jueves, 22 de diciembre de 2011

The Yellow Sea (2011)



Titulo Original: Hwanghae
Género: Thriller
País: Corea del Sur
Duración: 157 Minutos
Director: Hong-jin Na
Guión: Hong-jin Na
Intérpretes: Chul-Min Lee, Jung-woo Ha, Seong-Ha Cho, Yun-seok Kim
Productor: Sung-goo Han
Fotografía: Sung-je Lee
Música: Young-kyu Jang, Byung-hoon Lee
Montaje: Sun-min Kim

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1230385/



El thriller hecho en Corea del Sur ha refrescado el panorama del cine desde hace ya varios años cuando el director Park Chan-Wook realizara su trilogía de la venganza. Esta nación en constante crecimiento a partir del fin de la segunda guerra mundial, ha evolucionado hasta convertirse en un país desarrollado con una gran economía y además generadora de grandes piezas del séptimo arte. Es así como nuevos nombres se van adicionando a la lista de directores de talento incluyendo a Na Hong-Jin, autor de "The Chaser (Chugyeogja) 2008", su auspicioso debut con el que consiguió reconocimiento en distintos festivales. Con The Yellow Sea (Hwanghae), Na confirma lo que parecía ser, un realizador de grandes vehículos de acción con el trasfondo del thriller.

The Yellow Sea, o el Mar Amarillo, hace referencia al mar situado entre la península coreana, la China continental y Rusia, justo allí está el lugar llamado Yanbian donde residen los chino-coreanos conocidos como Joseonjok, quiénes en su mayoría se dedican a actividades ilegales para subsistir. Dentro de este panorama se encuentra un taxista desesperado llamado Gu-Nam (Ha Jung-Woo), quién tiene una cuantiosa deuda a causa de los gastos para la visa de su esposa quién al parecer lo abandonó a él y su pequeña hija. Gu-Nam además es un ludópata y cada noche pierde su dinero jugando al Mahjong, por lo que un gánster le da una única vía de salida, trabajar como asesino a sueldo. Gu-Nam tendrá que memorizar una dirección y viajar a Corea del Sur para encontrar a su víctima y traer un dedo de recuerdo, una vez allá tendrá la oportunidad de buscar a su esposa, pero el viaje no será sencillo...

La motivación central del film es el fantasma de la esposa del protagonista, constantemente presente en sus sueños o pesadillas y causante de un dolor sin cicatrizar. La oportunidad de encontrar algo sobre su esposa es lo que lleva a Gu-Nam a aceptar el trabajo, su determinación será obstaculizada por diferentes fuentes como la policía o los socios de la víctima, complicando la trama a medida que se avanza en las situaciones y nuevos personajes. Es así como el metraje sobrepasa los 150 minutos, los cuáles se pasan sin sentirse, una vez la trama y los personajes están ambientados la acción se desarrolla como una montana rusa.

El director Na, escoge filmar las escenas de persecución y de enfrentamientos desde un punto de vista muy físico, las armas blancas hacen su presencia en la carne de los afectados, una violencia física y brutal que le dan ese toque negro y deprimente al film. Las situaciones de difícil resolución o de persecuciones complicadas recuerdan a una de los grandes exponentes del cine de acción, Die Hard (Duro de Matar) 1998 de John McThiernan la cuál claramente es una influencia. Además de las escenas de riesgo el director escogió mostrar las dudas internas del personaje y algunas pistas en la trama mediante el uso de flashbacks bien dosificados y todos con su razón de ser.

Mientras que el protagonista se mete en una carrera contra el tiempo, la contraparte es representada por el imparable gánster interpretado acertadamente por Kim Yun-Seok, un hombre quién va directamente al grano, sin otorgar ninguna concesión. Kim es la representación de la violencia callejera, un hombre de apariencia sosegada pero quién puede transformarse en una arma homicida en cuestión de segundos. Estos dos personajes, son construidos a partir de un guión sólido, de forma pausada y el cuál acelera sólo en las escenas de acción.

The Yellow Sea ha recibido numerosas críticas positivas y además sobresale por ser la primera película surcoreana en ser beneficiada por un estudio americano, en concreto la 20th Century Fox. Na es un gran contador de historias, tiene el pulso adecuado para mezclar los problemas internos de los personajes con la violencia física que le otorga personalidad a sus films. El director obtuvo el premio a la dirección en el pasado festival de Sitges.

The Yellow Sea es impecable y a la vez impresionante, un vehículo de acción aderezado con buenas dosis de suspenso en el que se coinciden las buenas actuaciones, y la gran calidad técnica del cine coreano. Sin duda uno de los mejores films del ano.

Calificación: 9/10

Trailer:


viernes, 16 de diciembre de 2011

SciFi convention

De regreso al blog, decidí postear algunas fotos de la convención de ciencia ficción llevada a cabo en Estocolmo hace 15 días. Entre todas las maravillosas replicas que se podían observar, las que más destacan son las de Depredador y de Gremlins, además como cursiosidad tenemos una replica del bano de SAW entre otras...

espero que disfruten las fotos!







jueves, 17 de noviembre de 2011

The ABCs of Death....


y el ganador es....



T is for Toilet!!! de Lee Hardcastle. Enhorabuena para Lee y su impresionante animación en Stop Motion. El corto se unirá a los otros 25 de reconocidos directores de género. Ya tocará esperar hasta el próximo ano para ver el producto final, que la verdad tiene muy buena pinta...

jueves, 10 de noviembre de 2011

The Alien Collection # 7: Attack the Block (2011)


Titulo Original: Attack The Block
Género: Ciencia Ficción
Temática: Invasión, Extraterrestres
País: Reino Unido
Ano: 2011
Director: Joe Cornish
Guión: Joe Cornish
Intérpretes: Flaminia Cinque, Jodie Whittaker, Joey Ansah, Lee Nicholas Harris, Luke Treadaway, Nick Frost
Productor: Nira Park, James Wilson
Fotografía: Thomas Townend
Música: Basement Jaxx, Steven Price
Montaje: Jonathan Amos

Tagline: Inner City vs. Outer Space

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1478964/


Atención la resena contiene pequenos Spoilers

El escritor Joe Cornish hace su debut como director con Attack the Block, una película de ciencia ficción al más puro estilo británico, original y entretenida aunque carezca de un constante tono cómico. Attack the Block es una película acerca de los personajes de un barrio. Los protagonistas son una pandilla de adolescentes sin futuro, quiénes viven en el mismo edificio de apartamentos en el sur de Londres. Los muchachos escogen el mal camino para vivir como lo muestra la escena inicial en la que atracan a una indefensa enfermera, pero el atraco se verá interrumpido por algo que cae desde el cielo directo a un automóvil cerca de ellos. Moses, el lider de la pandilla, se acerca a inspeccionar y resulta herido, por lo que junto con sus amigos sale trás la criatura hasta matarla, sin darse cuenta que muchas más criaturas vienen en camino convirtiendo al barrio en una zona de guerra...

Con varias referencias al cine de género desde John Carpenter hasta Walter Hill (con su magistral "The Warriors"). Cornish relata una historia de valentía pero quizás con un exceso de ponderación hacia las pandillas y su comportamiento. Todos los protagonistas adolescentes tienen marcado el rechazo de la sociedad, es así como bajo esta excusa asocian cualquier reclamo a la dignidad y a la moral como una especie de racismo o de menosprecio hacia el barrio. En ese sentido hay diálogos que no se entienden, pues en algunos momentos el discurso de Moses (John Boyega), el protagonista, esta salido de tono. Como ejemplo se puede citar cuando clama que la policía soltó a los extraterrestres para acabar con los negros o en otro diálogo cuando la enfermera con justa razón se queja de que los muchacos la hallan atracado y piense en dejar el barrio a lo que uno de los miembros de la pandilla responde "que tiene de malo el barrio?". Sólo por el hecho de arrepentimiento por no saber que la persona agredida sea del propio barrio, no amerita que crezca nuestra simpatía para con estos muchachos, a pesar del esfuerzo con que Cornish presenta a estos adolescentes como heroes hacia el final del metraje. En este punto vale mucho como se siente el espectador frente a esta situación y si de verdad llega a entender las acciones de estos adolescentes para que la película funcione en cuanto a los personajes de una mejor forma o de hecho no funcione correctamente.

Dejando a un lado la empatía (la cual aumenta levemente al final) o antipatía, según cada quién, por los personajes, la película tiene una gran fotografía siendo visualmente muy llamativa. La locación es perfecta para transmitir el sentimiento de asedio tipo "Assault on Precint 13". Las criaturas están ocultas en la primera parte del film, como debe de ser, para ir tomando algo más de protagonismo posteriormente. Su diseno es simple tipo-gorila, de pelo negro y por supuesto de bajo presupuesto. Afotortunadamente el diseno también estuvo alejado del CGI lo que funciona correctamente y se complementa en forma perfecta con los elementos de tensión en momentos clave. Una de las mejores escenas al final del film esta rodada en una más que destacable cámara lenta. El film esta constituído por numerosos homenajes, en el que comparan a las criaturas con los Gremnlins de Joe Dante, pero eso sí estas criaturas están filmados con más mala leche y violencia.

Nick Frost hace un pequeno papel sin muchas pretenciones, en el que no se destaca pues los verdaderos protagonistas son los adolescentes, pero igual siempre es divertido ver a Frost en pantalla grande. Los elementos cómicos vienen de la interacción de personajes puntuales como lo es el papel de Brewis (Luke Treadway) quién participa en las escenas más hilarantes del film. Cornish demuestra buenas dotes de director al sacarle partido a estos jóvenes actores quiénes brindan un gran esfuerzo para retratar a sus personajes, destacando sobretodo Moses (Boyega, al que algunos le ven características físicas similares a un jóven Denzel Washington) y Pest (Alex Esmail). Mas aún cuando la mayoría de ellos hacen su debut cinematográfico aquí. Las multiples referencias pueden ser vistas también con los nombres de las calles como por ejemplo la Wells Court (por H.G. Wells) o la Clarke Court (Arthur C. Clarke) o la Herbert Way (Frank Herbert) entre otras.

Joe Cornish declaró que la idea le surgió cuando sufrió un atraco en las condiciones como se muestra en el film. Es claro que Cornish trató de aportar algo de comentario social a esta película de ciencia ficción urbana, una película que ha funcionado muy bien en los festivales donde ha sido proyectada, y la cual no se puede dejar pasar...


Calificación: 7/10

Trailer:

lunes, 7 de noviembre de 2011

Etapa final del ABCs of Death



El concurso del ABCs of Death se acerca a su etapa final, los jurados (directores) de los otros 25 cortos del film escogerán el mejor corto de los 10 más votados para ser el director número 26. A continuación pueden ver dichos cortos en orden descendente de votos. Entre los pre-seleccionados están dos de Uruguay y uno de México, felicitaciones. El próximo 15 de noviembre se dará a conocer el ganador, cual es su favorito?



T is for Turbo dirigido por François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell



T is for Toilet Dirigido por Lee Hardcastle



T is for Tantrum dirigido por Jack Perez




T is for Time dirigido por Jeremías Segovia




T is for Tamales dirigido por Lex Ortega y Sergio Tello




T is for Tomato dirigido por Nicolás Botana y Gonzalo Torrens




T is for Table dirigido por Shane Free




T is for Tranny dirigido por John Meyers




T is for Time dirigido por Carl Ball




T is for Trick dirigido por Travis Betz




P.D. Varios cortos interesantes se quedaron por fuera, pero bueno asi es el sistema de votación. De entre ellos estos tres me llamaron mucho la atención aunque hay muchos mas....

T is for Talk dirigido por Peter Haynes



T is for Tiles dirigido por Victor García



T is for Temptation dirigido por Michael Foulke

domingo, 6 de noviembre de 2011

Derechos de Autor Mortales


Nuestro amigo Ivan Muñiz gentilmente nos proporcionó la forma de ver su cortometraje "Derechos de Autor Mortales" el cuál esta rodado con una cuidada fotografía y con un inesperado giro en su guión. La historia es acerca de una trabajadora del estado quién llega al bar de un hombre llamado Guillermo para actualizar sus datos acerca del local, pero en realidad lo que hará es encontrar la forma de cobrar más por la música y los eventos que utiliza el bar. Guillermo, el encargado no le pondrá las cosas faciles, pues es un fiel seguidor del satanismo y lo utilizará para maldecir a la mujer...

Este cortometraje espanol de tan sólo 13 minutos de duración, maneja una ambiguedad mediante las imágenes y los diálogos de los personajes quiénes hacen un excelente trabajo. El corto logra elaborar una atmósfera malsana y opresiva sobre la mujer, quién sentirá el miedo muy de cerca. Muñiz escribe, dirige y además hace el montaje en el que prima el amor por lo macabro.

Le deseamos mucha suerte a Ivan en este proyecto, para los que quieran saber más acerca de él a continuación pueden ver el trailer y además les dejo la dirección del blog del cortometraje..

Trailer:


Blog:
http://derechosdeautormortales.blogspot.com/

The Supernatural Collection # 16: Let's Scare Jessica to Death (1971)



Titulo Original: Let's Scare Jessica To Death
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 89 Minutos
Ano: 1971
Director: John Hancock
Guión: Lee Kalcheim, Ralph Rose
Intérpretes: Barton Heyman, Gretchen Corbett, Kevin O'Connor, Zohra Lampert
Productor: Bill Badalato, Charles B. Moss Jr.
Fotografía: Robert Baldwin
Música: Orville Stoeber

Tagline: Something is after Jessica. Something very cold, very wet... and very dead...

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0067341/


Este clásico de principio de los anos 70 se ha filmado de una forma apacible con elementos de horror gótico que van creciendo a medida que el personaje principal se va desestabilizando. La historia comienza cuando Jessica, una mujer con problemas mentales, quién recientemente ha salido de una institución, es llevada por su marido y un amigo a vivir a un lugar rural, a una granja donde piensan dar un nuevo comienzo a sus vidas. Pero en el transcurso del camino, cuando se detienen en un cementerio para que Jessica copie la textura y los grabados de unas tumbas (muy macabro proyecto), Jessica comienza a ver a una nina a lo lejos. Desde ese momento Jessica se cuestiona si lo que esta viendo es verdad o sólo es su imaginación, pero por el miedo a ser cuestionada o devuelta a la institución se guarda sus visiones para sí misma. Cuando llegan a la granja, Jessica observa a una mujer dentro de la casa, con senales de temor, Jessica se queda paralizada pero por fortuna el esposo la calma diciéndole que él también vió a alguién dentro de la casa. Cuando encuentran a la persona, resulta ser una hermosa mujer que esta viviendo en la casa pues la consideraba abandonada. Jessica la invita a aquedarse por la noche con ellos mientras cenan juntos. Al otro día comienza la nueva vida para ellos, a pesar de que los habitantes del lugar se muestran como personas recelosas e inquietantes para con ellos. Jessica mira como sus visiones se van mezclando con la realidad dando origen a un final escalorfriante...

La película ha sido influenciada claramente por el clásico de Polanski "Rosemary's Baby, 1968" en la forma en como retrata los rostros de los vecinos del pueblo, la deformación de sus caras, las tomas cercanas con gran angular que muestran el sentimiento hostíl que se siente con ellos. Además, Jessica comparte con su hermana de ficción Rosemary, la paronia y la constante desazón que siente al no saber si en realidad los hechos que está experimentando son producto de su fantasía, su imaginación o por el contrario es algo muy real y tangible. Jessica es un personaje que se va transformando, se sabe parte de su pasado mediante los diálogos del esposo y sus pensamientos internos. En un buen esfuerzo de la actriz que interpreta a Jessica, Zohra Lampert, junto con los pensamientos del personaje que nos llega a nosotros por medio de una constante y a veces terrorífica voz en off, vemos como Jessica trata de encajar de nuevo en la sociedad y en particular dentro de su familia. Para ello oculta sus reacciones frente a la extrana atmósfera que va observando. Esto es muy bien retratado en una escena en la que Jessica, durante una escena con su esposo, el amigo y la desconocida, se esfuerza para reir de una broma que no entiende ni ha prestado atención solo para sentirse normal dentro de su grupo social.

La granja a la que llegan puede ser vista como una casa embrujada, pues según la leyenda de la película la hija de los anteriores duenos murió antes de contraer matrimonio y su espiritú anda rondano el lugar. Jessica por supuesto, tiene visiones de una mujer en el fondo de un lago quién trata de arrastrarla con ella. Pero no sólo están estas apariciones sino también la nina quién trata de comunicarle algo pero está incapacitada pues no puede hablar. Let's Scare Jessica to Death es un thriller melodramático y psicológico el cual es narrado de forma pausada, desde el punto de vista de su protagonista, de nuevo como en el caso de Rosemary, mediante el uso de pequenos personajes y en general espacios cerrados como la casa, elaborando de esta forma la claustrofobia y los miedos internos del personaje principal algo que logró muy bién el director John Hancock. Lo mejor del film es la ambiguedad que nos presenta el director, pues como se lo pregunta el mismo personaje principal en un punto del film, que es real y que no. Una vez termina el film es el espectador quién decide escoger si estamos en un pueblo lleno de una especie de no muertos sedientos de sangre quienes están tras Jessica, o todo es una imaginación de una enferma mujer. Llegados a este punto, el final es desolador e inquietante debido a esta ambiguedad. Se entiende porque este film es uno de los favoritos del escritor Stephen King...

Calificación: 7/10

Trailer:

sábado, 5 de noviembre de 2011

The Wicker Man (1973)


Titulo Original: The Wicker Man
Titulo Hispano: El Culto Siniestro
Género: Terror
Temática: Paganismo, Obsesión, Ocultismo, Culto, Leyendas, Terror Psicológico, Niños, Dioses, Sectas, Locura, Misterio
País: Reino Unido
Duración: 97 Minutos
Ano: 1973
Director: Robin Hardy
Guión: Anthony Shaffer
Intérpretes: Britt Ekland, Christopher Lee, Diane Cilento, Edward Woodward, Ingrid Pitt
Productor: Peter Snell
Fotografía: Harry Waxman
Música: Paul Giovanni
Montaje: Eric Boyd-Perkins


Tagline: Flesh to touch...Flesh to burn! Don't keep the Wicker Man waiting!

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0070917/



The Wicker Man o el Hombre de Mimbre es una película de terror británica la cual se centra en la colisión de dos mundos diferentes, la fe religiosa y el paganismo. La religión representada por el devoto sargento Howie y el paganismo por el práctico Lord Summerisle. En el momento que se estrenó el film tuvo un modesto desempeno en taquilla, obtuvo un premio en 1974 en el festival fanástico de Paris y poco más. El film se sumergió en la oscuridad hasta que en los últimos tiempos resurgió como uno de los mejores films de horror británicos de la historia. Este reconocimiento tardío puede deberse a que inicialmente el film no es fácil de asimilar, pues contiene una libertad particular expresada en los deseos sexuales y adoraciones a diversos dioses que dotan al film de un surrealismo extrano. Es a partir, de una segunda o tercera apreciación del film que todo comienza a encajar mejor, las virtudes emergen sin atajos las cuales incluyen un guión bien elaborado y dos de las mejores actuaciones en la carrera de Edward Woodward y Christopher Lee.

TWM esta escrita por el inglés Anthony Shaffer, renombrado autor de guiones como "Sleuth" y "Frenzy", ambas de 1972. En la historia un sargento policía, y decididamente religioso llamado Howie (Woodward) recibe una carta acerca de la desaparición de una nina en una remota isla en Escocia. Una vez llega allí para comenzar su investigación, los habitantes de la isla claman que la nina no existe. Howie pronto es testigo de cantos paganos que rinden culto a la sexualidad y la promiscuidad, observa como la educación es tergiversada y en general presencia varios rituales paganos. Sin ninguna ayuda por parte de los habitantes Howie esta decidido a encontrar la verdad cueste lo que cueste...

El film fue concebido para presentar objetivamente y de una forma veráz los elementos paganos, algo que consigue con creces. Todo el film esta plagado de esta autenticidad llevada hasta el más mínimo detalle haciendo creible las creencias y el comportamiento extrano de sus habitantes. Cada uno de los pequenos momentos surreales suman para la atmósfera del film y para la creciente escandalización del sargento. Estos momentos en muchos casos tienden a la comedia, como lo es la cura para la tos de una pequena nina, a quién le meten en la boca una pequena rana la cual "le sacara el mal". Estos momentos surreales contrastan con la rigidez y escandalización del sargento, todo a partir de una magistral interpretación. Lo mejor del film es el enfrentamiento entre los dos principales personajes, el sargento religioso y el lider de la secta. Los dos hombres tienen sus fuertes creencias, siendo Sommerisle una fuente de constante consternación espiritual para Howie. Esto es claramente evidenciado en la escena en que se encuetran por primera vez, justo cuando Howie presencia a un grupo de jovenes mujeres quienes danzan y saltan desnudas al rededor de una hoguera, su consternación acerca de esta escena es aplacada por la practicidad de Summerisle quien dice: "naturalmente que están desnudas, es muy peligroso saltar por el fuego con la ropa puesta". La música es una mezcla de canciones populares interpretadas por los mismos personajes del film. Edward Woodward, quién murió hace casi dos anos, realizó su mejor interpretación pero es quizás más conocido por su papel en la serie de televisión "The Equalizer (El Justiciero)". Christopher Lee, habitual de las películas de la Hammer quería cambiar de registro por lo que participó con ahinco en el film, tomando el paper de lider de esta secta pagana. De hecho trabajo gratis en él lo hizo de acuerdo a sus palabras por amor al arte.


El inexplcable remake fue lanzado en el 2006 contando con Nicolas Cage como protagonista con nefastas consecuencias. Robert Hardy había expresado sus reservas, pero cuando lo vió declaró que es más una película "distinta" y no tanto un remake. El remake fue apabullado por la crítica y por supuesto un fracaso comercial. En este ano, 2011, Hardy completó una secuela a The Wicker Man, titulada "The Wicker Tree". Hardy primero publicó la historia como una novela, pero la filmación comenzó en julio de 2009. En el film dos jóvenes cristianas americanas viajan a Escocia como lo hiciese el personaje de Woodward, y se encuentran con seguidores paganos...

TWM funciona como film de terror pues muestra las consecuencias de llevar al extremo las creencias así como la idea de el poder tras el manejo de las masas. Toda su parte final, la caravana y el inquietante desenlace hacen de eset un film imprescindible en el cine de terror.

Calificación: 8/10

Trailer:



Aca pueden ver un interesante documental acerca del film y sus creadores, esta en inglés y contiene Spoilers...

lunes, 31 de octubre de 2011

At Night at the Movies - Promo

Durante todo el mes de Octubre, el canal TCM americano muestra una vez más el amor por el cine de horror, esta vez con un documental en el que el propio escritor Stephen King habla sobre el género. King, un experto en el tema, sabe como transmitir y cautivar a la audiencia ya sea en sus novelas , libros de no ficción o en documentales de este tipo. Por cierto es más que recomendable su libro "Danse Macabre" con un excelente capítulo dedicado al cine de horror hasta los 80s. Libro del que todavía espero que haga una segunda parte. Es una pena que en el canal TCM latino no presenten este documental hoy mismo, pues a mi modo de ver sería un gran show para un perfecto Halloween.


domingo, 23 de octubre de 2011

The Rural Horror Collection # 11: The Human Centipede (2009)


Titulo Original: The Human Centipede (First Sequence)
Título en Espanol: El Cienpiés Humano
País: Holanda / Reino Unido
Duración: 90 Minutos
Ano: 2009
Director: Tom Six
Guión: Tom Six
Intérpretes: Akihiro Kitamura, Andreas Leupold, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie, Dieter Laser, Peter Blankenstein
Productor: Tom Six, Ilona Six
Fotografía: Goof de Koning
Música: Patrick Savage, Holeg Spies

Tagline: 100% medically accurate.

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1467304/



Con motivo del inminente estreno de "The Human Centipede II (Full Sequence)" el próximo 4 de noviembre en el Reino Unido (en Estados Unidos se estrenó en el Fantastic Fest en septiembre y de forma limitada este mes) queriamos aprovechar la oportunidad para hablar sobre esta curiosa película del director holandes Tom Six. Six es un director cuyos anteriores trabajos tocaba temas como la comedia y el drama, pero su paso hacia el cine internacional lo motivó a hacer una película de horror que literalmente impactara a todo el mundo. La idea le surgió al director a partir de una broma cuando estaba viendo televisión con unos amigos, y se le ocurrió la idea de conectar a un abusador de menores con un conductor de camión gordo, a través de su boca-ano. Esta broma continuó rondando en su cabeza hasta que se transformó en el guión de The Human Centipede. Se puede pensar inmediatamente en la veracidad de este procedimiento. Six después de tener clara la idea, contactó a un cirujano holandés el cual fue reticente en un principio a participar pero luego de cambiar de opinión, y mantener su identidad al margen, colaboró con el diseno del cienpiés. Aparentemente la operación no es tan imposible de realizar, pues como se muestra en el film, a los pacientes se les alimenta con nutrientes para mantenerlos con vida el mayor tiempo posible. Además la muerte debido a las infecciones bacterianas totalmente presentes por la situación toman tiempo para que la víctima finalemnte muera.

La idea del Cienpiés humano es una idea desagradable y totalmente perversa. Aunque el concepto por si mismo es repulsivo e inquietante la película se mueve por los derroteros de un film de terror convencional. El film toma prestado una serie de clichés del horror americano incluyendo a dos actrices de Nueva York las cuales solo hacen el papel de chicas tontas tomando cada decisión peor a la anterior. Se incluye además los clichés de los celulares sin senal, las posibilidades de escapar, las malas decisiones, etc. Es claro que Six no dedicó mucho tiempo a mejorar estos aspectos, como el mismo lo dijo en una entrevista, escogió tomar estos clichés como elementos adicionales para el film. Es asi como en los primeros cuarenta minutos, todo es muy convencional muy típico hasta que se revelan las verdaderas intenciones del doctor loco.

La historia comienza cuando dos jóvenes americanas que están de paseo por Europa, propiamente en Alemania, están buscando una dirección donde va a haber una fiesta. Cuando quedan perdidas por los caminos rurales y se les pincha una de las llantas del automóvil deciden buscar ayuda local. Eventualmente, llegarán a la casa del Dr. Heiter, una extrana persona quién las invita a pasar y les ofrece agua para tomar. Sin saberlo, las jóvenes beben el agua que contiene un somnífero y al despertarse se econtrarán en medio de una pesadilla. Atadas en una camilla de hospital, con intravenosa, las mujeres ven horrorizadas como el doctor asesina a un hombre también amarrado en una camilla por el hecho de no ser "compatible" con las mujeres. Es así como sale en búsqueda de otra víctima para completar su experimento. La nueva víctima es un jóven japonés quién no habla para nada el idioma inglés. Una vez están los tres reunidos les explica paso a paso y con mucho detalle las condiciones y el procedimiento de la conexión de tres seres humanos...la creación del primer cienpiés humano.



Despues de los típicos cuarenta minutos iniciales nos encontramos con una de las escenas más escalofriantes dle film cuando el doctor Heiter explica el procedimiento mediante diapositivas. El horror se apodera de las víctimas y de los expectadores pues inmediatamente nos imaginamos toda la operación y todo el sufrimiento que esto implica. En ese sentido el film no es muy gore, al contrario se insinúa más de lo que se muestra, algo que alienta de forma inmediata nuestra imaginación. De todas formas, hay contadas escenas de corte de piel y la remoción de dientes (realizado por computador eso si). Ahora, a pesar de la desagradable idea y aversión que sentimos cuando vemos a la creación en funcionamiento, Tom Six no ahonda en el horror del suceso y continúa con las premisas del cine de horror promedio. En palabras del mismo director, muchas ideas escalofriantes y sangrientas se quedaron a un lado porque quería que los espectadores se acostumbrarán a esta loca idea antes de ir más lejos, lo que supuestamente se verá en su secuela con la secuencia completa.

Con todos sus méritos y fallos, el film funciona principalmente por la actuación de Laser, un alemán quién se metió de lleno en el papel de científico nazi. Laser, exhibe en su rostro un total desprecio por la humanidad, moviéndose pausadamente pero con decisión y puede llegar a ser muy dominante. Laser sabe mostrar el deseo y la conmoción que representa ver una creación en funcionamiento. Su sadismo no sólo físico para sus víctimas sino también psicológico lo lleva a que éstas experimenten una serie de humillaciones con la intención de restar la voluntad del japonés, lider del cienpiés. Las críticas no se hicieron esperar en este sentido pues en parte es una degradación del ser humano al nivel animal. Con respecto al actor japonés, uno de los aciertos del director fue escoger a un actor de habla no inglésa o alemana en su defecto, como la parte delantera. El actor japonés Akihiro Kitamura es el otro punto fuerte del film. Su personaje incapacitado para comunicarse con el doctor, sólo podrá decir cosas que nadie en el entorno puede entender. Esta barrera de comunicación puede ser equiparable con una barrera de comunicación hombre-animal. El film continúa con las pruebas del doctor y sus métodos de adiestramiento, hasta que se da el final que se veía preveer. Un acto adicional que se siente forzado es la interacción del doctor con la policía, con una inconsecuente actitud del doctor contrastando con la personalidad que se nos había presentado. Pero digamos que esto es hasta cierto punto algo obligado para poder darle el final desolador que se ve, uno de los finales más deprimentes del género.

En resumen, la película brilla por su original concepto y perversidad. Tom Six cita como refrencias al Salo de Pasolini, película controversial como ella sola. Cita además como influencias a al Cronenberg en sus películas iniciales aunque no se ve mucha coincidencia en éste film con su cine. Además, cita como referentes al terror japonés, en particular al director Takashi Miike con sus Audition y Visitor Q como estandartes. Este fue otro de los motivos por los cuáles se escogió a un japonés como lider del cienpiés. Se puede entener el film como una plataforma instalada para adicionar mejores elementos posteriormente, pero es una pena que una idea tan original este embebida en un mar de clichés. Esperemos que en su segunda secuela y el fin de la trilogía programada para el 2012, sepa cohesionar mejor los guiones...

Como curiosidad el director también es pintor y es el responsable de los cuadros que se ven en la mansión del doctor alemán....

Calificación: 5/10

Trailer:


miércoles, 19 de octubre de 2011

Trailers....

Ya que se han terminado algunos festivales de fantasia y terror en lo que va del ano, y para los que no tenemos oportunidad de asistir a ellos, aca les dejo tres trailers de peliculas que a priori son más que interesantes...

El primero de ellos es "Some Guy Who Kills People" de Jack Perez, el mismo de "Mega Shark vs Giant Octopus" y el cual esta como muchos, participando en el concurso del ABCs of Death con su "T is for Tantrum". Esta vez Perez esta apadrinado por John Landis, en lo que parece ser una comedia que promete sacar algunas risas.....






En segundo lugar tenemos a "Panic Button" del inglés Chris Crow, en la que cuatro ganadores de un concurso en una red social ganan un viaje a Nueva York y durante el vuelo jugaran una nueva experiencia online, arriesgaran sus vidas y las de sus amigos porque alguien conoce sus secretos...






Y para terminar "Saint" el nuevo film del director holandés Dick Maas, responsable de las ochenteras "The Lift" y "Amsterdamned" (resenada en este blog aqui) la cual trae de nuevo terror navideno...



martes, 18 de octubre de 2011

The Monster Collection # 15: Super Hybrid (2010)



Titulo Original: Super Hybrid
Género: Terror
País: Estados Unidos
Ano: 2010
Director: Eric Valette
Guión: Benjamin Carr
Intérpretes: Adrien Dorval, Melanie Papalia, Oded Fehr, Ryan Kennedy, Shannon Beckner
Tim McGrath
Productor: Kevin DeWalt, Oliver Hengst, Elizabeth Wang-Lee
Fotografía: John R. Leonetti
Música: Thomas Schobel, Martin Tillman
Montaje: James Coblentz

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1152827/




Super Hybrid es una más de la lista de películas que tratan sobre carros asesinos, pero en lugar de un carro que tiene emociones como el Christine de Carpenter o un carro diabólico como el clásico The Car, en esta ocasión el "carro" tiene otro punto de vista, el de la transformación completa de su estructura pero no sólo eso, en esta ocasión además de estar vivo el mismo carro es un monstruo camuflado. El film trata sobre la historia de Tilda (Shannon Beckner), una mecánica quién no es apreciada ni en su trabajo ni por su actual novio. Ella trabaja en un garage del distrito de Chicago. En el garage tenemos al jefe fanfarrón ex-militar, el sobrino de cuasi la misma edad de la protagonista y los demás empleados que no saben muy bien que pasa en ningún momento. Cuando lleva a este carro misterioso tras sufrir un accidente la noche camiara para estos personajes cuando deban enfrentar a esta criatura para poder sobrevivir....

En Super Hybrid tenemos una historia interesante, desafortunadamente la forma en que se narra y los personajes poco trabajados no ayudan al buen desempeno del film. En primer lugar tenemos a la criatura, este hibrido que puede tomar la forma de cualquier automóvil, es una idea completamente sacada de los pelos, un carro animal el cual se mimetiza en el ambiente tomando la forma de un auto para asi cazar libremente y poderse alimentar. Pero esta idea conlleva a un uso extremo de los efectos visuales, sí se decide mostra completamente en todos los sentidos las tranformaciones, decisión que desafortunadamente tomó el director. Es en este sentido que la pelicula falla, no por sus evidentes efectos computarizados sino por el exceso de ellos. El film podria haber funcionado mucho mejor si se evitara el mostrar tan ligero y con tanto protagonismo al monstruo, o al menos que se escondiesen a la vista del espectador en un principio estas tranformaciones. Por otro lado, la historia es repetitiva, hay escenas que vuelven una y otra vez por los diferentes niveles del garage, algo que evidentemente aburre. Para que una pelicula de este tipo funcione se necesita que halla diversion, entretenimiento, desafortunadamente en varios tramos del metraje ésto no sucede. Los personajes estan poco trabajados y están en una constante pelea por el liderazgo, esta pelea de géneros deja en segundo plano a lo que importa más, la criatura. Es por ello que los personajes toma decisiones incoherentes como la de intentar capturar la criatura para ganar 250 mil dolares (de donde salio esa suma?). Es una pena que un guión poco elaborado no destaque los esfuerzos de estos actores, asi como los pésimos diálogos, donde tenemos perlas como "yo no soy un x-men solamente soy un mecánico".

La criatura tentacular es indudablemente novedosa de la cual puedo haberse sacado mas ganancia, como ya dijimos si se evitara mostrar tan deprisa en el metraje, aumentando asi la tensión. Es de rescatar eso sí el nuevo punto de vista del carro asesino. El diseno de la criatura incluye visión rojiza y detector de calor, y muchos tentáculos. El origen? quién sabe, aunque el "cerebrito" de los mecánicos saque una teoria cogida con pinzas en la que asocia este criatura con la biologia marina, un calamar llamdo parateuthis ennoculatas o algo asi dice convencido el personaje, un calamar que toma la apariencia de otras cosas, para que la presa se sienta segura y se meta directo en su boca. Un hibrido en todo caso..afortunadamente todos vemos Discovery Channel, nunca se sabe donde se pueda aplicar lo que uno aprende...

La pelicula se decanta más por la accion, debilitando el terror o el suspenso. Es allí a pesar de ello, donde se resaltan un par de buenas escenas de persecución correctamente coreografiadas. El director francés Eric Valette, el mismo de la pelicula de semiculto llamada Malefique, ya había trabajado en estados unidos con el remake de "One missed call" con pobres resultados de crítica. Ahora con este film, se siente que ha sido realizado sin ganas, sin un aporte personal por parte de él, esperemos que en su nuevo film "La Proie" en el que regresa a su francia natal vuelva a coger las riendas de su carrera. Ahora nos preguntamos, de donde surgió esta idea tan curiosa? Pues del escritor Benjamin Carr, de nombre no reconocido pero el responsable de los guiones de peliculas de serie b de dudosa calidad como secuelas de Puppet Master, de Demonic Toys y su más destacado del remake de Thirteen Ghosts.


Suyper Hybrid no es la pelicula de carros asesinos que esperabamos ver, todavía no hay muy buenos aportes contemporáneos a este subgenero que tiene entre sus pilares a los clasicos setenteros. Es una película confusa e incoherente pero aún asi algo entretenida, solo para aquellos que estén dispuetsos a bajar el nivel...

Calificación: 4/10

Trailer:

domingo, 25 de septiembre de 2011

A Horrible Way to Die (2010)


Titulo Original: A Horrible Way To Die
Género: Thriller
País: Estados Unidos / Japón
Ano: 2010
Director: Adam Wingard
Guión: Simon Barrett
Intérpretes: AJ Bowen, Amy Seimetz, Brandon Carroll, Joe Swanberg, Lane Hughes, Whitney Moore
Productor: Travis Stevens, Simon Barrett, Kim Sherman
Fotografía: Chris Hilleke, Mark Shelhorse
Montaje: Adam Wingard

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1617620/

Sinopsis
Cuando Sarah descubrió el terrible secreto que ocultaba su novio, Garrick, éste acabó en prisión y a ella no le quedó otra opción que escapar y cambiar de vida. Su nuevo trabajo, que alterna con visitas a alcohólicos anónimos, le ha proporcionado desde entonces la estabilidad que anhelaba aunque su oscuro pasado se encuentra a punto de volver a atormentarla. Garrick ha escapado y no va a parar hasta dar con ella.


Adam Wingard, director invitado para ser parte del esperado film "The ABCs of Death", estrenó en ano pasado este pequeno film independiente en el que esta claramente plasmado un estilo por parte del director. El film, esta basado en los personajes por lo que la cámara está constantemente con ellos, con primeros planos, acercamientos en exceso y la consecuente cámara temblorosa. Este recurso cinematográfico utilizado especialmente para hacer una "conexión" más cercana entre el público y los personajes linda en este film muy de cerca con el aburrimiento. Pero obviando los movimientos de cámara, el film esta mas centrado en el drama que vive una mujer quién esta en recuperación de su alcoholismo despues de mandar a la cárcel a su ex-novio, al darse cuenta que en realidad era un asesino en serie. El film esta narrado desde dos momentos espacio-temporales marcados, antes del arresto del novio y lo que sucede tiempo después con su fuga de la prisión. No esta claro porque el asesino hace lo que hace, pero el actor A. J. Bowen, a quién recordarán por películas como "The House of the Devil" o "Hatchet II" hace un decente trabajo. Un asesino "amable" de quién no tenemos claro nunca sus intenciones. Es más la protagonista esta muy bien en su papel de alcoholica a punto de quebrarse, una mujer quién le cuesta retomar su camino y darle sentido a su existencia. Este thriller-drama, se vuelve interesantes por momentos, sobretodo en la manera en que la protagonista enfrenta sus problemas y el misterio que rodea a su ex-novio, pero el estilo visual en vez de involucrarnos más con los eventos lo que hace es alejarnos de ellos. En "AHWTD" abundan los enfoques selectivos y los zooms-in, recayendo la historia completamente en los actores, pero a pesar de los esfuerzos del director el personaje del asesino no es un personaje fácil con quién sentir simpatía.

El final inesperado es lo mejor del film, lo que parece ser y no es, esa doble marcación que no está tan fácil de identificar aquí como en otros films. El guionista Simon Barret, el mismo de "Dead Birds" es un hombre talentoso, quién creó aquí personajes reales y situaciones naturales. AHWTD es además contemporáneo, involucrado páginas de Facebook y lo que hacen los fanáticos por sus "ídolos" mediáticos, los asesinatos son noticia y son llamativos para la mayoría de la gente (es claro que a los serial killers no les falta propuestas de matrimonio), algo con lo que ya jugara Tarantino al escribir "Natural Born Killers". El gore del film es mínimo pero efectivo y realista, aunque el título puede ser aplicado a las víctimas del film, no es la meta como tal o el climax del film como se pensaría. El título es entonces enganoso, así como lo es el clasificar a este pequeno film como de horror.

AHWTD es un film marcadamente independiente donde se destaca las actuaciones que son las que quizá salven el film, a pesar del camarógrafo borracho...

Calificación: 5.5 / 10

Trailer:

domingo, 18 de septiembre de 2011

The Serial Killer Collection # 7: 10 Rillington Place (1971)


Titulo Original: 10 Rillington Place
Titulo Hispano: El Estrangulador de Londres
Genero: Suspense
País: Reino Unido
Duración: 111 Minutos
Ano: 1971
Director: Richard Fleischer
Guión: Clive Exton
Intérpretes: John Hurt, Judy Geeson, Pat Heywood, Richard Attenborough
Productor: Leslie Linder, Martin Ransohoff
Fotografía: Dennis Coop
Música: John Dankworth
Montaje: Ernest Walter

Tagline: What happened to the women at 10 Rillington Place?

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0066730/



John Reginald Halliday Christie fue un reconocido asesino en serie nacido en Halifax, y quién durante los anos 40s y 50s asesinó a por lo menos ocho mujeres mediante estrangulación en su apartamento ubicado en 10 Rillington Place, Nothin Hill en Londres. Christie utilizaba gas doméstico para dejar semi-inconscientes a sus víctimas para proceder a la estrangulación y en alguno casos incluyendo violación durante el estado de inconsciencia y justo despues de sus muertes, lo que le dió cierta reputación de necrófilo. La mayoría de sus víctimas fueron enterradas en su jardín o escondidas detrás de una pared en su cocina. Cuando salió a la luz todo lo relacionado a Christie el caso tomo mucha notoriedad, y el journalista Ludovic Kennedy, un humanista dedicado, quién fue una figura importante contra la pena de muerte en el Reino Unido, y quién además rexaminó varios casos de dudosas sentencias como el de Timothy Evans, escribió el libro llamado "10 Rillington Place" basado en la historia de Evans. Timothy fue sentenciado por asesinar a su esposa y a su bebé cuando no pudo demostrar que en realidad los actos fueron cometidos por Christie. El libro de Ludovic a su vez sirvió como inspiración para la realización de este film, de la mano de Clive Exton quién hizo la adaptación. El director Neoyorkino, Richard Fleischer, quien tres anos antes había realizado otro film basado en un famoso asesino, "The Boston Strangler, 1968", volvió a los crudos eventos de la vida real para retratar la vida de Christie y sobretodo la epoca en que se relacionó con Timothy Evans y su esposa. El experimentado director le dió el papel principal a Sir. Richard Attenborough, un esplendido actor quién se metió de lleno en el papel de Christie asimilando su dualidad de hombre colaborador y psicópata. Attenborough hace un papel calmado, el de un hombre con una voz baja debido a una herida en la primera guerra mundial, alquién que inspira confianza pero a la vez dominio constante de la situación. Christie es un hombre manipulador y veloz mentalmente. A pesar de que el film no se mete en profundidad en la psique del personaje, pues en algo la roza pero se siente más como un thriller policiaco, Attenborough logra transmitir la excitación previa al asesinato y su placer al repetir, al hacer una y otra vez su pequeno ritual con el que le quita la vida a sus víctimas. Además de Attenborough, acompana John Hurt como Timothy Evans, un "simplón" como lo definen en el film, un ser iletrado e iluso, quién vive en un constante sueno de riqueza pero quién no tiene los pies sobre la tierra. El simplón totalmente creíble por cierto, esta exquisitamente retratado por Hurt quién fue nominado a los BAFTA como mejor actor de reparto en 1972, un gran reconocimiento para esta estupenda actuación.

10 Rillington Place es un film totalmente setentero, en el que los eventos se toman su tiempo en aparecer, todo se desarrolla contruyendo poco a poco los personajes, algo poco habitual en el cine moderno, pero que Fleischer realiza con gran pulso. El interes por la historia es constante asi como la mezcla de géneros, desde el thriller, partiendo desde el truculento asesinato incial hasta el cine de juicios y policiaco con el que se desarrolla gran parte de la segunda mitad del film. Fleischer decidió otorgarle al film una mirada documental (incluyendo algunas escenas filmadas en el lugar de los hechos), pues esta realizado de la forma más verídica posible, utilizando la cronología de los asesinatos y la posterior captura de Christie. El film se centra además en los sentimientos de los personajes, ubicados en una epoca crítica de la postguerra. Los protagonistas absolutos del film son Christie y Evans, los personajes masculinos, pues las mujeres serán relegadas al papel de víctimas.

10 Rillington Place es uno de los grandes films británicos, el cuál incluye un estupendo duelo interpretativo entre Attenborough y Hurt. Para los paladares que les gusta saborear las cosas despacio y que poco a poco se vaya construyendo la historia este es su film, asi tenga un final "anti-climático" que no fue capricho sino recreado fielmente a la realidad.

Calificación: 7.5 / 10

viernes, 16 de septiembre de 2011

The Giallo Collection # 19: A Blade in the Dark (1983)


Titulo Original: La Casa con la Scala Nel Buio
Título en Inglés: A Blade in the Dark
Género: Terror
País: Italia
Duración: 93 Minutos
Ano: 1983
Director: Lamberto Bava
Guión: Dardano Sacchetti
Intérpretes: Andrea Occhipinti, Anny Papa, Fabiola Toledo, Michele Soavi
Fotografía: Gianlorenzo Battaglia
Música: Guido De Angelis

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0085303/

Tagline: When the lights go out, the knife goes in.



Segunda película en solitario de Lamberto Bava ya alejándose de la sombra gigante de su padre y adentrándose en los terrenos recorridos con su anterior y muy estimable "Macabro, 1980". Con "La Casa con la scala nel buio", Lamberto realiza un giallo prolijo donde toma como ingredientes un poco de Argento, un poco de Hitchcock y construye una historia resaltando la atmósfera en todo momento. Los planos subjetivos del asesino abundan y son reiterativos para construir la constante amenaza en la que se ve envuelto su protagonista. Desde el falso inicio con la escena de los ninos y el popular juego de la gallina, Lamberto nos introduce en la oscuridad, ese sotano tenebroso será la constante cuando nos desplacemos a la inmensa villa solitaria. El protagonista Bruno (Andrea Occhipinti) es un compositor a quién le encargaron la música de un film de terror, por lo que alquila una villa alejada, lugar ideal para la inspiración por su atmósfera inquietante y sus extranos personajes quienes aparecen cuando menos se espera. Bruno sin quererlo, se ve envuelto en una serie de asesinatos de los cuáles tiene sospecha pero es incapaz de hallar pruebas fehacientes. A medida que continua su trabajo y su novia aparece para acompanarlo, se dará cuenta que la línea que cruza la ficción y la realidad es muy delgada, las pesadillas que inspiran un film de terror se pueden volver muy reales.....

Lamberto Bava construye la historia en base a la atmósfera, para él es muy importante el sonido, algo con lo que ya había trabajado en su anterior film en el que los movimientos de un personaje en una habitación ubicada en un segundo piso eran de vital importancia para su protagonista. En "A Blade", los sonidos son exagerados, todo con el fin de incrementar la tensión, prueba de ello es el ralentizado sonido de una cuchilla al salir poco a poco de un bisturí. Además de los sonidos propios de pasos y personajes fuera de plano, Lamberto utiliza de forma acertada la música que esta creando uno de sus personajes para ambientar propiamente el film, la música se convierte en un elemento diegético. Esta melodía inquetante es así mismo la conexión con la amenaza exterior, no siendo por supuesto algo innovador, pues por ejemplo es algo con lo que ya jugara el Argento de "Tenebre" pero que aqui funciona igualmente. Ésto hace innecesario la utilización de música adicional que sin embargo Lamberto utiliza para acelerar el peligro, algo que sobra a mi entender. Como es habitual en los Giallos, el protagonista es quién hace las veces de investigador, un personaje vital que no esta del todo bien retratado por el actor Occhipinti, a pesar de que éste lo intente, o al menos así lo parece en la versión doblada que se puede encontrar en la red. Es muy probable que en su versión original gane puntos en la actuación. El asesino quién puede ser fácilmente identificable desde el comienzo, recuerda un poco al empleado por Lucio Fulci en "The New York Ripper", de hecho son dos películas que comparten al actor Andrea Occhipinti. El asesino es un personaje atormentado psicológicamente, con un trauma infantil y el cual se expresa mediante el uso de sonidos extranos. El asesino tambien muestra su predileccion por las armas blancas, el filo de la navaja es constantemente retratado por la fotografia de la pelicula y es parte principal del film.

Ademas del asesino, toda la pelicula tiene una atmósfera extrana donde la mayoria de las escenas ocurre de noche en una gran mansion donde hay muchos espacios para esconderse. Los personajes insólitos tambien abundan, pero a diferencia de los Giallos mejores escritos, la carencia palpable de este film son los personajes secundarios. Éstos personajes entran y salen sin motivacion aparente. Esta falta de coherencia no ayuda a que el film sobresalga como debería, ademas de que las reacciones de los actores son poco marcadas en contraposición con los eventos trágicos que ocurren. Es claro que Lamberto Bava no es experto en crear personajes memorables pero si que sabe de la creación de atmósferas, como ya lo demostrara en Macabre. A Blade... es un título mas acertado que su titulo original, "La Casa de las Escaleras oscuras", es un Giallo de la época ya saliente de los mejores anos de éste genero. A pesar de ello, Lamberto hace un gran esfuerzo y esto se siente en el film, en compania con su creativo asistente de direccion Michel Soavi quien se convertiría en un director del fantastico italiano. Soavi hace un papel aceptable no siendo una labor desconocida para él. Todas las secuencias de muerte estan bien elaboradas, tomándose el tiempo necesario para crear la tensión, el miedo en el personaje y por supuesto las persecuciones, el constate desasosiego que siente el personaje al no saber por donde aparecerá su perseguidor. Los efectos son muy acertados tanto así que al principio, la pelicula fue filmada como una parte de una miniserie para la televisión pero se estrenó en los teatros debido a que fue rechazada para salir en la red televisiva debido a su contenido demasiado violento.

Después de éste film, Lamberto seguiría con la realización de la más conocida Demons, titulo italiano de culto para los amantes del género. Es por ello extrano ver como este director con tan buenos inicios se haya perdido en la segunda etapa de su carrera. En resumen "A Blade in the Dark" es un Giallo ochentero con toques argentianos y hitchcockianos, una pelicula rodada con una gran atmosfera y pulso para la inclusion de los sonidos, ideal para ver en una noche oscura....

Calificación: 6/10

Trailer:

sábado, 13 de agosto de 2011

Secuestrados (2010)


Titulo Original: Secuestrados
Titulo en Inglés: Kidnapped
Género: Thriller
País: España
Duración: 81 Minutos
Ano: 2010
Director: Miguel Ángel Vivas
Guión: Miguel Ángel Vivas, Javier García
Intérpretes: Ana Wagener, Dritan Biba, Fernando Cayo, Guillermo Barrientos, Manuela Vellés
Martijn Kuiper
Productor: Emma Lustres Gómez, Borja Pena
Fotografía: Pedro J. Márquez
Música: Sergio Moure
Montaje: José Manuel Jiménez

Sinopsis
Jaime, Marta y su hija Isa se mudan a su nueva y lujosa casa. Marta comienza a preparar la cena y prepara una botella de champagne en hielo para celebrar la mudanza. Cuando la noche cae, tres hombres encapuchados entran a la fuerza en el hogar. El pánico se apoderará de ellos y comenzarán a sentir la violencia de sus secuestradores...

Tagline: Take your last breath.

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1629377/

En los últimos anos Espana ha sido uno de los países encargados de inyectar de aire nuevo al género de terror y suspenso. Son muchas ya las producciones de calidad que cada ano llegan de la madre patria y entre ellas se encuentra Secuestrados, película del 2010 que sin duda alguna dejará con la boca abierta a más de uno pero la cual no esta excenta de criticas. Secuestrados narra la historia ya contada del rapto de una familia en su propia casa, en la que tres asaltantes encapuchados ejercen la violencia como medio intimidante para conseguir inicialmente dinero pero luego se tornará más oscuro por los deseos de uno de los sádicos asaltantes. Lo primero que se me vino a la cabeza tras ver Secuestrados es la sensasión de Deja Vu, y es que no hay que ir muy lejos, pués en su contemporánea "Mother's Day" ya se trataba igualmente el tema e incluso la identica subtrama de salir de la casa por más dinero utilizando a un miembrto de la familia y dejando a los otros como medio de garantía. Los malos malísimos del film son caricaturas de los antagonistas estereotipados hasta el cansancio e incluso utilizan el recurso del atacante "pasivo" y arrepentido incoherente con la brutalidad brindada por el film. Estos elementos sin duda alguna resta meritos al film, ésto si además contamos con actuaciones regulares.

Estos pensamientos contrastan con la calidad técnica del film y su narrativa. Emulando a "La Soga" de Hitchcock, el director Miguel Angel Vivas utilizá el plano secuencia para narrar los hechos, utilizando solo 12 tomas a lo largo del metraje. Este gran trabajo de planificación y de coreografía es impresionante al mismo tiempo que distractor para los que continuamente pensamos en el "como se hizo" y en el "donde" y "como" se hará el siguiente corte. Además de su clara influencia, el director utiliza uno de los recursos depalmianos, la pantalla dividida evidenciando maestria y virtuosismo imaginativo por parte de los creadores. Las escenas divididas están plenamente justificadas en cuanto ayudan a aumentar el nivel de tensión de los hechos. Finalmente llegamos a los impresionantes últimos minutos, en los que se da rienda suelta al gore y la violencia casi toda revelada en pantalla y sin cortes, algo realmente cautivador a pesar de ser claro esta "violencia gratuita".

En terminos de historia o de creación de personajes no hay nada nuevo bajo el sol, pero el virtuosismo visual del director logra atrapar al espectador por los escasos 85 minutos de metraje. El film comienza de forma atrapante con una bolsa amarrada en la cabeza de un secuestrado, hechos que aparentemente no tienen que ver más que como servir de antecedentes de los violentos perpetradores. A partir de allí es una carrera sin obstáculos adentro de nuestros miedos de invasión a la privacidad y de la coerción de la libertad.....

Calificación: 6/10

Trailer:



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