sábado, 12 de julio de 2014

Lost Highway (1997)


Título Original: Lost Highway
Director: David Lynch
Productor: Deepak Nayar, Tom Sternberg y Mary Sweeny
Guion: David Lynch y Barri Gifford
Fotografía: Peter Deming
Edición: Mary Sweeny
Año: 1997
País: France / USA
Intérpretes: Bill Pullman, Patricia Arquette, Robert Loggia, Richard Pryor, Natasha Gregson Wagner, Giovanni Ribisi, Gary Busey, Robert Blake, Michael Massee

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0116922/reference


Lost Highway (Carretera Perdida) es un viaje al mundo de David Lynch en el que hay que dejarse llevar y sorprender por lo que el realizador nos tiene preparado. La interpretación de la historia, como es habitual, depende de cada espectador, de cómo se sintió en el filme, pero lo que es seguro es que una vez se haya visto, no se olvidará, las imágenes quedan en nuestra mente días después de su visionado, ahí en nuestro inconsciente, donde le gusta trabajar a Lynch. Lost Highway es cine en estado puro, vestido con un traje de Cine Negro y con elementos de Road Movie, pero sigue siendo un viaje onírico, donde lo importante tiene doble explicación. Basado en los problemas de una pareja, y como ningún otro realizador, Lynch toma esta premisa para volverlo una pesadilla -el director David Cronenberg también trabajaría desde su punto de vista distinto, la separación de una pareja en su impresionante "The Brood" (1979)-, donde no todo es lo que parece e inclusive su personaje principal recuerda todo a medias, porque así es como le gusta recordarlo, no la verdad de lo que sucedió, sino su visión de lo que ha pasado. Es así como desfilan ante nuestros ojos hombres misteriosos, transformaciones literales de protagonistas, posibles asesinatos, y saltos en el tiempo/espacio. Es Lynch para los amantes de Lynch, y Lynch para los que quieran iniciarse en su mundo.




El saxofonista Fred Madison (Bill Pullman) recibe un mensaje en el intercomunicador de la puerta de su casa que dice: "Dick Laurent está muerto". Cuando se asoma a ver quien está afuera, no hay nadie. Esa noche, mientras Fred está tocando saxofón en un bar, decide llamar a su casa para hablar con su esposa Renee (Patricia Arquette), pero nadie contesta, los celos e intrigas lo comienzan a desorientar, pues sospecha que ella está teniendo un amorío con uno de sus amigos. A la mañana siguiente, la pareja encuentra un paquete en su entrada, en él hay una grabación en video de la fachada de su casa. Otro día pasa y con el otro paquete llega, esta vez el video muestra el interior de la casa e inclusive a la pareja durmiendo en su cuarto. Ostensiblemente preocupados, llaman a la policía, pero no hay indicios de traspaso a su propiedad.

Cuando están en la fiesta de Andy (Michael Massee), el amigo de Renee, y evidentemente la persona con la que engaña a su esposo, Fred conocerá a un hombre misterioso (Robert Blake), aunque en realidad ya lo conoce, de hecho en su propia casa, pues está allí en ese preciso momento. Fred llama a su casa y el hombre misterioso le contesta, aún cuando está parado en frente de él. El hombre lo deja en paz y Andy le comunica que es un amigo de Dick Laurent (Robert Loggia). Cuando regresa a casa, alterado, Fred busca por todos lados señales de algún intruso pero no las encuentra. Esa noche ve el reflejo del hombre misterioso en el cuerpo de su esposa. Luego, llega un nuevo video, pero este es solo para Fred, en donde se ve a sí mismo asesinando a su esposa Renee. Encontrado culpable de asesinato, Fred es sentenciado a muerte, y encerrado en solitario en una celda. A la mañana siguiente, los guardias se sorprenden al encontrar en la celda a Pete Dayton (Balthazar Getty) en lugar de Fred, un mecánico confuso que no sabe cómo fue a parar allí. La realidad se transforma y ya los personajes no son quienes eran antes, todo toma un giro inesperado en el que será difícil salir.




Lost Highway, coescrita entre David Lynch y Bill Gifford (autor de la novela en la que se basa Wild at Heart), comienza como un drama de separación y celos con elementos ominosos, en un creativo recurso de videos caseros. Sin embargo, después que el personaje principal Fred se transforma en Pete, vemos un reflejo de la realidad, una en la que los personajes están cambiados y en donde el erotismo y crimen toma lugar. Algo similar mostraría Lynch en Mulholland Drive, donde más de la mitad de la película va en una dirección para dar paso a un giro dramático de personajes y personalidades. El doble es una parte crucial del filme, justo después de la sentencia de muerte, y con la utilización de un dolor de cabeza creciente como detonante, Fred escapa de la realidad, quizás creando una persona distinta para no afrontar el hecho del asesinato de su esposa o quizás es la entrada a otro mundo sin explicación, pero lo que es evidente, es que en esta nueva situación todos tienen un doble. Está Fred/Pete; materializados por dos actores distintos, Renee/Alice creados por la misma actriz con diferente color de cabello, Mr. Eddie/Dick Laurent ambos caracterizados por Robert Loggia, un mundo paralelo en la que las situaciones se repiten, así no sea de igual forma pero con idénticos resultados, un bucle temporal.




El filme es quizás el más erótico del director, junto a Mulholland Drive. En él, una impresionante y cautivadora Patricia Arquette construye dos personajes. Su interpretación está basada en las clásicas Femme Fatale del cine negro, en las que se ve algo que esconde, una fuerza sobre los hombres, un poder de manipulación. Y es así como la pelinegra Renee se transforma en la rubia ardiente Alice, una mujer sensual que maneja las cosas a su manera, a pesar de parecer víctima. Alice es la verdadera mujer fatal, por la cual los personajes hacen cualquier cosa, desde el enamoradizo Pete hasta el jefe criminal Eddie (Robert Loggia). Alice es la que mueve la acción, seduce a Pete para obligarlo a hacer lo que ella quiere.
La transformación de Fred es el elemento misterioso, que puede tener varias interpretaciones, un escape de la realidad después de cometer un asesinato o una forma de escape de un hombre inocente, son algunas de las posibilidades con que puede jugar el espectador. Pero lo más intrigante del filme es por supuesto, el hombre misterioso (Robert Blake), precursor en cierto sentido del Cowboy de Mulholland Drive (Monty Montgomery), además que se conecta con el Frank Booth de Blue Velvet (Dennis Hopper). Lynch, en general, ha utilizado el recurso del maquillaje para enfatizar la maldad de los personajes, esto es claro en Blue Velvet, donde el personaje de Booth se pinta la cara, deformándose, así como en el personaje de Marietta en Wild at Heart se pinta el rostro totalmente rojo después de acordar un asesinato. En Lost Highway, el hombre misterioso aparece con el rostro maquillado, otorgándole un carácter siniestro que va acorde con sus acciones. Cuando aparece en la fiesta la música se atenúa hasta desaparecer, y el hombre toma posesión del lugar. El hombre misterioso aparece durante todo el metraje y es el único que no tiene un doble. Sin duda alguna, uno de los personajes más siniestros del cine.




La banda sonora es realmente importante en el filme. La música realizada con saxofón es imprescindible, pues el personaje principal lo toca reflejando la pasión perdida en su hogar, la composición de Angelo Baladamenti contrasta con el uso de la música de Rammstein que agrega un nivel de desasosiego en una parte importante del filme. El cantante Marylin Manson también aporta lo suyo, además de intervenir brevemente en una escena en un video porno que tiene tintes de Video Snuff. También es importante la canción de David Bowie "I am Derange" en los créditos iniciales y finales que encajan perfectamente con las imágenes de carretera.

Lost Highway está rodada en parte como Road Movie, pero acá lo importante no es el destino espacial sino psicológico. Todo el filme se puede ver como un viaje psicológico de su personaje principal, uno que es circular, pues termina donde empieza, con pistas recibidas del mismo personaje. Pero el personaje termina tratando de escapar por una carretera sin fin. La velocidad es significativa, como lo indican los créditos iniciales, una experiencia del manejo y de perder el control, todo lo contrario a lo que crearía Lynch en su "The Straigh Story", donde el viaje pausado, pero emocional, permite disfrutar de los paisajes, de los personajes. Lost Highway además, como buena parte del cine de Lynch, plantea más preguntas que las que responde, un filme que demuestra una vez más la capacidad única del realizador para crear pesadillas, sueños y personajes inolvidables, con todos sus elementos habituales, cortinas rojas, detectives sin idea de lo que sucede y escenas de carretera en la noche.




Lost Highway fue el primer largometraje producido por Asymmetrical Production, la propia productora de Lynch, con la que buscaba una independencia que no había tenido hasta el momento. Como curiosidades, en una entrevista, Lynch declaró que Lost Highway y Twin Peaks se desarrollan en el mismo mundo, es por ello que se puede ver que el personaje del hombre misterioso tiene interferencia con la electricidad como lo hace el Bob de la mítica serie. La participación de Robert Loggia en el filme, fue materializada tras el deseo del actor de trabajar con Lynch, después de que en la audición para el personaje de Frank Booth en Blue Velvet, saliera furioso al conocer que Dennis Hopper ya había sido seleccionado, y que es precisamente lo que Lynch le pidió que recreara, esa furia propia del personaje del Sr. Eddie. El número telefónico de Fred termina en 666. Y, este fue el último filme de Jack Nance, el gran actor y colaborador habitual del cine de Lynch desde que creara el personaje para Eraserhead.

Trailer:

The Giallo Coolection # 23: The Bloodstained Butterfly (1971)



Título Original: Una Farfalla con le ali Insanguinate
Título en Inglés: The Bloodstained Butterfly
Título en Español: Una Mariposa con las alas Ensangrentadas
Director: Duccio Tessari
Guion: Gianfranco Clerici, Duccio Tessari
Fotografía: Carlo Carlini
Año: 1971
País: Italia
Intérpretes: Helmut Berger, Giancarlo Sbragria, Ida Galli, Carole André

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0067084/reference


Construida como un híbrido entre el género policial y el Giallo, Una Farfalla con le Ali Insanguinate, es un thriller italiano distinto, con respecto a que el guion se construye a través de una investigación de un asesinato sin contar con el recurso de que sea un personaje principal el que la realice, además sin centrarse de forma directa en los asesinatos, que buena parte de ellos son mostrados a través de los flashbacks y especulaciones de los investigadores. Así mismo, buena parte de la trama se desarrolla como un filme de juicios. Sin embargo, desde la música de Gianni Ferrio hasta la elaboración del suspenso, el filme está correctamente dirigido por Duccio Tessari con un ingenioso guion que muestra una solución verdaderamente inteligente al misterio, en el que se incluye un giro final para la revelación del asesino.




El presentador de televisión Allesandro Marchi (Giancarlo Sbragia), es arrestado por el brutal asesinato de una joven estudiante francesa llamada Francoise Pigaut (Carole André). Su cuerpo es descubierto en un parque de la ciudad, donde varios testigos pudieron ver claramente el rostro de una persona que salió corriendo de la escena del crimen. El caso se desenvuelve cuando una de los testigos identifica a Allesandro como el individuo en cuestión, por lo que el presentador es acusado de homicidio. Durante el juicio, todas las pruebas parecen irrefutables, la fiscalía construyó el caso, casi perfecto, pues el buen número de evidencias incriminan a Allesandro. A pesar de ello, su abogado defensor trata de refutar las evidencias, aduciendo vías de escape recursivas, como el hecho de recrear la escena de la identificación con la testigo, quien a pesar de que usa gafas, el día del asesinato no las llevaba puestas. Pero, sin saberlo, Allesandro estará mucho más cerca de la cornisa, debido a que su abogado defensor está teniendo un tórrido romance con su esposa María (Ida Galli), los cuales están complacidos cuando a este lo declaren culpable.

Cuando todo parece resuelto, un nuevo asesinato ocurre, esta vez el de una prostituta, pero con el mismo modus operandi que se usó en el asesinato de la estudiante. Un hombre llama al comisario encargado del caso, y confiesa ser el asesino, además de que promete que aparecerán más cuerpos. La policía no tiene más remedio que soltar a Allesandro y tratar de desenmascarar al culpable de una vez por todas.




El Giallo de Tessari se enfoca principalmente en la investigación de los asesinatos, dejando a un lado la creación del acechamiento y muerte de las víctimas que tanto le encantan al director Dario Argento, sin mostrar ninguna violencia explícita, pero con la suficiente inteligencia de crear un misterio que hay que desenmarañar. Los créditos iniciales del filme, enmarcados con la forma de una mariposa, presenta a los diversos personajes que compondrán la trama, un buen número de ellos que puede inicialmente confundir al espectador. Entre los personajes que se muestran, están las víctimas del asesino y los posibles culpables, así como los acompañantes que rodean la historia. Como se mencionó antes, a pesar del título que hace referencia a una mariposa, es prácticamente el único elemento asociado al cine de Argento y su famosa trilogía animal de principios de los setentas, más allá también de las caminatas por la ciudad que hacen los personajes, pues buena parte de la primera mitad se desenvuelve como un drama de juicios, donde se emplea suficiente tiempo para estudiar las evidencias y dejar la duda de si el personaje arrestado es el verdadero asesino o no. El título La Mariposa con las Alas Ensangrentadas, hace referencia al collar con broche en forma de mariposa que compró la estudiante francesa justo antes de ser asesinada, una mariposa que pronto se tiñe de rojo.




El metraje se soporta por los diálogos, algunos muy técnicos y otros especulativos de los investigadores, mientras el espectador va sacando sus propias conclusiones. Igualmente, el filme se destaca entre el género, por la falta de escenas sexuales y perversiones de sus personajes que en un buen número de ocasiones componen los Giallos, para pasar a pecados más normales como el adulterio o el asesinato inicial espontáneo, sin goce o tortura para con las víctimas. Las escenas de las muertes son construidas a través de las conjeturas que hace la policía, recreando paso a paso lo sucedido para así dar con el culpable, dejando a un lado la idea de la ambientación del asesino al acecho. Pero, son precisamente estos recursos los que hacen rescatar este particular Giallo, mostrando un producto diferente que amplía la forma de retratar los asesinos en el cine italiano de los setentas.

Duccio Tessari es un veterano director italiano especialista en Spaguetti Westerns, de hecho era considerado como uno de los padres de ese género, especialmente por su saga de Ringo con "Una Pistola per Ringo (1965)" y "Il Ritorno di Ringo (1965)". Pero además de esa faceta, y como lo demuestra como co-guionista en este Giallo, Tessari escribió la mayoría de sus películas además de otras para diferentes cineastas como su aporte para "Per un Pugno di Dollari (Por un Puñado de Dólares, 1964) para Sergio Leone. Tessari también aportó otro dos Giallo destacados al género llamado "La Morte Risale a Ieri Sera" (Death Occured Last Night, 1970) y "L'uomo Senza Memoria" (Puzzle, 1974).




Una Farfalla con le ali Insanguinate es una pieza de misterio bien construida, ambientada con una hermosa música de Gianni Ferrio -quien empleó de forma acertada el concierto No 1 de Tchaikovsky en conjunto con las composiciones más tradicionales del Giallo- pero que por momentos se hace lenta en el desarrollo. Sin embargo, la atención del espectador es mantenida en la pantalla debido al buen trabajo en la cinematografía de Carlo Carlini, evidenciando una gran cantidad de planos recursivos e intrincados, con composiciones generalmente muy llamativas y prolijas. Mientras que los buscadores de escenas violentas y sexuales se quedarán cortos con Una Farfalla con le ali Insanguinate, los amantes del Giallo encontrarán un filme diferente del género, que si bien evidencia la falta de sustancia de los personajes y un ritmo menos acelerado, es indudablemente bien escrito con soporte policial y un giro nada convencional.

Títulos de crédito:


lunes, 2 de junio de 2014

Dune (1984)



Título Original: Dune
Director: David Lynch
Productor: Rafaella de Laurentis
Guion: David Lynch
Fotografía: Freddie Francis
Edición: Antony Gibs
Año: 1984
País: USA
Intérpretes: Francesca Annis, Leonardo Cimino, Brad Dourif, José Ferrer, Freddie Jones, Kyle MacLachlan, Virginia Madsen, Patrick Stewart, Dean Stockwell, Jurgen Prochnow, Max von Sydow, Sean Young, Sting.

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0087182/reference
TaglineYou are about to enter a world where the unexpected, the unknown, and the unbelievable meet.


La primera película de David Lynch filmada a todo color, es también una obra menor en su filmografía, a pesar de contar con un presupuesto gigantesco, pero el cual, conlleva traer a productores e inversores que quieren controlar en todo momento el producto final, cerrando la creatividad de un director que como ha mostrado con creces, trabaja mejor en libertad. Lynch aceptó el reto de adaptar la popular novela Dune de Frank Herbert (primera de la saga) de más de 600 páginas en un filme de tan solo dos horas y media, un titánico trabajo en el que el director-guionista sale a flote tomando los principales elementos de la novela y todos sus llamativos conceptos, como lo es el misticismo que rodea a los protagonistas. Pero siendo un filme de Ciencia Ficción, y partiendo de una base literaria, la ilusión y expectativa por ver algo impactante en la pantalla grande -algo que va íntimamente ligado a los efectos visuales-, se vino abajo, porque en lugar de las grandes batallas planetarias o viajes espaciales, la historia es más personal - Lynch obviamente no es un director de acción en pantalla -, acerca de la evolución de su personaje hasta convertirse en uno solo con el universo, un "elegido" que salvará al planeta Dune, pero como toda profecía que está a punto de cumplirse, da origen a un final previsible, que mientras en la novela es adornado por las diferentes subtramas y trasfondo de los personajes, en el filme de Lynch se ve precipitado, erróneamente editado y que decae peligrosamente en interés.




El planeta Arrakis también conocido como Dune es un planeta desértico, sin agua, pero que tiene un elemento que interesa en todo el universo, la especia Melange, capaz de expandir la conciencia de quien la tome e inclusive puede doblar el espacio permitiendo el viaje intergaláctico, sin moverse en ningún momento. En Dune viven los Fremen, quienes están en contra del control que ejerce el Emperador del universo conocido y esperan que se cumpla la profecía de que el Mesías los libere de la opresión. Por su parte, el Emperador conspira con el barón Harkonnen del planeta Geidi Prime, para acabar con sus enemigos, la casa Atreides del planeta Caladan, quienes están adquiriendo poder. El Emperador permite a los Atreides que resguarden a Dune, pero en secreto va planeando una emboscada con el barón, pues este tiene un traidor dentro del círculo personal de los Atreides.

Paul, el hijo del duque Atreides, es un hombre especial que ha sido entrenado por su madre Jessica, una Bene Gesserit, perteneciente a una orden secreta de mujeres poderosas. Antes de partir a Arrakis, Jessica lleva a Paul donde la Madre Reverenda, quien lo somete a una dolorosa prueba que Paul consigue pasar. La Madre le hablará acerca del Agua de la Vida, proveniente de los gusanos de Arrakis, la cual tiene un peligroso efecto, todo hombre que la ha bebido a muerto inmediatamente. Solo el Kwisatz Haderach, el verdadero Mesías podrá beberla y sobrevivir. Cuando la casa Atreides ingresa a Dune, son emboscados por los Harkonnen, pero Jessica y Paul logran escapar al desierto, donde encuentran a los Fremen. Jessica bebe el Agua de la Vida, y se convierte en la Madre Reverenda, dando a luz prematuramente a su hija Alia, quien nace con gran poder. Paul, ahora conocido con su nombre Fremen de Muad'Dib, les enseña a combatir para lograr impedir el flujo de Melange y los viajes intergalácticos, y de esa forma hacer una rebelión. Finalmente, Paul bebe el Agua de la Vida y se convierte en el Mesías, el elegido, el superhombre que liderará a los oprimidos del planeta Dune.




La historia épica de Herbert -quien de hecho en su momento, se proclamó admirador del trabajo que hizo Lynch con su historia- no es desde ningún punto de vista, fácilmente adaptable a un largometraje, la historia es muy densa, llena de personajes y situaciones importantes necesarias para comprender todo el universo que conforma a Dune. Lynch, a pesar de que toma los principales elementos clave de la novela, realiza un filme de Ciencia Ficción frío, por momentos sin vida, debido a la condensación de la historia, entregando una narrativa previsible. Ahora, la visión particular de Lynch está allí, el filme posee algunos de sus elementos recurrentes; los personajes bizarros, como lo es el barón Harkonnen, un personaje tanto repugnante por fuera como por dentro a diferencia del personaje de John Merrick, el hombre elefante que puede impactar a la vista pero por dentro es un ser generoso y bondadoso. El barón es una de los personajes más perversos de Lynch, con oscuros deseos sexuales, el cual se anticipa al Frank Booth que habita el idílico paraíso de Lumberton. En Dune también se observa el uso de los colores saturados que llevaría a su máxima expresión en su siguiente filme Blue Velvet (Terciopelo Azul, 1986) -el color azul es muy importante en Dune, para mostrar el poder del Agua de la Vida- , así mismo el recurso de los sueños del personaje principal está presente en el filme, aunque sin elementos surrealistas.




La pasividad y acercamiento al texto de la novela va en contra de la evolución natural del filme, pues se presenta como pausado, en cierto sentido teatral en la forma que se recitan los diálogos y evidentemente sin cambios de ritmo. No ayuda, además, que los productores no dejaran de ejercer control sobre el director, que al final accedió a sus demandas incluyendo la de negarle un corte final de la película. Estos hechos harían que el propio Lynch declarará que cometió un error al aceptar la dirección de este filme, hecho por el cual en algunas versiones está firmado como Alan Smithee, un pseudónimo utilizado por realizadores que no quieren ver su nombre en el producto final. El productor que poseía los derechos de la novela, Dino de Laurentis, escogió a Lynch por sugerencia de su hija Rafaella, quien había visto el buen trabajo de Lynch en su clásico Eraserhead y por supuesto en una de sus obras cumbres como lo es The Elephant Man. Con casi 20 años después de la publicación de la novela original, el proceso de producción del filme fue acelerado, teniendo en cuenta que la selección inicial para el filme era Alejandro Jodorowski, otro realizador surrealista, y posteriormente el tándem Ridley Scott/H.R. Giger, como realizador y diseñador de producción, respectivamente, decidieran dejar el proyecto. El monstruoso proyecto se financió con la importante suma de 40 millónes de dólares, gran parte gastada en los enormes y diversos decorados que comprenden el filme. Pero, mientras los decorados y las pinturas hechas en mate reflejan fielmente el universo de Dune, hay otra gran cantidad de efectos que se ven de poco valor, restándole calidad al producto -acá entraría los escudos protectores por ejemplo-. Sin embargo, es rescatable la creación de los gusanos de arena y en general los efectos creados por el especialista Carlo Rambaldi, quien continuaría con su exitosa carrera en Hollywood.




El impresionante casting, que incluye a actores de la talla de Max von Sydow, José Ferrer o Patrick Stewart, entre otros, se ve desaprovechado, por la confusa narrativa que se enfoca más en los diálogos citados por los personajes que en el crecimiento personal de ellos. Empero, el descubrimiento del actor Kyle MacLachlan por parte del director Lynch, sería uno de las pocas retribuciones que el realizador obtuvo con el filme, pues el actor sería su enfoque para sus siguientes películas donde le sacaría el mayor provecho.

Dune es una película que se enfoca menos en las batallas, armas y naves para centrarse en el crecimiento espiritual de su personaje principal. El filme es un viaje de iluminación de la conciencia. Las escenas oníricas tan discernibles en el cine del realizador, se ven acá como sueños premonitorios, los cuales se cumplen exactamente como se sueñan, y algunas veces se pasa a la realidad en el mismo instante de la visión, pero en ningún momento son tan surrealistas como en sus otros largometrajes. El crecimiento personal de Paul está ligado a las criaturas de Arrakis, los gusanos de arena, pero esa comprensión que hace el personaje no se exterioriza en ningún momento, el espectador aprende de ese mundo a través de los diálogos, pero se confunde con lo no dicho, lo no mostrado. Es allí, donde los lectores de la novela pueden sacar un mayor provecho de la historia, pues tiene las herramientas adecuadas para ello. Al final Dune es un filme que decepcionó a los fanáticos de la novela, esperando una versión más larga y completa y a los fanáticos de Lynch que no pudieron ver otra de sus grandes obras plasmada en pantalla, pero para los últimos la espera no sería larga, pues dos años después el director entregaría otra obra maestra.



Trailer:


The Giallo Collection # 22: Don't Torture a Duckling (1972)



Título Original: Non si sevizia un paperino
Título en Español: Angustia del Silencio
Título en Inglés: Don't Torture a Duckling
Director: Lucio Fulci
Productor: Renato Jaboni
Guion: Lucio Fulci, Roberto Gianviti y Gianfranco Clerici Fotografía: Sergio D'Offizi
Edición: Ornella Micheli
Año: 1972
País: Italia
Intérpretes: Florinda Bolkan, Barbara Bouchet, Tomas Milian, Irene Papas

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0069019/reference

Lucio Fulci, más conocido como el "Padrino del Gore", empezó su carrera con películas de comedia, pero construyó su nombre en el mundo fantástico, que era obviamente su pasión. El a veces incomprendido cineasta, aportó varios Giallos a la historia cinematográfica, en especial dos que resaltan por méritos propios, Una lucertola con la pelle di donna (Una Lagartija con Piel de Mujer, 1971) y Non si sevizia un paperino (Aungustia del silencio, 1972). Precisamente, este último fue reconocido por la crítica en su momento, aunque el director no haya tenido esa constante con la mayoría de sus filmes, por el hecho de ser creados a partir de guiones confusos, enfocados en lo visual y generalmente con situaciones híper violentas, haciendo que el público que aprecie su cine sea de un tipo especial, no apto para todos. En Angustia del Silencio, su Giallo más fino, co-escrito por el propio Fulci, el guion está más elaborado y mejor engranado que sus largometrajes habituales, tomando los puntos claves del género Giallo, para aplicarlos a una historia rural, donde no solo la violencia es materializada, sino también parte de crítica social y religiosa a la vez que tiene sus influencias del neorrealismo que hizo famoso a su país.




Los adolescentes están siendo asesinados en un pequeño pueblo llamado Accendura. La policía italiana junto con un curioso reportero, tratan de encontrar al asesino y detener estos salvajes crímenes, mientras el pueblo comienza a ceder ante el pánico y la paranoia. A media que los asesinatos se acumulan, un puñado de sospechosos, la mayoría mujeres, van surgiendo, pero cuando se van descartando uno a uno, los cadáveres siguen presentándose. Finalmente, una pequeña niña, que no puede hablar, puede tener la clave que resolverá el misterio, pero ¿podrá el periodista llegar a ella antes de que se convierta en la próxima víctima?




La gran virtud de Angustia del Silencio es el escenario, un pueblo rural donde la modernidad aún no ha llegado y los lugareños quieren tomar la justicia por sus propias manos. Fulci, narra con soltura y con elementos neorrealistas, la historia en este pueblo pobre localizado al sur de Italia. A diferencia de la mayoría de los Giallos, que están ambientados en apartamentos, galerías de arte y ciudades de clase media, Angustia del Silencio presenta una historia más del pueblo, y más cercana al corazón del director. En él, se tienen creencias religiosas, así como de supersticiones y brujería. En este contraste de creencias, se debaten los habitantes del pueblo, donde la pérdida de la inocencia es evidente. Allí encontramos dos elementos que tenía muy presente el director a lo largo de toda su carrera, el sexo y la muerte. El impulso sexual es el detonante de los asesinatos. En Accentura, se muestran a los niños ávidos por el sexo, representado en tres de ellos, quienes constantemente hacen de voyeristas cuando van a una casa alejada donde llegan las prostitutas a ofrecer sus servicios a los hombres del pueblo. Además, el filme que es novedoso en cuanto a las víctimas, todos menores de edad, haciendo más truculenta la historia. Esto guía a una atmósfera malsana y perturbadora, desde la escena inicial cuando la bruja del pueblo desentierra los restos de un infante, hasta la constante predisposición de la mujer promiscua del pueblo, la hermosa Barbara Bouchet, que busca cualquier excusa para mostrar sus encantos a los adolescentes -con elementos obvios de pedófila-. El erotismo y el contraste con la inocencia están allí, para sentar los motivos de los asesinatos pero también para impactar, de forma eficiente al espectador.




El segundo elemento clave es la muerte, o la violencia, tan voyerísticamente filmada por Fulci. Aunque, Angustia del Silencio, no está dentro de su etapa más gore, evidentemente tiene una violencia explícita inusual. En una escena inquietante, justo cuando la bruja del pueblo (Florinda Balkan), ha sido liberada, pues es inocente de los asesinatos, los padres de las víctimas no lo creen así, y la siguen hasta un cementerio. Una vez allí, la mujer es rodeada y ajusticiada con cadenas, una escena construida lentamente, haciendo énfasis en la tortura y la crueldad humana, elementos habituales del cine gore de Fulci, que expresan de forma inequívoca lo que un humano puede hacer cuando tiene el poder. La escena, termina en una genial secuencia de la bruja arrastrándose, ya moribunda hasta la carretera donde pasan los automóviles sin prestarle atención. Así mismo, la escena final del asesino cayendo con el rostro golpeando directamente a unas rocas -con unos efectos que ya no funcionan en pantalla y los años le han pasado factura-, es un recurso propio del director al que le importaba mucho más el impacto visual por encima de otras cosas.




A pesar de que el filme tiene sus variaciones y novedades en el género, también tiene elementos comunes, sobre todo en lo referente a un buen número de sospechosos. En este caso, no importa el género, pues los sospechosos son mujeres y hombres por igual. El padre que le gusta jugar fútbol con los niños, la bruja que quiere vengarse de ellos utilizando muñecos y agujas, la mujer promiscua del pueblo, y hasta el hombre retrasado que trata de sobrevivir. El misterio está muy bien construido desde el guion, pasando por cada uno de los sospechosos, pero eliminándolos uno a uno mediante coartadas o eventos que no se vieron en pantalla. El periodista (Tomas Milian) será el investigador principal, llegando a descubrir la verdad mucho antes que la policía, otro desenlace habitual de este tipo de cine. Además es destacable también, el elemento de las muñecas decapitadas, que tiene la pequeña niña, tratando de emular lo que vio en el momento de los asesinatos, un testigo inocente pero clave para desenmascarar al asesino. Uno de los muñecos, es un pato, de ahí el título en inglés, y que le sirvió a Fulci como Leit Motiv para su filme ultraviolento Lo squartatore di New York (El Destripador de Nueva York, 1982), en donde el asesino emulaba la voz del pato Donald.




La motivación del asesino se revela como uno de los aspectos más fascinantes y subversivos que empleara el director. En lugar, de la construcción habitual del asesino que tiene un trauma psicosexual en su niñez, en esta ocasión, el perpetrador, tiene una idea de idealismo moral amparado por su catolicismo -el director lanza una pista sugerida cuando muestra unos créditos que dividen la película en "primer tiempo" y "segundo tiempo"-. El asesino, busca preservar la inocencia de la infancia mediante la eliminación de aquellos niños que han sido corrompidos por la vida del pueblo, logrando uno de los mejores clímax del cine Giallo. Es una visión valiente del realizador en el sentido de crear una metáfora de la sociedad del momento, guiada por el miedo de la religión.

Angustia del Silencio, nos muestra los aspectos más inhumanos de las comunidades, y cómo el miedo y las supersticiones guían a sus acciones. Además, es un filme innovador en cuanto al escenario y motivaciones del asesino, con suficiente intriga y misterio para que el espectador se centre en ellos a la vez que sirve como una buena aproximación hacia el cine de Fulci, para ir preparando paulatinamente para sus pesadillas más atroces.

Trailer:


La Cabina (1972)



Título Original: La Cabina
Director: Antonio Mercero
Productor: Joe Salcedo
Guion: José Luis Garci y Antonio Mercero
Fotografía: Federico G. Larraya
Edición: Javier Morán
Año: 1972
País: España
Intérpretes: José Luis López Vázquez, Agustín González, Goyo Lebrero

imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0065513/reference


El horror bien construido, casi siempre funciona cuando se establece con elementos cotidianos o situaciones normales, sin aspavientos y sin efectos especiales, donde una vuelta de tuerca a una acción normal, como en este caso una llamada en una cabina telefónica se torna ominosa. La Cabina, ha mantenido su reputación de cortometraje de horror macabro y sólido desde hace varias décadas. La razón es la siguiente. El horror mostrado en el argumento es tan simple pero a la vez tan efectivo, que funciona aún el día de hoy, a pesar de que los avances tecnológicos transformaran la forma de comunicarnos y estas cabinas solo se usen en menor medida el día de hoy. La virtud que tiene el realizador Antonio Mercero con esta historia, es la de manipular a su antojo al espectador, pues la historia que comienza de una manera muy jocosa y amena, se va transformando muy lentamente en una desesperación que siente el personaje al estar encerrado, y que ve como todos los intentos por ayudarlo fracasan. Esta desesperación a su vez, se transforma en un sentimiento de terror puro, cuando la finalización de la historia se resuelva de forma macabra. Es por ello que La Cabina, sin ninguna duda, se ha ganado un respeto a pulso entre los seguidores del horror, un cortometraje que ningún amante de este género se debería perder.




La Cabina, cuenta la historia que le sucede a un hombre adulto (José Luis López Vázquez), cuando después de dejar a su hijo en el autobús escolar, entra a una cabina telefónica, recién instalada en un parque de Madrid, con el fin de realizar una llamada. El teléfono no funciona, pero en ese instante, la puerta de la cabina se cierra de golpe y cuando el hombre trata de salir la puerta no cede. Todos sus intentos por forzar la puerta fracasan. En ese momento, dos hombres que van para el trabajo se acercan a ayudarlo, pues el hombre hace señas para que alguien lo auxilie. Los hombres tratan de abrir la puerta por la fuerza, pero solo consiguen arrancar la manija. Sin nada más que hacer, y como van tarde para su trabajo, los transeúntes lo dejan allí encerrado.

A partir de entonces se comienza a crear una multitud de personas curiosas al rededor de la cabina. La desesperación del hombre encerrado va aumentando, a medida que los niños y la gente no hacen más que burlarse de su situación. Un hombre con un destornillador se acerca para sacarlo, pero la puerta no tiene tornillos, mientras que hace aparición la policía y hasta los bomberos. Cuando uno de los bomberos se dispone a romper la cabina desde la parte de arriba, llega el vehículo con las personas que la habían instalado temprano en la mañana, levantan la cabina con unos tubos y se la llevan con el hombre adentro a su vehículo. El hombre sin saberlo se verá involucrado en una pesadilla macabra.




Esta idea tan sencilla da pie para que se construya de forma efectiva el horror en el personaje, el cual apoyado en una excelente interpretación de su actor principal, es transferido convincentemente al público. La trama como se mencionó anteriormente, se va transformando poco a poco desde la comedia hasta el horror surrealista. El director, supo crear una atmósfera definida, con el fin de presentar al personaje como si fuese un animal encerrado en un zoológico o en su defecto, una atracción de circo, donde las personas van a verlo para reírse de su situación y entretenerse a costa de su humillación. En una de las escenas más dicientes, el hombre encerrado ve su reflejo en un espejo que están trasladando unas personas en el parque, en ese momento, se ve a sí mismo en su propia jaula. Adicionalmente, la actuación tiene mucho soporte para la historia, por el hecho de que el personaje prácticamente no tiene diálogos -solo cuando se despide de su hijo-, pues el sonido que se escucha viene del exterior de la cabina en todo momento, elemento que ayuda a aislar el personaje del mundo. Todo su miedo debe ser transmitido a través de sus reacciones, todo un logro interpretativo y de genialidad creado desde un sorprendente guion. La historia posteriormente se transforma en una pesadilla, un horror surrealista que nadie es capaz de anticipar, pero que le otorga a este cortometraje español un estatus de calidad pocas veces logrado.




La Cabina, fue un proyecto desarrollado por la televisión española TVE y el cual ganó merecidamente, el premio Emmy de ficción en el año 1973, entre otros cuantos premios. El guion de José Luis Garci y el propio realizador, consigue narrar una historia claustrofóbica y desesperanzadora, a plena luz del día y en medio de una ciudad muy poblada, demostrando la impotencia que puede caer en cada uno de nosotros bajo una situación aparentemente normal. Así mismo, las otras claves de su éxito están allí. No hay explicación alguna a lo que sucede, no hay motivaciones para ello, no hay una razón lógica para lo que vemos. Nunca un tranquilo paseo por las calles se ha visto tan tenebroso. El terror, llega desde la falta de explicación. Eso es algo a lo que debería volver en más ocasiones el cine de terror actual, a la simpleza a la hora de contar una historia y crear un miedo convincente. La Cabina es todo un logro narrativo y muy cinematográfico que dejará una huella en los espectadores.

Ver cortometraje:


domingo, 6 de abril de 2014

Edición # 12 - 24 Cuadros por Segundo



Edición # 12 de la revista 24 Cuadros por Segundo con la que cumplimos 2 años!!. En esta ocasión lo celebramos estrenando look y terminando de revisar el trabajo audiovisual de David Lynch, además... las secciones Plano X Plano/ Diente X Diente (clásicos) con la película "Straw Dogs" (Perros de Paja) de Sam Peckinpah, El Legado de Sangre (Slasher) con el clásico de Alfred Hitchcock "Psycho" (Psicosis), Rojo Profundo (Giallo) con el origen del subgénero: "La Ragazza Che Sapeva Troppo" (La Chica que sabia demasiado) de Mario Bava, los Estrenos, el Cuadro 25, una Retrospectiva a la saga de Hellraiser creada por Clive Barker y una revisión a lo Mejor del 2013 en cuanto a cine...

Que disfruten la revista... bienvenidas las sugerencias y comentarios...

 Link de descarga: http://netload.in/dateiiuxz4bChJK/Revista12.pdf.htm 

Leer en línea:


Edición # 11 - 24 Cuadros por Segundo




Una de las filmografías más fascinantes y atrapantes de la cinematografía mundial es la del director americano David Lynch, cuyas misteriosas historias enganchan al espectador, hipnotizándolo, para de esa forma llevarlo a mundos insólitos y tenebrosos, donde no todo es lo que aparenta y todos tienen secretos ocultos. En esta edición comenzamos el enfoque selectivo a este gran director, así como las habituales secciones que incluyen "Slashers" y "Giallos".

Que disfruten la revista!

Link de descarga directa: http://netload.in/dateiyNDmYwOtKq/Revista11.pdf.htm 

También se puede leer en línea:


The Slasher Collection # 43: When a Stranger Calls (1979)



Título Original: When a Stranger Calls
Título en Español: Cuando un Extraño Llama
Director: Fred Walton Productor: Doug Chapin y Steve Feke
Guion: Steve Feke y Fred Walton
Fotografía: Donald Peterman
Edición: Sam Vitale
Año: 1979
País: Estados Unidos
Intérpretes: Carol Kane, Charles Durning, Ron O'Neal, Tony Beckley

Tagline: ...Fear is the Message!
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0080130/reference

El mundo de los Slasher (películas en las que en su mayoría son protagonizadas por jóvenes que intentan escapar a un asesino de turno), está plagado de muchas películas y casi todas ellas se desenvuelven en un tipo de plantilla habitual construida a partir de las seminales A Bay of Blood (Reacción en Cadena, 1971), Black Christmas (1974) y Halloween (1978). Pero siempre es grato ver nuevas aproximaciones del género, así sea del año 1979, pues When a Stranger Calls es una película semi desconocida, cuya parte inicial funcionó como inspiración para el remake del mismo nombre del año 2006, el cual es por supuesto más actualizado. En la película original, si bien posee un psicópata que acosa a una niñera, está alejada de los clichés del género, pues no asesina con un arma corto punzante -lo hace con sus propias manos- y es capturado en el primer tercio del metraje. En este excelente thriller, el asesino se muestra más humano, alejado de las máquinas asesinas, para las cuales solo se les otorga cierta explicación de su comportamiento en escasas escenas. En este filme, tenemos un trabajo bien llevado en cuanto a la caracterización de asesino, sus propios miedos y soledad, todo un aporte del director, algo que se refuerza con la excelente actuación del desaparecido actor Tony Beckley. Además, hay un cambio de roles lo más de llamativo, en cuanto el cazador se convierte en cazado, otorgándole una atmósfera diferente a este filme que pertenece por supuesto a una época donde el slasher estaba en todo su furor.




Carol Kane interpreta a Jill Johnston, una joven niñera que una noche es contratada para cuidar a un par de niños de una pareja de un pueblo. En la noche, Jill comienza a recibir llamadas telefónicas de un hombre desconocido, quien le pregunta: ¿Has revisado a los niños?. Las llamadas continúan y una Jill asustadiza decide comunicarse con la policía, quienes logran rastrear al origen de las llamadas, las cuales vienen de la propia casa, del piso de arriba. Los niños ya estaban muertos y cuando Jill decide escapar, el detective John Clifford (Charles Durning) aparece y arresta al asesino llamado Curt Jones (Tony Beckley).

Pasan siete años y Jill ha hecho una familia. Sin embargo, Duncan ha permanecido encerrado en una institución mental donde sufrió abusos físicos y psicológicos mediante un duro tratamiento con electrochoques y medicamento. Duncan escapa del instituto, pero no sabe a dónde ir ni a quién acudir. Cliff es contratado por el padre de los niños asesinados para que encuentre y elimine a Curt, mientras que Curt será acosado, eventualmente irá tras Jill para cerrar su ciclo.




When a Stranger Calls es un filme sobre un personaje perturbado, un psicópata pero también un ser humano. El filme abre con unos excelentes veinte primeros minutos, inigualables en el resto del filme, en donde una niñera es acosada por el teléfono por un psicópata que le dice que revise a los niños. El suspenso funciona a la perfección, pues el espectador está continuamente pensando si el asesino está afuera y sobre todo cuándo va a atacar, pero en un giro muy bien llevado a cabo, el cual ha sido utilizado varias veces después en el cine, el asesino esta presente en la misma casa. El director Fred Walton, filmó inicialmente un cortometraje llamado "The Sitter", el cual era esencialmente los primeros veinte minutos del filme, es por ello que cuando se ve la película, se siente que esos minutos podrían funcionar por sí solos. La decisión de convertirlo en un largometraje, fue tomada tras el enorme éxito del filme Halloween (1978), por lo que el guion fue expandido, agregando toda la persecución del villano Curt Duncan. Este alargamiento funciona bien como película y enfoque de un psicópata, aunque es claro que se diferencia mucho de las escenas iniciales, por lo que parecen dos películas distintas en una. En el enfoque de Curt, se nos muestra a un psicópata enfermo, aporreado por la sociedad y por encima de todo un ser patético. Esto es evidente en una de las buenas escenas de actuación del filme, cuando el personaje de Curt trata de aproximarse a una mujer en un bar, sin tacto y sin comprender que la situación se vuelve más y más incómoda para todos los presentes. Así mismo, la escena posterior cuando Curt va a la casa de la mujer, y entra sin permiso y se sienta, es extraña y peligrosa, siendo un gran momento en el drama del filme. Estos aspectos hacen de When a Stranger Calls un slasher un poco más complejo de los habituales.




El actor que interpretó a Curt, Tony Beckley, hace un excelente trabajo a pesar de la condición en la que se encontraba, pues al momento de empezar la producción ya tenía una enfermedad terminal avanzada que estaba acabando con su vida. El actor murió poco después de que empezara la fotografía principal del filme. El director, le dedicó la secuela de este filme, When a Stranger Calls Back (1993) a la memoria del actor. En la secuela hecha para la televisión, el director además volvió a reunir a la actriz Carlo Kane y el actor Charles Durning. Adicional a la excelente interpretación de Beckley, Walton fue capaz de dirigir a sus demás actores, siendo uno de los aspectos más destacables del filme. Charles Durning hace también una buena interpretación acerca de un personaje diferente para este tipo de filmes, pues es un hombre de la ley que se va transformando, tras haber capturado inicialmente al psicópata, el policía se retira, pero después de un tiempo, al saber del escape queda obsesionado con capturar de nuevo a Curt, aunque su principal objetivo es eliminarlo, algo que en un momento en particular del filme se vuelve como antagonista, pues el psicópata da la sensación de estar en un punto donde no puede hacer daño a nadie. Luego que Curt es perseguido y acosado, toma de nuevo su senda peligrosa para ir tras Jill, momento en que vuelve el terror. A destacar también, la escena en que Jill recibe de nuevo una llamada diciéndole que si ha revisado a los niños, pero en este caso son sus propios hijos, lo que le agrega todo un drama y terror inimaginables, excelentemente transmitido por la actriz Carol Kane.




When a stranger Calls es un slasher atípico, no recomendado para los que busquen muertes cada cinco minutos o un psicópata mudo tipo Michael Myers, sino para los que quieran ver una historia de suspenso bien contada, la cual se esfuerza en mostrar las transformaciones de sus personajes principales.

Trailer:


jueves, 3 de abril de 2014

Ghosts of Mars (2001)



Título Original: Ghosts of Mars
Título en Español: Fantasmas de Marte
Director: John Carpenter
Productor: Sandy King
Guion: Larry Sulkis y John Carpenter
Fotografía: Gary B. Kibbe Edición: Paul C. Warschilka
Año: 2001
País: Estados Unidos
Intérpretes: Natasha Henstridge, Ice Cube, Jason Statham, Clea DuVall, Pam Grier, Joanna Cassidy

Tagline: You Don't Stand a Ghost of a Chance
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0228333/reference


Después del sonado regreso del director John Carpenter a la pantalla grande con Vampires (Vampiros, 1998), que no fue tan bien recibido por la crítica, aunque el filme es más que entretenido y es una aproximación original al tema vampírico, Carpenter decidió escribir una historia de ciencia ficción desarrollada en el planeta Marte, con fantasmas de por medio, policías y presuntos asesinos. No importa que se cambie una horda de pandilleros por unos fantasmas, pues los elementos ya vistos están ahí. Fantasmas de Marte es considerada por algunos como su peor película, y si bien no se puede ir a tal extremo, es sin duda el momento menos inspirado en la carrera de este excelente director.




La historia empieza cuando se encuentra a la teniente de la policía Melanie Ballard (Natasha Henstridge), como la única tripulante de un tren. Cuando la llevan a interrogar, Melanie comenta lo que pasó con el equipo cuya misión era retornar con un peligroso asesino llamado Desolation Williams (Ice Cube). Aparentemente, cuando el equipo llegó a la primera ciudad de Marte, llamada Chryse, encontraron a todos los mineros asesinados, siendo todo un esparcimiento de sangre. El equipo se separa para encontrar qué sucedió, lo que lleva a que Melanie y el sargento Jericho Butler (Jason Statham) encuentren a Desolation encerrado en una celda, lo que lo descarta de ser el culpable de los sucedido en la ciudad. La historia continúa construyéndose a partir de flashbacks dentro de flashbacks acerca de lo que le sucedió a Melanie.




En Fantasmas de Marte, el realizador toma elementos prestados de su propia filmografía para construir una historia simple y en algunos momentos mal contada. En primer lugar, Carpenter toma la premisa del asedio, que funcionó perfectamente en Assault on Precint 13 (Asato a la comisaría 13, 1976), y la transfiere a otro lugar junto a otros acechadores, pero el fin básicamente es el mismo, eliminar a todos los que están encerrados en un solo lugar. Del mismo filme, se adapta la presencia del reo que se debe unir a la policía para lograr la supervivencia de todos, aunque en esta ocasión el personaje de Desolation Williams (Ice Cube) no tiene el carisma ni el magnetismo de pantalla que posee el personaje de Napoleón (Darwin Joston), ni tampoco el de otros personajes destacables como Nada (Roddy Piper) o el mítico Snake Plissken (Kurt Russell). Finalmente, algo de la película The Fog (La Niebla, 1980) está allí, en cuanto a los fantasmas; similitudes con The Thing (La Cosa, 1982) se pueden captar en la incertidumbre del quién es quien, y las posesiones que se vieron en Prince of Darkness (Príncipe de las Tinieblas, 1987) son también adecuadas para este filme. Encima de todo ello, el filme se presenta con bajo presupuesto, a pesar de contar con un buen dinero que la puede clasificar entre el límite de un filme independiente y un proyecto barato de grandes estudios. El bajo presupuesto es algo que no es ajeno al director, pero está menos aprovechado los recursos que en sus otros filmes, pues las locaciones son repetitivas y simples, en especial el centro de la acción en la ciudad de Marte llamada Chryse, que más que una ciudad parece un barrio.

Otro de los aspectos negativos es la forma de contar la historia, pues si en In the Mouth of Madness (Al Borde de la Locura, 1994), otra película de la que toma algo prestado (el flashback explicativo), funcionaba muy bien al empezar la historia adelantada para que el personaje empezara a explicar lo sucedido, en este caso, el flashback no es uno solo, como en la citada película, sino que la historia vuelve varias veces al futuro para mostrar a Melanie contar la historia, hecho que evidentemente atenta contra el ritmo y la tensión del filme, además de que ya se sabe de entrada cual es la sobreviviente. Pero el problema se acrecienta además, porque Carpenter decidió contar diversos flashback para los personajes secundarios, de acciones que ocurrieron en algunos casos pocos minutos antes, lo que no ayuda para nada a la historia. Y así como lo hizo en Vampires-aunque en Fantasmas de Marte lo utilizó más-, Carpenter narra la acción usando disolvencias que son por lo menos fastidiosas.




La composición musical de Carpenter está allí, pero no es la que nos tiene acostumbrados para construir atmósferas, sino que en esta ocasión tiende a ser más pesada, acompañada por la música de Anthrax, que puede servir para presentar personajes y su final, pero no para usarla en todo el metraje. De igual forma, los actores no colaboran tanto, Ice Cube se limita a expresar ademanes de tipo duro, sin llegar a generar empatía o admiración alguna. Se tiene a la actriz Natasha Henstridge, que a pesar de su esfuerzo, no logra convencer al espectador de su trasfondo de adicta, ni es un personaje creíble, en cuanto al mando que maneja o el hecho de no importarle que sus compañeros bajo sus órdenes mueran hacia el final, hay que recordar que la actriz reemplazó a la primera opción que era Courney Love. El papel de Pam Grier, una actriz que le otorga otra presencia al filme desaparece muy pronto, mientras que Jason Statham parece perdido en este guion. El antagonista no está bien construido ni es para nada memorable, un elemento que se descuidó demasiado.

Para rescatar algo del filme, es que Carpenter hace lo suyo, lo que quiere hacer, contar películas de serie b, así en esta ocasión se equivoque en grandes proporciones. La premisa inicial era muy llamativa, y es posible pensar que con un mayor presupuesto y un casting distinto se podría haber mejorado algunos aspectos del filme. Como en otras colaboraciones del director, el grupo especializado en efectos especiales KNB, liderado por Gregory Nicotero (que aporta su cabeza para una escena) y Robert Kurtzman, hacen un trabajo prolijo en el maquillaje y las muertes en pantalla. En ese sentido, la película va creciendo en dificultad y violencia, cuando las peleas se hacen cada vez mayores, las decapitaciones aumentan y el gore está muy presente. También hay que mencionar la buena labor en la elaboración de los modelos del tren y la perfecta fusión con los actores.




En resumen, Fantasmas de Marte es un filme fallido por diversos aspectos, desde el guion basado en películas anteriores del director y las actuaciones, hasta la forma de contar la historia. Sin embargo, para los verdaderos seguidores del director puede parece una película con falta de inspiración pero a pesar de todo entretenida.

Trailer:


domingo, 16 de marzo de 2014

Escape From L.A. (1996)



Título Original: Escape From L.A.
Título en Español: Escape de Los Ángeles
Director: John Carpenter
Productor: Debra Hill y Kurt Russell
Guion: John Carpenter, Debra Hill y Kurt Russell
Fotografía: Gary B. Kibbe
Edición: Edward A. Warschilka
Año: 1996
Intérpretes: Kurt Rusell, Steve Buscemi, Peter Fonda, Cliff Robertson, Valeria Golino, Stacy Keach, Pam Grier, Bruce Campbell.

Tagline: Plan Your Escape This Summer
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0116225/reference



Mucho se había hablado de una secuela del clásico de culto Escape From New York (Escape de Nueva York, 1981) del director Carpenter, pues el personaje de Snake Plissken era lo suficientemente interesante para que el cine volviera a su mundo. Luego de varios años, se propició la posibilidad de recrear un nuevo escape, gracias al apoyo del actor Kurt Russell y a que los estudios confiaron en hacer una secuela, pero no sin ejercer cierta presión, como lo fue la de volver a contar la historia del personaje, por miedo a que el público joven no lo conociera. Esto derivó en que la secuela, escrita por John Carpenter, Debra Hill y Kurt Russell, a pesar de ser divertida y contar con un mayor presupuesto, fuese casi que un calco milimétrico de la original, desencantando un poco a los fanáticos de la primera entrega.




Es el año 2013. Un terremoto a gran escala causa que la ciudad de Los Angeles se convierta en una isla. El presidente (Cliff Robertson) la convierte en un lugar para mandar a las personas que no cumplan con su particular código moral, haciendo de la isla un lugar lleno de indeseables que se mueven sin ley u orden. Pero, cuando la hija del presidente (A. J. Langer), llamada irónicamente "Utopia", se roba un mecanismo secreto del gobierno cuando está en un avión presidencial, los problemas aparecen. Ella hace su camino hacia la isla y le entrega el mecanismo a Cuervo Jones (Georges Corraface), el cual no dudará en chantajear al gobierno. Es por ello que el presidente y sus jefes de seguridad, recurren a la única opción viable para recuperar el mecanismo, persuadir a Snake Plissken (Kurt Russell), para que vaya a la isla, recobre el mecanismo y además elimine a la hija del presidente, para evitar juicios largos y no deseados. Plissken es presionado mediante el contacto a un virus el cual lo matará en 8 horas, tiempo que tendrá para cumplir su misión y regresar, aunque eso no sean buenas noticias para el gobierno.




Es casi insólito, que esta segunda parte realizada con un presupuesto mucho mayor (de 50 millones de dólares) decepcionara en parte al público afín al género, porque lo que veía en pantalla era un Deja Vu, como el propio Pliskeen lo apunta: “Ya había oído eso”. Todos los puntos fuertes de la original se repiten. La transformación de una ciudad en una prisión de indeseados (pasando de Nueva York a una Los Ángeles que se separó del país por la acción de un terremoto), que por supuesto Carpenter utiliza como base de críticas al gobierno y a la supuesta libertad: “Los Estados Unidos no es una nación fumadora. No se puede fumar, no se puede beber, no se pueden usar drogas, no se permite estar con mujeres a no ser que estén casados, no se permiten armas, no se permite la carne roja”, todo un discurso de libertad que expresa su presidente interpretado por Cliff Robertson (el equivalente al personaje del presidente de Donal Pleasence). La coerción por parte del gobierno para obligar a Pliskenn a entrar a una ciudad y recuperar algo por ellos (un veneno introducido en su sistema, además de todo un equipo de comunicación y militar para entrar y salir). El jefe militar que se apodera de un mecanismo que puede dañar al gobierno, en este caso Cuervo Jones (George Corraface) es el equivalente a The Duke (Isaac Hayes). El personaje que se conoce la ciudad y que le juega sucio a Plissken, en este caso Map to the Stars Eddie interpretado por Steve Buscemi reemplaza a Cabbie (Ernest Borgnine), la prueba a la que es sometido Plissken que supera con creces (se cambia la pelea por las habilidades en el basquetbol), la escena en que el personaje se sienta cuando necesita pensar que hacer, y el final en el sentido de "no me importa el mundo" de Plissken, donde cambia un CD (un cassete en la original) para vengarse a su manera del gobierno. Aunque esta segunda entrega tiene el aliciente de que el mundo queda como lo ve Plissken, todos por su cuenta.

Todos estos elementos ya conocidos dejan un sentimiento frio cuando se ve el filme, aunque hay que reconocer que hay nuevas ideas en esta segunda entrega y por supuesto el personaje de Plissken sigue siendo sarcástico y entretenido, por lo que vale la pena ver el filme. El alto presupuesto con el que contó Carpenter, originó que la historia fuera un poco más ambiciosa en cuanto a los efectos especiales y las escenas de acción, aunque de igual forma se utilizaron pinturas y maquetas como en la primera entrega, pero en general todo aumentó de escala. En ese sentido, el filme posee el problema del mal envejecimiento, pues los efectos visuales que funcionaron en la época, ya no funcionan el día de hoy y eso se nota, en especial, el viaje en el submarino individual del personaje por el océano (en Nueva York viajaba en un avión). La secuela también propició que los actores que participaron fuesen más reconocidos, teniendo por ejemplo a Steve Buscemi, Pam Grier, Valeria Golino y hasta Peter Fonda, este último participando en un papel poco asociado a él, el de un surfista, pero con el cual se creó una de las escenas más originales del filme, la de montar en una tabla de surf y dejarse llevar por nada más y nada menos que un tsunami. Recordemos que el director, ya había utilizado el surf para una de sus películas, su primera de hecho, en Dark Star (1974), en la que uno de sus protagonistas queda vagando en el espacio montando su tabla de surf. También es importante la utilización de nuevo, de la genial música creada por el director para Escape From New York, la cual es usada al inicio de este filme. Cabe notar además, la aparición en especie de cameo, del mítico Bruce Cambell, haciendo de jefe de cirujanos que andan tras el tráfico de cirugía plástica.




Como se mencionó anteriormente, Plissken es el personaje importante, y todo su sarcasmo y rebeldía, juegan de nuevo a favor del argumento. En este caso, también se repite la terminación prematura de un posible interés romántico del personaje, pues cuando Taslima (Valeria Golino) le ofrece sus encantos, inmediatamente cae asesinada, siendo una escena totalmente cómplice del humor negro. Así mismo, el diálogo cómico asociado al personaje está presente, cada vez que se encuentra con algún nuevo personaje, pues todos le dicen que lo imaginaban ser más alto, frase que se cambió del guion de la primera entrega, el cual apuntaba al: "pensé que estabas muerto". Es especial también, la relación de Plissken con sus captores, en los momentos en que pregunta a dos de ellos que quién le inyectara el antídoto cuando regrese, y ante la negativa, Plissken intentará eliminarlos, pero se da cuenta de que eran solo unos hologramas, recurso que le devolverá a ellos el personaje hacia el final del metraje.




Si se comparan las dos películas de Escape, sin duda alguna esta secuela sale mal parada, no solo por las similitudes en el guion, sino por el final mejor elaborado en Nueva York. Pero, si se toman los elementos divertidos, el retorno del personaje, y algunas inspiradas escenas, es una secuela que vale la pena tener en cuenta. Continuando con las secuelas, es sabido que hace tiempo se viene hablando de una posible tercera parte llamada hipotéticamente “Escape From Earth”, pero la cual nunca ha visto la luz. Así como el posible remake de Escape From New York, con un nuevo actor interpretando a Plissken, con el fin de actualizar el personaje al nuevo público, pero es algo que no ha terminado de gestarse y es indudablemente muy difícil imaginarse a otro actor diferente a Kurt Russell para el papel. Veremos que sucede en un futuro próximo.

Trailer:

viernes, 14 de marzo de 2014

The Alien Collection # 8: The Thing (1982)



Título Original: The Thing
Director: John Carpenter
Productor: David Foster, Lawrence Turman y Stuart Cohen
Guion: Bill Lancaster
Fotografía: Dean Cundey
Edición: Todd C. Ramsay
Año: 1982
País: Estados Unidos
Intérpretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, T. K. Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart

Tagline: What you fear most... is among you
imdbhttp://www.imdb.com/title/tt0084787/reference



Tras realizar una maravilla de ciencia ficción independiente, llamada "Escape From New York (1981)", el director John Carpenter aceptó realizar una producción grande de estudio, contando con un presupuesto elevado, algo con lo que no había trabajado antes. El proyecto era el remake del clásico de Howard Hawks "The Thing From another World, 1951", dirigido por Christinan Nyby, aunque siempre se dice que el que verdaderamente la dirigió fue el héroe de Carpenter, Hawks. Sin embargo, Carpenter no se tomó el trabajo de rehacer el filme original, sino que siempre tenía claro volver a la fuente, a la historia del escritor norteamericano de ciencia ficción John W. Cambell Jr. llamada "Who Goes There?", que se centraba en la paranoia de los personajes al no saber quién es humano y quién no. Carpenter tomó esta premisa y trabajo en un estudio acerca del miedo del ser humano, como lo llamó, para crear su primer obra maestra, un clásico del terror y de la ciencia ficción, el cual es difícilmente igualable aún hoy en día, debido a gran talento del equipo de trabajo y a las creaciones originales que se ven en el filme.




Los habitantes de una estación de investigación científica ubicada en la Antártida (la película original estaba situada en el Polo Norte), se sorprenden al ver a un perro que está escapando de un helicóptero, cuyos tripulantes le disparan a matar. Los tripulantes del helicóptero, también son investigadores científicos, pertenecientes a una base Noruega, que quieren evitar una propagación de una criatura, pues sin saberlo, los americanos reciben y acogen al can que en realidad es un xenomorfo, un ente alienígena que es capaz de imitar en cada detalle a su presa y hacerse pasar por ella. El helicóptero cae por accidente, muriendo de esta forma los tripulantes, pero los americanos mandan una expedición en helicóptero hacia la estación Noruega con el fin de encontrar respuestas. Una vez allí, el piloto MacReady (Kurt Russell) y el doctor Copper (Richard Dysart) encuentran destrucción, muerte y algo que los científicos noruegos querían destruir con queroseno.

Después de examinar unas cintas de video encontradas en la base destruida, los americanos descubren que los noruegos encontraron una nave espacial enterrada en el hielo, junto con un alienígena congelado, que a pesar de estar miles de años en el lugar, no estaba muerto. El alienígena puede asimilar e imitar cualquier forma de vida, animal o humana a nivel celular, y mientras que se acerca el invierno, y no se puede pedir ayuda, el problema de los científicos es saber quién es quién.




The Thing (La Cosa) es sin duda una de las obras maestras del director americano debido a varios aspectos. En primer lugar, Carpenter se enfocó en la historia original, partiendo en esta ocasión en un guion que no es de su autoría, cediéndole el trabajo a Bill Lancaster, quien solo tenía un trabajo anterior como guionista en una historia infantil llamada "The Bad New Bears" de 1976, por lo que es sorprendente su buen hacer como guionista en The Thing. El guion, que inicialmente era de 40 páginas, las cuales eran muy fieles a la historia de Cambell, enamoró completamente al director, quien se puso manos a la obra para completarlo junto a Lancaster y desarrollar una historia centrada en el miedo humano. ¿Qué es lo peor del miedo humano?, no saber en quién confiar. Esta premisa es la base del filme, de sus miedos y del terror que sienten los protagonistas al estar esperando lo inesperado. Sin saber en quien confiar, la paranoia se apodera de todos, cada uno va por su cuenta hasta que encuentran una forma de hacer un test con la sangre (escena tomada de la historia). Es allí donde entra el talento de Carpenter, otro de los aspectos destacables, la dirección. Carpenter es un maestro en el suspenso, al igual que en la sorpresa. En The Thing, convergen estos dos conceptos, pues en la mayoría de las escenas, las transformaciones del alienígena son mostradas en cámara, aterrorizando al espectador con imágenes increíbles. En una de sus clásicas escenas, mientras no saben quién puede haber sido imitado por el xenomorfo, se encuentran con uno de los miembros del grupo a quién le está dando un ataque al corazón, mientras otro de los miembros trata de reanimarlo con sus manos, y en este punto nadie piensa que el xenomorfo está dentro del moribundo, su pecho se abre y las costillas toman la forma de unos dientes arrancándole los brazos al buen samaritano. Todo un shock perverso al espectador. Así mismo, el director maneja varias escenas con un gran suspenso, como la nombrada escena del test de sangre, para saber quién está convertido por el xenomorfo, con una prueba de calor en la sangre.




El notable trabajo del experto en efectos de maquillaje Rob Bottin, con apenas 22 años, fue impresionante, realizando todos los trucos conocidos, pero también creando nuevos para el filme, el cual después de más de 30 años conserva ese poder de impacto. Bottin trabajó casi sin descanso, para que los efectos salieran reales, contando eso sí con un gran equipo técnico. El mismo Stan Winston colaboró en algunas escenas, debido al abrumador trabajo que tenia Bottin, ayudando por ejemplo en la ecsena de la jaula con el perro. En adición, el aspecto épico del filme, cuando encuentran la nave desenterrada es el trabajo de las pinturas en mate del experto en efectos visuales Albert Whitlock, quien trabajó con Alfred Hitchcock en varias de sus películas, incluyendo a The Birds (1963), donde realizó también diseños gráficos.

The Thing es también considerado el mejor trabajo en palabras de su director, y es razonable esta afirmación, debido no solo a lo expuesto anteriormente, sino a que se nota el amor que cada uno de los miembros del equipo puso en el largometraje. El filme, es completamente atmosférico y claustrofóbico, situado en una estación en el fin del mundo, donde no es posible pedir ayuda y no se puede confiar en sus amigos. El trabajo del experto en cinematografía Dean Cundey, resalta la paranoia de los personajes y su aislamiento. El trabajo de cámara es soberbio, mientras que la iluminación se utilizó a veces en escenas con poca luz. En algunas de ellas, la iluminación se creó a partir de luces de bengala, resaltando de esta forma el suspenso. Todo con ayuda de una excelente banda sonora, que como curiosidad no fue compuesta por Carpenter, como en sus filmes independientes, sino por el maestro Ennio Morricone, quien aportó lo suyo para ambientar el filme. Morricone compuso una música similar al estilo del propio Carpenter, sobre todo por el uso del bajo y los acordes que siempre ha caracterizado al director. Los personajes son también destacables, y no hay ninguna mujer en pantalla, aunque por ese motivo Carpenter hizo que la voz de computador fuera la de una mujer, de la actriz Adrienne Barbeau. Como curiosidad adicional, inicialmente había un personaje femenino, pero la actriz seleccionada quedó embarazada por lo que el director cambio el género de ese personaje. Caso contrario a la precuela del 2011, donde la protagonista es una mujer. Aunque el guion no profundiza en todos los personajes, se destaca es el piloto MacReady, quien toma el mando de la situación cuando ninguno sabe qué hacer, hasta llegar a un final abierto que deja pensando al espectador.





The Thing partió siendo un remake del clásico filme de los 50, pero gracias a Carpenter, se creó a partir de la historia original la cual contenía muchos elementos nunca vistos. El filme de Nyby, que fue de bajo presupuesto, tenía una gran ambientación y suspenso, pues el alienígena, que en esta ocasión solo buscaba alimentarse con la sangre de los investigadores, no era mostrado hasta el final del filme, donde se presentaba más o menos como un hombre en un traje, algo que decepcionó, aunque para la época fue todo un clásico. The Thing de Carpenter, fue mucho más real y visceral, además que la mayoría de efectos se veían en pantalla, todo un avance en el horror a la fecha, y una gran influencia para los directores de género posteriores, o también en series de televisión, como por ejemplo en el capítulo llamado "Ice" de la primer temporada de "X-Files (Archivos-X)".

Es extraño entonces, que el filme fuese un fracaso en taquilla, debido a la calidad del mismo, aunque hay que recordar que ese mismo año se estrenaron otros filmes de ciencia ficción, incluyendo a Blade Runner y E.T- the Extraterrestrial, el cual tenía un alienígena más amigable en pantalla y más querido para ver en familia. Pero, la justicia se hizo presente, y después de varios años The Thing tiene el reconocimiento que se merece, siendo una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia.





En el 2011 salió una precuela dirigida por Matthijs van Heijning, la cual es apreciable de ver, pero se basa muy de cerca en el filme de Carpenter, siguiendo más o menos todos sus grandes momentos, a pesar de que cuenta lo sucedido en la estación Noruega. Sin embargo, los efectos digitales, que están bien hechos, no tienen el encanto y la sorpresa de los efectos artesanales del filme de Carpenter.

Datos:
• Donal Pleasence ina a hacer el papel de Blair, pero no pudo debido a sus compromisos con otros proyectos.
• Lo que dice el piloto del helicóptero, en idioma Noruego es: "Vayánse de allí, que no es un perro, es una especie de cosa. Está imitando al perro, pero no es real. Corran idiotas!".
• Para dar la sensación del ambiente de la Antártida en los interiores, los estudios fueron refrigerados a 4ºC mientras afuera estaba a 38ºC.
• Uno de los personajes se llama Mac y otro Windows.
• El filme según Carpenter, es la primera de la trilogía llamada del "Apocalipsis", las otras dos son Prince of Darkness e In the Mouth of Madness.

Trailer:


LinkWithin

Related Posts with Thumbnails