecientes a una base Noruega, que quieren evitar una propagación de una criatura, pues sin saberlo, los americanos reciben y acogen al can que en realidad es un xenomorfo, un ente alienígena que es capaz de imitar en cada detalle a su presa y hacerse pasar por ella. El helicóptero cae por accidente, muriendo de esta forma los tripulantes, pero los americanos mandan una expedición en helicóptero hacia la estación Noruega con el fin de encontrar respuestas. Una vez allí, el piloto MacReady (Kurt Russell) y el doctor Copper (Richard Dysart) encuentran destrucción, muerte y algo que los científicos noruegos querían destruir con queroseno.

Después de examinar unas cintas de video encontradas en la base destruida, los americanos descubren que los noruegos encontraron una nave espacial enterrada en el hielo, junto con un alienígena congelado, que a pesar de estar miles de años en el lugar, no estaba muerto. El alienígena puede asimilar e imitar cualquier forma de vida, animal o humana a nivel celular, y mientras que se acerca el invierno, y no se puede pedir ayuda, el problema de los científicos es saber quién es quién.




The Thing (La Cosa) es sin duda una de las obras maestras del director americano debido a varios aspectos. En primer lugar, Carpenter se enfocó en la historia original, partiendo en esta ocasión en un guion que no es de su autoría, cediéndole el trabajo a Bill Lancaster, quien solo tenía un trabajo anterior como guionista en una historia infantil llamada "The Bad New Bears" de 1976, por lo que es sorprendente su buen hacer como guionista en The Thing. El guion, que inicialmente era de 40 páginas, las cuales eran muy fieles a la historia de Cambell, enamoró completamente al director, quien se puso manos a la obra para completarlo junto a Lancaster y desarrollar una historia centrada en el miedo humano. ¿Qué es lo peor del miedo humano?, no saber en quién confiar. Esta premisa es la base del filme, de sus miedos y del terror que sienten los protagonistas al estar esperando lo inesperado. Sin saber en quien confiar, la paranoia se apodera de todos, cada uno va por su cuenta hasta que encuentran una forma de hacer un test con la sangre (escena tomada de la historia). Es allí donde entra el talento de Carpenter, otro de los aspectos destacables, la dirección. Carpenter es un maestro en el suspenso, al igual que en la sorpresa. En The Thing, convergen estos dos conceptos, pues en la mayoría de las escenas, las transformaciones del alienígena son mostradas en cámara, aterrorizando al espectador con imágenes increíbles. En una de sus clásicas escenas, mientras no saben quién puede haber sido imitado por el xenomorfo, se encuentran con uno de los miembros del grupo a quién le está dando un ataque al corazón, mientras otro de los miembros trata de reanimarlo con sus manos, y en este punto nadie piensa que el xenomorfo está dentro del moribundo, su pecho se abre y las costillas toman la forma de unos dientes arrancándole los brazos al buen samaritano. Todo un shock perverso al espectador. Así mismo, el director maneja varias escenas con un gran suspenso, como la nombrada escena del test de sangre, para saber quién está convertido por el xenomorfo, con una prueba de calor en la sangre.




El notable trabajo del experto en efectos de maquillaje Rob Bottin, con apenas 22 años, fue impresionante, realizando todos los trucos conocidos, pero también creando nuevos para el filme, el cual después de más de 30 años conserva ese poder de impacto. Bottin trabajó casi sin descanso, para que los efectos salieran reales, contando eso sí con un gran equipo técnico. El mismo Stan Winston colaboró en algunas escenas, debido al abrumador trabajo que tenia Bottin, ayudando por ejemplo en la ecsena de la jaula con el perro. En adición, el aspecto épico del filme, cuando encuentran la nave desenterrada es el trabajo de las pinturas en mate del experto en efectos visuales Albert Whitlock, quien trabajó con Alfred Hitchcock en varias de sus películas, incluyendo a The Birds (1963), donde realizó también diseños gráficos.

The Thing es también considerado el mejor trabajo en palabras de su director, y es razonable esta afirmación, debido no solo a lo expuesto anteriormente, sino a que se nota el amor que cada uno de los miembros del equipo puso en el largometraje. El filme, es completamente atmosférico y claustrofóbico, situado en una estación en el fin del mundo, donde no es posible pedir ayuda y no se puede confiar en sus amigos. El trabajo del experto en cinematografía Dean Cundey, resalta la paranoia de los personajes y su aislamiento. El trabajo de cámara es soberbio, mientras que la iluminación se utilizó a veces en escenas con poca luz. En algunas de ellas, la iluminación se creó a partir de luces de bengala, resaltando de esta forma el suspenso. Todo con ayuda de una excelente banda sonora, que como curiosidad no fue compuesta por Carpenter, como en sus filmes independientes, sino por el maestro Ennio Morricone, quien aportó lo suyo para ambientar el filme. Morricone compuso una música similar al estilo del propio Carpenter, sobre todo por el uso del bajo y los acordes que siempre ha caracterizado al director. Los personajes son también destacables, y no hay ninguna mujer en pantalla, aunque por ese motivo Carpenter hizo que la voz de computador fuera la de una mujer, de la actriz Adrienne Barbeau. Como curiosidad adicional, inicialmente había un personaje femenino, pero la actriz seleccionada quedó embarazada por lo que el director cambio el género de ese personaje. Caso contrario a la precuela del 2011, donde la protagonista es una mujer. Aunque el guion no profundiza en todos los personajes, se destaca es el piloto MacReady, quien toma el mando de la situación cuando ninguno sabe qué hacer, hasta llegar a un final abierto que deja pensando al espectador.





The Thing partió siendo un remake del clásico filme de los 50, pero gracias a Carpenter, se creó a partir de la historia original la cual contenía muchos elementos nunca vistos. El filme de Nyby, que fue de bajo presupuesto, tenía una gran ambientación y suspenso, pues el alienígena, que en esta ocasión solo buscaba alimentarse con la sangre de los investigadores, no era mostrado hasta el final del filme, donde se presentaba más o menos como un hombre en un traje, algo que decepcionó, aunque para la época fue todo un clásico. The Thing de Carpenter, fue mucho más real y visceral, además que la mayoría de efectos se veían en pantalla, todo un avance en el horror a la fecha, y una gran influencia para los directores de género posteriores, o también en series de televisión, como por ejemplo en el capítulo llamado "Ice" de la primer temporada de "X-Files (Archivos-X)".

Es extraño entonces, que el filme fuese un fracaso en taquilla, debido a la calidad del mismo, aunque hay que recordar que ese mismo año se estrenaron otros filmes de ciencia ficción, incluyendo a Blade Runner y E.T- the Extraterrestrial, el cual tenía un alienígena más amigable en pantalla y más querido para ver en familia. Pero, la justicia se hizo presente, y después de varios años The Thing tiene el reconocimiento que se merece, siendo una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia.





En el 2011 salió una precuela dirigida por Matthijs van Heijning, la cual es apreciable de ver, pero se basa muy de cerca en el filme de Carpenter, siguiendo más o menos todos sus grandes momentos, a pesar de que cuenta lo sucedido en la estación Noruega. Sin embargo, los efectos digitales, que están bien hechos, no tienen el encanto y la sorpresa de los efectos artesanales del filme de Carpenter.

Datos:
• Donal Pleasence ina a hacer el papel de Blair, pero no pudo debido a sus compromisos con otros proyectos.
• Lo que dice el piloto del helicóptero, en idioma Noruego es: "Vayánse de allí, que no es un perro, es una especie de cosa. Está imitando al perro, pero no es real. Corran idiotas!".
• Para dar la sensación del ambiente de la Antártida en los interiores, los estudios fueron refrigerados a 4ºC mientras afuera estaba a 38ºC.
• Uno de los personajes se llama Mac y otro Windows.
• El filme según Carpenter, es la primera de la trilogía llamada del "Apocalipsis", las otras dos son Prince of Darkness e In the Mouth of Madness.

Trailer:


domingo, 12 de enero de 2014

The Andromeda Strain (1971)



Título Original: The Andromeda Strain
Director: Robert Wise Productor: Robert Wise
Guion: Nelson Gidding
Fotografía: Richard H. Kliney
Edición: Stuart Gilmore & John W. Holmes
Año: 1971
País: Estados Unidos
Intérpretes: Arthur Hill, David Wayne, James Olson, Kate Reid, Paula Kelly

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0066769/reference
Tagline: The picture runs 130 minutes!... The story covers 96 of the most critical hours in man's history!... The suspense will last through your lifetime!


Por décadas se ha pensado en la existencia de vida extraterrestre, la cual desde el punto de vista científico, es más probable que se dé al encontrar microorganismos provenientes del espacio. Es así, como el escritor de ciencia ficción Michael Crichton, se enfocó en una historia en la que se trataba con una amenaza extraterrestre, desde el laboratorio científico más avanzado jamás concebido, en su novela The Andromeda Strain (La Amenaza de Andromeda). Tiempo después del éxito de la novela, Nelson Gidding realizó la adaptación de la novela homónima y bajo las órdenes del especialista en cine de ciencia ficción, Robert Wise, director de la famosa The Day the Earth Stood Still (El día en que la tierra de detuvo, 1951), realizó este clásico de ciencia ficción que es verdaderamente fiel a lo esbozado en el libro, y por consiguiente maneja un miedo real del ser humano, el miedo a la aniquilación.




Cuatro científicos estadounidenses, escogidos por sus logros particulares en ciencias como la microbiología, patología, epidemiología y química electrolítica, han sido convocados, sin saber por qué, a un laboratorio secreto que el proyecto Wildfire esconde bajo tierra, en el desierto de Nevada. El equipo del Wildfire consiste en: Jeremy Stone (Arthur Hill), el líder; Ruth Levitt (Kate Reid), la cínica y además epiléptica; Mark Hall (James Olson), el cirujano apasionado; y Charlie Dutton (David Wayne), el escéptico. Allí, rodeados por los más sofisticados equipos técnicos y sin poder comunicarse con el exterior, excepto por una línea directa con la oficina de Seguridad Nacional, trabajan para combatir la amenaza de una epidemia mundial. Han de encontrar un antídoto contra un microorganismo desconocido que, inexplicablemente ha matado a todos los habitantes, excepto a un anciano y a un bebé, en un pequeño pueblo en Arizona, justo donde un satélite ha caído. El microorganismo llamado Andromeda, comienza a mutar y a consumir los sellos de los laboratorios, mientras el equipo está en una carrera contra el tiempo para detenerlo.

Pocas películas que se centran en la ciencia ficción han utilizado las bases científicas como tal, es decir, emplear a conciencia el método científico. Si algo destaca a la historia de "La Amenaza de Andromeda" es su aproximación realista. Es de destacar pues, que en un filme de ficción, se lleve al espectador de forma pausada, a los descubrimientos acerca del microorganismo extraño. En el filme, no hay parafernalia sobrante, ni efectos especiales apabullantes, ni siquiera héroes típicos que salvan la humanidad. Los científicos, van analizando a Andromeda, utilizando técnicas de caracterización tan habituales en ciencia como un microscopio electrónico, difracción de rayos-x o espectroscopia de masas, con el fin de identificar, el tamaño del agente biológico, su mecanismo a la hora de matar y sus principales componentes químicos. Este estudio científico es sin duda novedoso, no porque no se haga en la vida diaria, sino porque generalmente no se presenta de esta forma en la cinematografía. Tan acostumbrados estamos a ver resultados inmediatos, o análisis de menos de cinco minutos, que los estudios rigurosos expuestos en el filme son un aire fresco al género. Además, otro protagonista de la historia es la propia instalación llamada Wildfire, construida de forma subterránea, para tratar estos peligros, la cual está compuesta de cinco niveles, cada uno más seguro que el otro. A medida que los doctores van bajando de nivel, los niveles de control de contaminación aumentan, así como se puede ver los sofisticados laboratorios, construidos sin duda alguna, en base a el conocimiento del escritor Michael Crichton como científico que fue y a la colaboración de importantes institutos científicos como Cal-Tech (Instituto de Tecnología de California) o el Laboratorio de Propulsión a Chorro de la NASA.




El realizador Robert Wise dividió el filme en cuatro partes, pasando en cuatro días diferentes. La primera mitad trata sobre la recuperación del satélite y el descubrimiento de sobrevivientes a la catástrofe, mientras la segunda mitad, se enfoca en el estudio del microorganismo y la búsqueda del antídoto, donde el cirujano Hall tiene un papel más que relevante. La historia funciona además, debido al uso de actores desconocidos, los cuales compaginan muy bien como un equipo que se forma a la fuerza urgentemente. Ese es otro punto fuerte del filme, sus personajes que son creíbles y cada uno tiene sus propios problemas morales. Se destaca el mencionado doctor Hall, a quien le encargan la tarea de guardar la llave roja que evitaría una posible explosión nuclear del Wildfire, en caso de que llega a haber una contaminación (la cual evidentemente se dará). Hall es escogido debido a su condición de soltero, por lo que tiene menos porcentaje de que deje explotar el laboratorio si algo falla. Esta pesada carga abruma a Hall, lo que lo hace querer encontrar rápidamente las respuestas con el fin de evitar una destrucción. También se destaca la cínica doctora Ruth, quien escondió en su hoja de vida su condición de epiléptica, debido a la preselección que hacen para escoger a los miembros del equipo. Su condición, que es afectada por las luces rojas, afectara su desempeño y pondrá su vida en peligro.




Finalmente, hay una crítica al gobierno y a los políticos en tres sentidos. En el primero de ellos, la necesidad impuesta por encontrar bacterias para su uso militar es la propia causante de los peligros a los que se enfrentan los científicos, pues las instalaciones han sido usadas con fines militares para crear guerras biológicas. Además, posteriormente se da a conocer, tras el cinismo del doctor Stone, que el satélite estaba encontrando muestras biológicas con el fin de un uso militar. No se puede jugar con fuego, ni pensar en destruir selectivamente a una población de la humanidad sin poner en peligro nuestra existencia y nuestra propia moralidad. El segundo sentido de crítica, va enfocado hacia la ignorancia científica, la cual está presente hasta en los más altos niveles del gobierno, los cuales deberían estar mejor asesorados cuando se trata este tipo de crisis. Así mismo, se evidencia como un error la supresión del equipo humano, por ejemplo, la automatización de un gran laboratorio multimillonario, pero el cual no tiene en cuenta la valiosa comunicación con el otro, y tercero la vigilancia y el control contra los civiles, como cuando controlan la llamada de la esposa de Jeremy.

Por otro lado, parte del encanto del filme viene dado por nuestra curiosidad científica, pues Andromeda se presenta como un enigma o misterio que se va resolviendo poco a poco. Wise le otorga al espectador las pistas de cómo funciona el microorganismo, que no hace más que aumentad nuestra curiosidad, hasta un clímax muy bien logrado, no exento de tensión pero tampoco llevado a la exageración.




La Amenaza de Andromeda es un filme científico capaz de ser un filme de entretenimiento, pero basado en un estudio riguroso, mostrando una paciencia poco habitual en el género de la ciencia ficción, pero que se aplaude por su originalidad. Es quizás debido a esta paciencia en construir el misterio y desglosarlo, que el director decide en momentos puntuales del filme, dividir la pantalla en varios cuadros, mostrando diferentes situaciones a la vez, como la observación de las víctimas o los animales de estudio. Finalmente, cabe destacar los impresionantes créditos iniciales, basados en reportes y resultados científicos además de la colaboración del director y experto en efectos visuales Douglas Trumbull.

Trailer:

lunes, 6 de enero de 2014

Starman (1984)



Título Original: Starman
Director: John Carpenter
Productor: Larry J. Franco y Barry Bernardi
Guion: Bruce A. Evans y Raynold Gideon
Fotografía: Donald M. Morgan
Edición: Marion Rothman
Año: 1984
País: Estados Unidos
Intérpretes: Jeff Bridges, Karen Allen, Charles Martin Smith, Richard Jaeckel, Robert Phalen

Tagline:
In 1977 Voyager II was launched into space, inviting all lifeforms in the universe to visit our planet. Get ready. Company's coming

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0088172/reference

Tras el fracaso en taquilla con la película The Thing (La Cosa, 1982), Carpenter regresó a la ciencia ficción con otro proyecto con gran presupuesto, de hecho más del doble de su película anterior, para desarrollar el filme llamado Starman. El filme, que se puede ver como un romance de ciencia ficción, es un punto atípico en la carrera del director, en cuanto a su clasificación como director de horror. Es así pues, que Starman se convirtió en su filme más agradable, contando una historia íntima de una pareja extraña, pero a la vez enmarcada en el género de ciencia ficción, convirtiéndose a la vez en un éxito en taquilla y en un clásico instantáneo.




El filme abre con una secuencia de la sonda espacial Voyager II, lanzada en los años setenta con el fin de mandar un mensaje a cualquier ser viviente en el espacio. El mensaje llegó efectivamente a las manos de unos alienígenas, quienes mandan a un explorador para que vaya a la tierra, pero debe regresar en tres días, de lo contrario morirá en nuestro ambiente. El hombre de las estrellas, se estrella en un pequeño pueblo, llegando posteriormente a la casa de una viuda reciente, llamada Jenny Hayden (Karen Allen), quien vive deprimida por lo sucedido con la muerte de su esposo. El extraterrestre, encuentra un álbum de fotos familiares y junto a una de ellas está un mechón del cabello del difunto esposo de Jenny, Scott (Jeff Bridges). El ser de otro planeta entonces, toma prestado el ADN de Scott para hacer un embrión y crecer a una velocidad inimaginable, todo presenciado por Jenny, quien atribuye el hecho a que estaba bebiendo esa noche.

El nuevo Scott, se pasa la noche viendo cintas viejas de la pareja, y decide presentarse ante Jenny con la apariencia de su esposo, con el fin de que ella encuentre algo familiar. Jenny asustada al principio, no comprende lo que sucede, cuando el nuevo Scott le pide que lo lleve a Arizona con el fin de alcanzar a sus compañeros en una nave espacial. Mientras tanto, el gobierno se percata de la llegada del ser, al captar el viaje del objeto volador no identificado, y decide que deben capturar al alienígena para estudiarlo. Solo el científico del grupo SETI, Mark Shermin (Charles Martin Smith), se preocupa por el bienestar de Starman, pues lo que le dice su sentido común, es que la tierra lo invitó a venir, no a que fuese estudiado. La carrera comienza para que Starman regrese a su nave antes de que el ejército lo capture, pero no sin antes tratar de ayudar al prójimo.




Starman es una road movie de ciencia ficción, centrada en el romance. El filme se soporta en los dos personajes principales y cómo crece su relación. Gran parte del éxito de la película es el buen hacer en la dirección de John Carpenter, quien supo manejar a estrellas de Hollywood y sacar lo mejor de ellos. El primero de ellos, es Jeff Bridges, un gran actor, quien se toma sus papeles muy en serio. Para su interpretación del nuevo Scott, Bridges tuvo la dura tarea de crear a un ser que no conoce los sentimientos humanos, y solo maneja un puñado de palabras del vocabulario en inglés, obtenidas de la sonda Voyager II. Bridges pasó varias semanas estudiando los movimientos de sus niños para imitarlos y poder captar además su asombro frente a las cosas. Este continuo asombro, está realmente creíble en su personaje, como cuando interactúa con el personaje de Jenny, y con todos los personajes que se encuentran en el camino. Toda una gran transformación que le valió al actor una nominación a los premios Oscar. Así mismo, Karen Allen, tuvo la dura tarea de mostrarse como una mujer deprimida y con una carga emocional potente, debido a la pérdida de sus esposo, pero inmediatamente trastornada por el secuestro inicial, por cuya seguridad cree en peligro, pero una vez conoce y ve las buenas acciones de Starman, cambia completamente para ayudarlo y hasta llegar a enamorarse de él. El romance ingenuo va creciendo entre los dos, logrando inmediatamente una buena empatía con el espectador, hasta que se convierte en una relación más adulta. Scott, va aprendiendo de su compañera, no solo el significado literal de las palabras, sino también la profundidad de ellas, como cuando le pide que le defina el amor. Así mismo, el personaje de Scott, siendo extraterrestre, se muestra como más humano que los propios humanos, pues se estremece al ver a un ciervo muerto a causa de un cazador, debido a que su instinto es de respeto por cualquier forma de vida, hecho que hace revivirlo con ayuda de una de sus esferas mágicas. Starman realiza un buen número de milagros, utilizando sus esferas, las cuales son de una cantidad limitada. Este hecho, además de que tiene tres días para regresar a su nave y ascender a los cielos, hace que este personaje sea comparado con la venida de Jesucristo.




A partir del desarrollo del personaje, vemos un buen contraste entre la humanidad y la ceguera militar, toda una crítica al gobierno que busca siempre disparar primero y hacer preguntas después. El guion escrito inicialmente por Bruce A. Evans y Raynold Gideon, tuvo varios cambios con los que se acomodó mejor el director, realizados por parte de Dean Riesner, quien no tuvo los créditos que se merece, debido a una orden del sindicato de escritores. Sin embargo, Carpenter le otorgó el reconocimiento al dedicarle el filme a su nombre. El guion posee además, unos excelentes diálogos en la mayoría de las escenas, haciendo más amigable el personaje de Scott y otorgándole la dosis de humor que hacen más ameno el filme. Junto al guion, se destaca además, los efectos especiales, en su mayoría bien trabajados, que hacían ver los poderes del extraterrestre trabajar en pro de la no violencia, pues recordemos que Starman es un visitante pacifista, por ello prefiere calentar una barra de hierro para ahuyentar a un furioso conductor en vez de agredirlo.

El éxito del filme hizo que se produjera una serie de televisión dos años después para la cadena ABC, del mismo nombre y protagonizada por Robert Hays y Christopher Daniel Barnes, en la que se continuaba la historia del filme, catorce años después, cuando el alienígena regresa a la tierra como un clone de un reportero gráfico muerto, llamado Paul Forrester, todo ello con el fin de pasar tiempo con su hijo, ahora adolescente, Scott Haydem Jr, mientras tratan de evitar al gobierno y encontrar a la desaparecida Jenny Hayden.




Starman, no es el mejor filme del director Carpenter, y muchos de sus fanáticos no entendieron este cambio de registro al tratar una historia basada en un romance, pero no cabe dudas que Starman es un filme del director, todo su talento esta allí, en la forma de manejar los personajes y crear atmósferas. Además, Starman muestra otro punto de vista de las visitas extraterrestres, desde un ángulo más original y entretenido, una historia romántica con toques de humor convertida en una cinta de ciencia ficción, catalogada por algunos como la mejor película del género del año 1984, por encima de películas como Dune de David Lynch o de Star Trek III: The Search for Spock de Leonard Nimoy. Starman es un filme que se puede apreciar además por las buenas interpretaciones, que dejan inclusive pensando al espectador y confrontándolo acerca de sus propios valores. Es un filme ameno y entretenido que cuenta una historia de amor que perdura en el tiempo.

Trailer:

 

domingo, 5 de enero de 2014

The Giallo Collection # 21: The Lady in Red Kills Seven Times (1972)



Título Original: La dama rossa uccide sette volte
Director: Emilio Miraglia
Productor: Elio di Pietro
Guion: Emilio Miraglia & Fabio Pittorru Fotografía: Alberto Spagnoli
Edición: Romeo Ciatti
Año: 1972
País: Italia / Alemania del Oeste
Intérpretes: Barbara Bouchet, Ugo Pagliai, Marina Malfatti, Marino Masé, Pia Giancaro, Sybil Danning

Imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0068444/reference

La dama rossa uccide sette volte (La Dama Roja Mata Siete Veces) fue el segundo Giallo y última película de la corta carrera del director italiano Emilio Miraglia. Para este Giallo, Miraglia, quien coescribió el guion, manejó elementos conocidos de su anterior Giallo La notte che Evelyn uscì dalla tomba (La Noche en que Evelyn Salió de la Tumba, 1971), como eran los castillos y atmósfera gótica para ambientar su filme, además de crear suspenso y misterio en cuanto a una historia de dos hermanas, en la que una de ellas supuestamente regresa de la tumba para buscar venganza. Así mismo, tomando prestado el nombre de Evelyn, como nombres de personajes importantes en sus dos Giallos. La dama rossa uccide sette volte esta creada en la época dorada de este sub-género, siendo un gran exponente de él, pues el estilo y la elegancia están presentes en la forma de filmar y la historia posee la habitual gran cantidad de sospechosos.




Kitty (Barbara Bouchet) y su hermana Evelyn han estado peleando entre ellas desde que eran pequeñas, siempre por culpa de las malas intenciones de Evelyn. En una de sus riñas, cuando Evelyn le roba una muñeca y están a punto de herirse, su abuelo las separa y les cuenta la historia de la reina roja, quien asesinó a seis víctimas antes de asesinar a la reina negra, su hermana, luego de haber revivido debido a que la reina negra la asesinó primero. La leyenda ha estado presente en la familia desde hace mucho tiempo, repitiéndose la historia cada 100 años. El nuevo plazo se cumplirá en exactamente 14 años. Cuando pasa el tiempo, Kitty trabaja de fotógrafa de modas, mientras se dice que su hermana Evelyn vive en Estados Unidos. En realidad, en una de sus disputas, Kitty asesinó accidentalmente a su hermana, pero creyendo que la policía la culparía, escondió el hecho con ayuda de Franziska (Marina Malfatti) y su esposo Herbert (Nino Korda). La pareja de esposos escondió el cadáver en la cripta secreta del castillo del abuelo de Kitty. Cuando su abuelo muere, debido a un paro cardiaco, tras ver a una mujer de rojo que se aproxima para asesinarlo, la familia se reúne para leer el testamento, pero por disposición del abuelo para la repartición de los bienes, no se hará hasta dentro de un año.

Pronto, uno a uno, los colegas de Kitty y conocidos, comenzarán a ser asesinados por una mujer vestida de rojo que siempre tiene como último acto una risa macabra. Mientras tanto, Kitty será chantajeada por un antiguo novio de Evelyn, que la amenaza con decirle a la policía lo que le sucedió a su hermana sino le entrega parte del dinero de la herencia. Entre tanto, la policía investiga los asesinatos, teniendo como principal sospechoso a Martin (Ugo Pagliai), el amante de Kitty y a la sensual modelo Lulu (Sybil Danning), quien estuvo presente en el primer asesinato. Cuando las víctimas crecen, Kitty se convencerá cada vez más que la asesina es su hermana muerta y que ella será la víctima número siete.




En este Giallo gótico, hay varios aspectos destacables. El filme es oscuro, con una excelente fotografía, haciendo gran uso del contraste y las sombras, así como de los espacios góticos que proporcionan el enorme castillo central de la historia. Los efectos visuales y de maquillaje están bien administrados, sin mucha predilección por el gore, pero siendo siempre igual de efectivos, conteniendo hasta una muerte impactante, como la del personaje arrastrado por el automóvil. Otra de las escenas destacables, y muy macabra, es la escena final cuando se muestra a Katty encerrada en una habitación y siendo asediada por un gran número de ratas que huyen del agua. Así mismo, el guion escrito por Miraglia y Fabio Pittorru (a quien se le acredita la idea de la historia), contiene los elementos clásicos del Giallo, los guantes del asesino, un arma blanca corto punzante (una daga antigua), el chantaje, los desnudos de las protagonistas, y los sospechosos que van cambiando y aumentando conforme avanza la historia. Sin embargo, la identidad de la asesina, en este caso en particular, es fácilmente deducible desde las primeras escenas, sin restar por ello interés en la historia. Cabe también puntualizar, que la explicación final se siente forzada, por las motivaciones de la asesina, quien manipula y no tiene escrúpulos por igual, pero no esta exenta de incoherencias puntuales.

El compositor especialista en Giallos, Bruno Nicolai, creó una melodía espléndida para el filme, que sirve como Leitmotiv constante en el metraje. Todos los actores hacen papeles destacables, en especial la actriz principal, Barbara Bouchet, quien como en el caso de Edwige Fenech, fue una musa para varios Giallos de la época, incluyendo La tarantola dal ventre nero (La Tarántula del Vientre Negro, 1971), Alla ricerca del piacere (Amuck, 1972) o Non si sevizia un paperino (Angustia de Silencio, 1972). Bouchet, convincentemente muestra sus temores y traumas para con su hermana, siendo totalmente indefensa en toda la historia. En adición, otro personaje femenino destacable es el Lulu (Sybil Danning), siendo una modelo de tiempo completo, pero que constantemente utiliza su sexualidad para conseguir lo que quiere, que en resumidas cuentas es ser la amante del director de la compañía de modas, o del nuevo director cuando el antiguo es asesinado. Es el personaje que más se explota en el filme, mostrándose a la vez como depredadora y víctima de la asesina.



La dama rossa uccide sette volte es un buen Giallo, que sin ser una obra maestra, tiene los meritos suficientes para destacar entre el gran número de películas que se realizó a principios de los años 70 en Italia. La película fue en su mayoría, filmada en Alemania, y como curiosidad, el apartamento donde vive el personaje de Martin Hoffman, es el mismo apartamento donde viven el señor y la señora Wardth del Giallo Lo strano vizio della Signora Wardh (El Extrano vicio de la Señora Wardth, 1971) de Sergio Martino.

Trailer:


jueves, 7 de noviembre de 2013

Edición # 10 - Revista 24 Cuadros por Segundo



En esta edición se termina el Enfoque Selectivo aplicado al realizador estadounidense Brad Anderson, con el análisis de sus cinco largometrajes más recientes, su intromisión en la sobresaliente serie de televisión Fringe y la recopilación de su estilo visual y narrativo. Celebramos entonces la variedad y multiplicidad de escritores, de pensamientos, de perspectivas frente al cine, que aportan sus conocimientos y experiencias para el proyecto, esperamos sean tan importantes para ustedes como para la revista, que llega a su edición número ¡10!.


Link de descarga directa:
http://netload.in/dateixmR2c996Qc/Revista10.pdf.htm

También la pueden leer en línea en:


viernes, 1 de noviembre de 2013

The Supernatural Collection # 18: Prince of Darkness (1987)


Título Original: Prince of Darkness
Director: John Carpenter
Productor: Larry J. Franco
Guion: John Carpenter
Fotografía: Donald M. Morgan
Edición: Gary B. Kibbe
Año: 1987
País: Estados Unidos
Intérpretes: Donald Pleasence, Jameson Parker, Victor Wong, Lisa Blount, Dennis Dun, Susan Blanchard, Alice Cooper

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0093777/reference
TaglineWhere are you...? Christ?


Cansado de los estudios de Hollywood, John Carpenter decidió salirse de ese medio y volver a sus raíces, es decir, regresar a la manufactura de historias pequeñas, independientes y sobre todo controlables. Debido a ello, aceptó realizar cuatro largometrajes para el sello Alive Films, pues le cedieron el control total de sus historias, a partir de solo un esbozo de sus ideas. Prince of Darkness (El Príncipe de las Tinieblas), es una película de horror intelectual, basada en soporte científico y dogmático, centrada en pocos personajes, aunque tiene que ver también con el fin del mundo, tan así, que es su segunda parte de la denominada trilogía del Apocalípsis. El filme funciona como historia contenida con los habituales efectos creativos de bajo presupuesto, además del suspenso y tensión que maneja el director. Sin embargo, la historia posee muchas capas, y muchos detalles que confunden un poco al espectador, sobre todo al inicio del filme, y falla además en crear un ritmo atrapante.



Hace 2000 años existe sobre la tierra la llamada "Hermandad del Sueño", quienes se han mantenido en secreto para el resto del mundo. Pero, el padre Carlton, el guardián de una llave importante para la hermandad ha muerto, y el secreto de sus compañeros no puede sostenerse más debido a que hay un mal que se está despertando. En lo profundo de un sótano de una antigua iglesia, ubicada en la ciudad de Los Ángeles, se encuentra un artefacto lleno de un líquido verde que parece tener vida propia. El nuevo cuidador de la llave (Donald Pleasence), reconoce la necesidad de obtener ayuda científica, filosófica y teológica para tratar con este mal creciente. Es por ello, que le pide ayuda al profesor Birack (Victor Wong). El profesor enlista a algunos de sus más brillantes alumnos, con la promesa de subir sus notas, para que pasen un fin de semana con él en la iglesia y hagan un estudio científico. Inicialmente, el profesor se muestra escéptico en cuanto a las teorías dogmáticas, tratando de encontrar explicación a sus mediciones por medio de la teoría cuántica y el tiempo no lineal. Sin embargo, pronto se dará cuenta de que no hay dudas de la presencia de un ser maligno en el sótano que quiere revivir entre nosotros, como una fuerza negativa del mundo que lo destruirá.



John Carpenter escribió el guion de Prince of Darkness bajo el seudónimo de Martin Quatermass, todo un guiño al escritor Nigel Kneale y sus historias de Quatermass, de la cual se inspira Carpenter, en especial de la historia de Quatermass and the Pit (1967). El guion se destaca por ser un estudio acerca del Apocalipsis del mundo visto desde varias teorías, pero todas confluyendo a la materialización de un ser maligno, que puede mover objetos con la mente y además puede tomar posesión de los humanos. La historia, que es entretenida y atrapante, también tiene su parte negativa, debido al gran número de ideas y de diálogos sin sentido, que tienen los protagonistas y no es claro que es lo qué se estudia en la iglesia, como se preguntan constantemente los científicos. Es decir, hay momentos en que los actores parecen no entender muy bien de que va el guion así como lo siente el espectador, problema aumentado por la falta de ritmo inicial del filme. Esta confusión distrae un poco al espectador, quien es atrapado de nuevo solo por la maestría de la tensión y el manejo del suspenso que hace el director. Carpenter decide crear una historia de horror creciente, pero al fallar en explicar las ideas del filme, éste se resiente a nivel rítmico, solo para recuperarlo de buena forma en la segunda parte del metraje. Para destacar, las escenas finales y el manejo de los espejos, toda una muestra de creatividad al usarlos como un portal hacia otra dimensión. Todos los efectos, fueron realizados con bajo presupuesto y con predilección por la creatividad, pero siendo siempre eficientes y contundentes. En el filme existen un buen puñado de ellos, como por ejemplo el líquido verde que cae hacia arriba (un efecto simple de cámara invertida), el espejo convertido en líquido (manejado con una gran iluminación y una piscina) o actos de violencia que se alejan del detalle, como algunas muertes de los personajes.



En Prince of Darkness, Carpenter toma prestado algunos elementos de su propio cine, como el regreso a la historia de asedio, como ya lo hiciera en su imprescindible Assault on Precint 13 (Asalto a la comisaría 13, 1976), o el protagonismo "coral" que utilizara en The Fog (La Niebla, 1980). En el filme, todos los personajes tratan de ayudarse, sin saber con que tratan realmente, mientras que sus actuaciones y miedos son más creíbles debido al uso de actores semi desconocidos, aunque algunos de ellos repitieran con el director tras su trabajo inmediatamente anterior en Big Trouble in Little China (Rescate en el Barrio Chino, 1986), como por ejemplo Dennis Dun y Victor Wong. La excepción sería el actor Donald Pleasence, aunque su personaje deambula entre los otros sin tomar de lleno todo el protagonismo. Por otro lado, Carpenter se inspira en otros directores de género, como por ejemplo, el asedio de los indigentes poseídos, tomado del cine de Romero, el uso de insectos como seres vivientes fácilmente controlables, tomado del cine de Argento, la escena del apuñalamiento con tijeras, guiño también a Argento, posesiones de los personajes, tomado del filme The Evil Dead (1981) de Sam Raimi, etc.

La atmósfera inquietante está presente en todo el metraje, en particular con los movimientos extraños de los indigentes alrededor, y del peligro interno cuando algunos personajes son transformados. La tensión está allí, sin poder salir al exterior, los personajes restantes deberán encontrar un escondite dentro de alguna habitación. Todo el misterio y la tensión se incrementan con la creación musical original de Carpenter y Alan Howarth, que cazan perfecto con el tono del filme. El sueño "compartido" es otro elemento destacable, que ayuda al ambiente macabro del mismo.



Prince of Darkness, fue un éxito de taquilla para el director, el cual demostró una vez más su talento para la creación de historias mínimas con bajo presupuesto, soportado solo por su talento y el del equipo de trabajo. Aunque la historia se torna compleja en un principio, retoma las riendas en la segunda parte del metraje para brindar un horror contundente, como si fuese una historia basada en un cuento de H.P. Lovecraft, con un final más que decente. Sin ser uno de sus mejores filmes, Prince of Darkness es una película que vale la pena redescubrir y apreciar como un producto de terror sólido. Como curiosidad, el jefe de la pandilla de indigentes es interpretado por el ícono del rock Alice Cooper, del que se utiliza una de sus canciones llamada de la misma forma que la película. También es curioso la forma en la que se presentan los créditos iniciales, los cuales se extienden por un tiempo de diez minutos, intercalando nombres y escenas del filme. Finalmente, el símbolo que aparece en uno de los brazos de la protagonistas, que se dice ser antiguo, es el símbolo de la banda de rock americana Blue Öyster Cult.

Trailer:

jueves, 12 de septiembre de 2013

Edición # 9 - Revista 24 Cuadros por Segundo



Ya esta disponible la edición número 9 de la revista digital de cine gratuita "24 Cuadros por segundo". En esta ocasión, empezamos el enfoque selectivo al director Brad Anderson y su etapa romántica. Además de las habituales secciones, es un placer para nosotros contar con dos nuevos colaboradores, Sandra Cardona y Karba (nuestro buen amigo bloguero experto en cine y cuyo blog -http://sesiongolfademondozombie.blogspot.com/- lo leemos desde hace mucho tiempo y los invitamos a que los sigan). Esperamos que disfruten la revista, la cual la pueden descargar en el siguiente enlace directo:

http://rapidshare.com/files/1706435894/Revista%20%23%209.pdf

o también pueden entrar al blog de la revista, en donde pueden bajar ésta y todas las ediciones anteriores, además para los que la quieren leer en línea lo pueden hacer en el blog (hasta la edición # 6 por el momento):

http://veinticuatrocuadrosporsegundo.blogspot.com/

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