sábado, 30 de octubre de 2010

The Slasher Collection # 27: Maniac Cop (1988)


Titulo Original: Maniac Cop
Genero: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 85 Minutos
Ano: 1988
Director: William Lustig
Guión: Larry Cohen
Intérpretes: Bruce Campbell, Caitlin Dulany, Gretchen Becker, Laurene Landon, Richard Roundtree, Robert Z'Dar, Tom Atkins
Productor: Larry Cohen
Fotografía: James Lemmo, Vincent J. Rabe
Música: Jay Chattaway
Montaje: Michael Eliot, David Kern, Rick Tuber

Tagline: You have the right to remain silent. Forever.

Cuando una serie de asesinatos que involucran a un asesino vestido de policía suceden en las calles de Nueva York, la paranoía se apodera de la ciudad. El detective MCree (Tom Atkins) encuentra que los asesinatos están asociados con el oficial Matthew Cordell (Robert Z'Dar), quién estuvo en prisión y el cúal murió a manos de unos presos. Pero, la policía encuetra a Jack Forrest (Bruce Campbell) como un principal sospechoso mientras Cordell está de regreso y quiere venganza....

De la mente de Larry Cohen, uno de los reyes de la serie B, surge esta historia original en la que una figura de la ley y seguridad ciudadana se tranforma en miedo y terror. Cohen, escritor y productor prolífico, realizó su primer colaboración con el director William Lustig para llevara a cabo la historia de Maniac Cop, pero no sería su única colaboración (posteriormente desarollarían el film de serie b Uncle Sam, 1997). Lo mejor de Maniac Cop es el guión, original e inventivo en clave slasher, y con un humor irónico típico del director americano. Cohen dota al guión de una poderosa idea, el miedo a la autoridad, retratado en una de las mejores escenas del film en la que una ciudadana de media clase, se deja llevar por sus miedos y asesina a sangre fría a un policía inocente. La figura del Vigilante del personaje de Cordell se invierte una vez es traicionado por sus propios companeros. El nuevo vigilante se toma las cosas a la inversa, asesinando gente inocente sin piedad. Esta figura malvada, es un gran acierto de Cohen, alejándose de los clichés acerca de los asesinos cuya existencia fue transtornada de pequenos. Cordell, era a la vez justiciero, juez y ejecutor, todo de forma despiadada, situación que llevaría al extremo después de su muerte. El villano tiene una presencia aterradora, una máquina de matar imparable la cuál irá tomando elementos zombificados en sus posteriores secuelas. Esta historia, irreal como ella sola es un divertido ejercicio de aire fresco al género ochentero. El equipo a cargo de Maniac Cop, retrata una buena cantidad de escenas nocturnas en calles solitarias con alto ínidice de criminalidad, altamente propicio para las anaduras de este peculiar patrullero. Además, el asesino parace tener cierta relación con el Giallo italiano, si pensamos en el hecho de que usa guantes en cada uno de sus asesinatos y no se sabe la identidad, sólo para ser revelada hasta despues de 3/4 del film. Este punto positivo eleva la calidad del film, el asesino se desenvuelve en sombras y callejones oscuros donde no se distingue nunca su rostro, solo nos hacemos una ídea de como es él a partir de las reacciones de horror en sus víctimas. En adición, una buena cantidad de asesinatos ocurre fuera de la pantalla, como la carnicería en la comisaría, elegantemente mostrada con altas dósis de suspenso y tensión por Lustig. A pesar de la buena representación del asesino, un cast sólido y compotentes secuencias de acción, Maniac Cop no es una película perfecta, principalmente por el el estilo a TV-Movie que posee el film y el evidente bajo presupuesto revelado en al maquillaje Amateur. De hecho, me parece extrano que no se hallan decidido a rehacer este film debido a la fiebre de remakes que asota a Hollywood.

El cast incluye a Tom Atkins, conocido en el género por films como Halloween III, Night of the Creeps, Bruce Campbell, quién para sorpresa de muchos no tiene todo el protagonismo en este film, y realiza una actuación más controlada de las que no tiene acostumbrados. Sin lugar a dudas, el papel más recordado de Robert Z'Dar (también conocido como "El Mentón") es el de este poderoso maníaco, el cuál repetriría en sus dos secuelas. Además el film incluye varios cameos incluyendo a Sam Raimi, y el propio William Lustig. Para finalizar, Jay Chattaway (quién compuso la musica de Star Trek: Voyager) hace un buen trabajo con una melodía que mezcla drama y misterio....

Calificación: 6/10

Trailer:

miércoles, 27 de octubre de 2010

The Supernatural Collection # 9: Shutter (2004)


Titulo Original: Shutter (They Are Around Us)
Titulo Hispano: Están Entre Nosotros
Género: Terror
País: Tailandia
Duración: 97 Minutos
Ano: 2004
Director: Banjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom
Guión: Banjong Pisanthanakun, Sopon Sukdapisit
Intérpretes: Achita Sikamana, Ananda Everingham, Natthaweeranuch Thongmee, Unnop Chanpaibool
Productor: Yodphet Sudsawad
Fotografía: Niramon Ross
Música: Chartchai Pongprapapan
Montaje: Manop Boonvipat, Lee Chatametikool

Tagline: The most terrifying images are the ones that are real.

Shutter cuenta la historia de un fotógrafo llamado Tun y su novia Jane quiénes comienzan a notar imágenes fantasmales en sus fotografías despues de un accidente automovilístico donde atropellaron a una mujer. Cuando los amigos de Tun comienzan a morir, Jane descubre que hay una verdad oculta trás la misteriosa desaparición de una antigua amante de Tun....

En la época en que el terror asiático estaba en todo su apogeo con producciones de Japón y Hong Kong como "Ringu, 1998", "Ju-On, 2002", y "Gin Gwai, 2002" una película tailandésa sobresalió en el mundo de los fantasmas de pelo largo. La película Shutter, se basa en un tema tradicional del cine de horror asiático, el fantasma vengativo. Los directores tailandéses Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom (guionistas del film junto a Sopon Sukdapisit) como ya lo hicieran Hideo Nakata con el video en Ringu o Takashi Miike con el celular en Chakushin Ari (One Missed Call), utilizaron aparatós tecnológicos para generar miedo, en este caso las cámaras de fotografía, entregando una de las películas más tenebrosas de este tipo de films. Al parecer los directores fueron inspirados después de ver algunas fotografías de los disturbios ocurridos en Bangkok en 1973 durante los cuáles 77 protestantes fueron asesinados. En varias de dichas fotografías, supuestamente aparecieron varias imágenes fantasmales, un fenómeno conocido como "fotografía de espíritus". A partir de allí los directores concibieron una historia en la que no sólo aparecieran imágenes fantasmales sino que el mismo fantasma se materializara y acosara a la pareja protagonista, pero esto no es al azar pues sólo cada quién sabe que porcentaje oscuro guarda en su interior. Las claves del film, además de un guión correctamente escrito esta en las actuaciones de sus protagonistas y la seriedad con que se crearon sus personajes, pues Shutter es un film que entrega terror y suspenso en forma creciente y es virtualmente exento de algún punto cómico, a excepción de la escena del papel en el bano. Escena que se entiende como un respiro para el espectador para continuar con las apariciones. Esta seriedad hace que el espectador se concentre en el film hasta llega a un final más que original. La atmósfera del film es muy conseguida destacando las escenas en el cuarto de revelado, incluyendo una escena en total oscuridad iluminada sólo por los flashes de la cámara. Natre, el equivalente tailandés de Sadako, es una mujer pálida y misteriosa quién es la verdadera víctima del film. El fantasma de Natre, a diferencia de muchos otros equivalentes cinematográficos (ej. Ju-On), no elige sus víctimas al azar, Natre esta empecinada en seguir al protagonista, y a quines le rodean, por lo que se crea el misterio de lo que realmente sucedió en su pasado. Quizas uno de los puntos menos trabajados del film sea la apariencia fantasmal de Natre, la cuál no es diferente a muchas de sus contemporáneas.


Shutter es un film que a pesar de no ser original, se sostiene por una buena historia, acompanada por sustos inesperados y un final inolvidable. Queda la pregunta, será cierto que la fotografía puede captar el alma humana?

Calificación: 7/10

Trailer:

martes, 26 de octubre de 2010

El Nacimiento de un Director (V): James Wan


James Wan es un jóven director de Malasia, pero criado en Peth, Australia quién ya se hizo un nombre en el mundo del horror gracias a su primer largometraje llamado Saw. Wan, estudió en la facultad de cine del Instituto Real de Tecnología de Melbourne, Australia, donde conoció a su amigo Leigh Whannell. Wan dirigió varios cortos durante sus tres años en la facultad para después empezar a trabajar como director, montador y artista gráfico en diversas agencias de publicidad. Antes de volverse popular dentro de la industria cinematográfica, Wan realizó su primer largometraje titulado "Stygian, 2000" protagonizada por Ryan Gibson, Lorna Pettifer, y Leigh Whannell quién interpretó el personaje de un nino punk disfrazado de payaso. La cinta ganó el 'Best Guerrilla Film' en el Melbourne Underground Film Festival en el 2000, la cuál se centraba en una pareja atrapados en otro mundo conocido como Exilio.

En el 2003, Wan le contó una historia para ser llevada a la pantalla a su amigo Whannell, la cuál incluía a dos personas encadenadas en un bano y un cuerpo en la mitad de ellos. Juntos desarrollaron la historia a partir de esa premisa y Whannell se encargó de escribir el guión en nueve meses. Juntos realizaron en el 2003 una versión en plan cortometraje de la historia para darle vitrina, con una duración de 9 minutos. Whannell se reservó un papel en el corto, el personaje de David, quién posteriormente se convertiría en el conocido Adam de la primer largometraje también interpretado por el escritor australiano. En Saw podemos encontrar una referencia al primer largo de Wan materializado en el nombre de la calle donde se encuentran los dos secuestrados, calle llamada Stygian. El film Saw estrenado en el 2004 que tan sólo costó 1.2 millones de dólares fue un éxito rotundo tanto en USA como en el mercado internacional. Una vez creado el primer film, la secuela no se hizo esperar, y fue dirigida por Darren Lynn Bousman, mientras que Wan y Whannell se reservaron los créditos como productores ejecutivos para toda la saga, la cuál ya va por su sétima entrega. En el 2007, Wan seguiría incursionando en el género con Death Silence, a partir de una historia suya y guionizada cómo no, por Whannell en la que mostró influencias de Lynch y de Argento, sobretodo con el film "Proffondo Rosso, 1975". La historia es acerca de un hombre quién regresa a su pueblo para encontrar respuestas de la muerte de su esposa la cuál puede estar conectada con el fantasma de un ventriloco asesino. Ese mismo ano, Wan estrenaría otro largometraje pero esta vez en plan de Thriller de venganza protagonizado por Kevin Bacon llamado Death Sentence, a partir de la adaptación de la novela de Brian Garfield. En el 2008 realizaría el cortometraje Doggie Heaven a partir de un guión de su inseparable amigo. Este ano tiene pendiente de estreno Insidious, contando de nuevo con la colaboración en el guión de Whannell, acerca de una familia descubre que el cuerpo de su hijo, el cual está en coma, es acosado por malvadas entidades paranormales. Mientras en su conciencia permanece atrapado en un reino oscuro y tenebroso...El film fue visto en Sitges y a cosechado críticas aceptables, sobretodo por su estilo clásico. Lo próximo para el director será la adaptación del viodeojuego Castlevania y el film Nightfall acerca de una prisión tejana secretamente administrada por vampiros.

Wan es miembro del grupo no oficial denominado "Splat Pack", termino acunado por el historiador de films Alan Jones en la revista Total Film aplicado a una nueva ola de directores modernos los cuáles han realizado películas brutalmente violentas en el género del horror. Los otros miembros del "Splat Pack" son Alexandré Aja, Darren Lynn Bousman, Neil Marshall, Greg McLean, Eli Roth, Leigh Whannell y Rob Zombie.

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Saw, es un corto destinado para la promoción del que fue un éxitoso largometraje. En el corto se puede ver durante 9 minutos la escena del personaje de Amanda del film, pero esta vez el protagonista es David (Leugh Whannell) quién es secuestrado de un hospital y puesto en una situación de vida o muerte. David, como el personaje de Amanda, sale airoso de la trampa y vive para contar su historia a la policía. La trampa de "oso invertida" fue hecha por un ingeniero amigo de Whannell y Wan, pero era un poco peligrosa, asi que los realizadores mejoraron el modelo para el largometraje. El corto posee los movimientos de cámara que caracterizarán a la serie, rapidos, angustiosos y con un ritmo frenético, cortesía del cinematógrafo Martin Smith y de la edición del mismo Wan. La historia retrata al supuesto "asesino" quién no mata con sus propias manos, en lugar de ello, le da una elección a sus víctimas (aunque tanto en el corto como en el largo, el personaje paralizado quién tiene la llave en su estomago no tiene ninguna posibilidad. Que hizo este pobre hombre para merecer este destino?). La actuación de Whannell esta perfecta como hombre traumatizado y asustado por lo hechos, el actor es capaz de transmitirnos toda la desesperación que siente el personaje. El bajo presupuesto se nota, pero lo que se destaca es la creatividad de este par de amantes del cine a partir de una historia muy original.

Este corto es el comienzo de una prolífica y rentable saga, sentaría la bases para un villano icono de esta década.

Calificación: 8/10


Corto:

domingo, 24 de octubre de 2010

Underwater Creatures # 3: Piranha 3D (2010)


Titulo Original: Piranha 3D
Género: Terror
País: Estados Unidos
Ano: 2010
Director: Alexandre Aja
Guión: Josh Stolberg, Pete Goldfinger, Grégory Levasseur
Intérpretes: Christopher Lloyd, Elisabeth Shue, Jerry O'Connell, Jessica Szohr, Kelly Brook, Richard Dreyfuss
Productor: Mark Canton, Alexandre Aja, Grégory Levasseur, Marc Toberoff
Fotografía: John R. Leonetti
Música: Michael Wandmacher
Montaje: Baxter

Tagline: This Summer 3D Shows Its Teeth

Tras una serie de temblores submarinos, unos peces prehistóricos devora hombres son liberados en el Lago Victoria. Allí, un grupo de personas deberá unir sus fuerzas para sobrevivir a estas criaturas, una de ellas, la sherif del pueblo tendrá que hacer todo lo posible por salvar a su familia y evitar que sean devoradas...

Sol, tetas y piranas, esa es la propuesta de Alexandre Aja para este remake de la conocida película de Joe Dante (resena aqui). Esos tres elementos se funden en un film honesto el cuál entrega lo que dice a los amantes del terror. Aja, uno de los mejores directores del género actual, realiza su tercer remake al hilo, en el cuál como nos tiene acostumbrados, no escatima en las escenas gore ni en la diversión. El film abre con un cameo del actor Richard Dreyfuss, recordado por su papel en "Jaws, 1975", donde se nos muestra que un movimiento sísmico libera unas piranas prehistóricas quiénes están hambrientas y muy enfadadas. Las escenas acuáticas son impresionantes tanto dentro como fuera del agua con una cuidada fotografía. Los personajes incluyen la típica familia protagonista, con Elisabeth Shue a la cabeza y sus tres hijos. Todos ellos hacen un buen trabajo teniendo en cuenta la poca profundidad del guión y sus personajes, pero son caracteres que sostienen un film de este tipo. Ninguno defrauda como tampoco lo hace el estrafalario director obsesionados con las tetas interpretado por Jerry O'Conell, quién es de lejos el punto más cómico del film, sus dos últimas frases son descacharrantes. Eli Roth realiza otro divertido cameo, mientras que Ving Rhames, caracteriza a un oficial con muchas agallas y un cada vez más anciano Christopher Lloyd interpreta al científico de turno. El director francés realiza un gran trabajo de cámara apoyado por unos buenos efectos especiales, especialmente en su último tramo donde la carnicería desborda de sangre la pantalla. Esta violencia gráfica le dió la calificación R nunca mejor ganada por cierto, las cuales incluyen escenas totalmente exageradas, como el caso de la mujer que es separada en dos mientras dos personas tratan de ayudarla, para terminar con una cara de muerte impagable. Las escenas que involucran a las piranas son en su mayoría CGI, pero en ningún momento interrumpen la diversión. Este tipo de escenas es diversión pura para los que estamos acostumbrados a la Exploitation, pues hay que ser claros en esto, un film como Piranha no es para todo el mundo, ni todos les sacarán el mismo gusto...

En cuanto al guión, toma algunos elementos estructurales del film de Dante, en cuanto a la amenaza bajo el agua, los muchachos de vacaciones y en especial su escena final, la cuál es reescrita de una forma inteligente y actualizada. Casi siempre, un buen remake funciona cuando toma sólo algunos de los elementos en el film que se basan y se le imprime una actualización e ideas nuevas para mejorar el producto. En este caso, sin lugar a duda los efectos y escenas acuáticas se mejoraron, pero la historia como tal y el suspenso dejan que desear. Las bondades que tiene Piranha 3D, y la más que evidente pasión con que trabaja Aja, no son suficientes para que éste film sea considerado un remake totalmente redondo, especialmente por su falta de suspenso. A diferencia de la película original, la cuál tiene una historia mucho más trabajada e interesante, Piranha 3D se centra en exceso en los desnudos, a excepción eso sí del hermoso ballet bajo el agua. Los desnudos gratuitos son un aliciente para este tipo de producciones, pero también lo es la acción, más piranas y menos senos al aire era algo que se podría agradecer. Su primer parte se hace un poco larga, no tanto al introducir a los personajes sino al mostrar a los americanos promedio volverse estúpidos por concursos de camisetas mojadas, entre otras cosas. Además el film carece de la posición ecológica de su predecesora, evidenciando un guión mucho más superficial en su forma. Los efectos 3D son normales con una que otra escena bien elaborada, pero es inevitable pensar que es un formato desperdiciado por los eventos involucrados...


Piranha 3D es un film divertido, realizado por un gran director quién se divierte en pleno con cada secuencia. Un film realizado por y para el deleite de los amantes del género y cuyo final abierto nos deja con ganas de ver la continuación de la historia...

Calificación: 7/10

Trailer:

sábado, 23 de octubre de 2010

The Slasher Collection # 26: Prom Night (2008)


Titulo Original: Prom Night
Titulo hispano: Noche de Graduacion Sangrienta
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 89 Minutos
Ano: 2008
Director: Nelson McCormick
Guión: J.S. Cardone
Intérpretes: Brittany Snow, Collins Pennie, Dana Davis, ,Jessica Stroup, Kelly Blatz, Scott Porter
Productor: Neal H. Moritz
Fotografía: Checco Varese
Montaje: Jason Ballantine

Tagline: A night to die for


En los últimos anos la fiebre del remake se ha avivado en parte al regreso del género slasher de los 80s, pero más que un regreso es una actualización de las historias que en su mayoría comprende la venganza del ser humano. En 1980, la actriz de moda del género Jamie Lee Curtis protagonizó un slasher promedio llamado Prom Night, el cuál sin ser una maravilla se dejaba ver. Ya en el 2008, el director especializado en televisión Nelson McCormick (ER, 24, Nip / Tuck) decidió actualizar esta historia de graduación pero sólo en apariencia, pues de remake posee más bien poco, eliminando las escenas de venganza y cambiando al asesino por un psicópata obsesionado. El film como su antecesor, se ambienta en una noche esperada por muchos jóvenes, el día del baile, la elección del rey y reina de la graduación y para muchos su última noche con sus respectivas novias. La noche se verá interrumpida por la aparición de un asesino (Johnathon Schaech), obsesionado con una jóven llamada Donna (Brittany Snow), y a quién acoso tiempo atrás asesinando a toda su familia. La policía al enterarse que el asesino se fugó de un centro de reclusión, decide no avisar a Donna del hecho para no arruinar su noche especial, pero organiza una vigilancia en el hotel donde se lleva a acabo. El astuto asesino irá eliminado a varios de los companeros de Donna quién sin saberlo será acosada nuevamente.....


Prom Night, parece haber sido realizada siguiendo una receta hollywoodense. El terror y suspenso mostrados en pantalla siguen los derroteros del género abusado exageradamente del susto acompanado de sónidos y de la forma repetitiva de los asesinatos. La narrativa plana como ella sola, muestra a cuatro de las víctimas caer ante el cuchillo del psicópata en la misma habitación de hotel. Además se repite varias veces el punto de vista de las víctimas desde el suelo y la inevitable escena del espejo del bano con la consecuente "aparición" del asesino. Esta falta de creatividad por parte del director para imprimir un suspenso real, una mejor puesta en escena y el mediocre guión de J.S. Cardone, responsable también del guión de y el remake de "The Covenant, 2006","The Stepfather, 2009", acaban con toda posibilidad de acierto de este remake más que innecesario. Las actuaciones de los jóvenes son aceptables mientras que la fotografía es limpia como es costumbre en una producción de terror adolescente. El actor Johnathon Schaech quién interpreta al psicópata, es un profesor obsesionado con el personaje de Donna, pero de donde viene esta obsesión? Quién sabe, pero no es importante para la historia según el director. El psicópata parece tener un poder sobrehumano sobre sus víctimas pues ninguna de ellas hace el intento de defenderse, incluyendo ala anti-heroina quién se deja llevar por sus miedos y lo único que hace es correr a esconderse. Este juego de las escondidas sólo se ve alterado por la presencia de un policía y su "equipo" experto, quiénes muestran su incompetencia una y otra vez a lo largo del film, desde el fallido intento de contención del asesino en el hotel, hasta el malogrado intento de protección en la casa de la protagonista. Tan sólo dos hechos son rescatables en la historia, uno de ellos que el metraje es relativamente corto, aunque eso no evita el doloroso aburrimiento y el hecho de que no se muestre un susto final una vez acaba el film (y eso que me lo esperaba!, ahi si que me enganaron!).....


El remake de Prom Night es una película sin alma y sin proposito, el asesino no será recordado mientras que la chica final es un personaje patético. Es casi increíble que una película de estas características, enfocada al consumismo más facilista recaudara más de 40 millones de dólares en taquilla, pero asi son las cosas en estos tiempos.....Sin duda alguna uno de los remakes más descafeinados que he tenido la oportunidad de ver.

Calificación: 3/10

Trailer:

martes, 19 de octubre de 2010

The Zombie Collection # 13: Dead of Night (1972)


Titulo Original: Deathdream (Dead of Night)
Titulo hispano: Muerte de la Noche
Género: Terror
País: Canadá
Duración: 98 Minutos
Ano: 1972
Director: Bob Clark
Guión: Alan Ormsby
Intérpretes: Henderson Forsythe, John Marley, Lynn Carlin, Richard Backus
Productor: Bob Clark, Peter James, John Trent
Fotografía: Jack McGowan
Música: Carl Zittrer
Montaje: Ronald Sinclair

Tagline: Something unspeakable has come home.

Tras el debut con otro film acerca del tema zombie, "Children Shouldn't Play with Dead Things, 1972", Bob Clark dirigió su segunda película con muertos vivientes antes de hacer su obra maestra del género slasher, "Black Christmas, 1974". Es difícil innovar en el tema zombie, pues desde que George Romero situara a los muertos vivientes como protagonistas de denuncia social y también como entretenimiento, muchos cineastas han salido al ruedo haciendo sus primeras incursiones en el arte cinematográfico embarcadas en la temática zombie, pues es un género simple, divertido y no necesita de guiónes complejos. Esto origina que muchas de las peliculas que involucran levantamientos de muertos sean tratadas en una buena parte con bajisimo presupuesto, ya sea en corto o en largometrajes. Pero rara vez se encuentran historias de zombies que realmente valgan la pena, tipo "Shaun of the Dead", "Fido" o "Dellamore Dellamorte". La no tan conocida "Dead of Night" trabaja el concepto zombie desde un punto de vista particular y emotivo, la vuelta a casa de un veterano de una guerra sin sentido y el drama que representa a su familia el lidiar con su regreso. Andy Brooks (Richard Backus) es un soldado veterano de Vietnam asesinado en el campo de batalla. Su familia recibe la noticia, pero su madre se rehusa a aceptar su muerte. Sin embargo, algo sucede y Andy aparece de nuevo pidiendo aventón como un soldado traumatizado. Tiempo después, la tranquilidad de la familia Brooks se alterará cuando Andy retorne a casa. Andy, totalmente callado y sin exhibir ninguna emoción, es recibido con carino por sus seres queridos. Eventualmente, la felicidad de la familia se torna en curiosidad, cuando se dan cuenta que Andy no duerme, ni come, y pasa todas las noches sentado en una silla mecedora. El padre de Andy notará que algo realmente malo sucede con su hijo cuando éste estrangule con una mano el perro de la casa en frente de los ninos del barrio...


Dead of Night es una buena muestra del talento de Clark tras las cámaras, algo que llevaría casi a la prefección con su siguiente película. El director, cuenta la historia desarrollando las escenas en su mayoría de noche, primando el suspenso y el drama de los personajes sobre el gore típico de cualquier producción zombie. En una escena en particular, Clark maneja el acecho tras las sombras en un preludio a un ataque al doctor quién acaba de descubrir la verdad acerca de Andy. La escenas subjetivas en la que se ve a través de los ojos de Andy son inquietantes acompanado con sonidos escalofriantes. La condición de Andy va empeorando con los días y por consiguiente su maquillaje cambia, una labor del también escritor del film Alan Ormsby (quién ya trabajara con el director en su anterior film) quién contaría con nada más y nada menos que a Tom Savini de asistente, de hecho este fue el primer film en que trabajó como especialista en maquillaje. A pesar del bajo presupuesto, los efectos fueron realizados eficientemente en especial en su tramo final. Ormsby haría las veces de co-director con el film Deranged dos anos después centrándose en la figura de Ed Gein, y también escribiría el guión del remake de Cat People entre otras. Pero más allá del maquillaje, la expresión facial del actor Richard Backus es inquietante e intensa claramente adecuada para el film. El personaje de Andy no es un zombie al uso, no está hambriento de carne humana ni camina como un retrazado. Andy, es fríamente callado e inexpresivo con sus sentimientos más no con su maldad. Esta quizas proviene de su etapa en la guerra, las atrocidades parecen seguirlo a casa, y no hay realmente quién lo apoye. Andy también es parte vampiro, pues necesita sangre para evitar descomponerse, pero no la bebe como los habituales habitantes de la noche, sino que necesita de transfusiones. Y Andy también tiene conexión con el hombre invisible, pues para evitar que vean su condición, decide esconder su piel y ojos de la gente, usando guantes y gafas de sol así se este en lo más oscuro de la noche. Todos estos elementos se fusionan en un personaje complejo, trágico y dramático por encima de lo terrorífico como lo demuestra su cruel final....

Las explicaciones del retorno de Andy no son claras, auque la madre del protagonista trás recibir la noticia hace una especie de deseo a una "Pata de Mono" (como en los Simpsons) la cuál posiblemente tuvo que ver con su retorno. Claro esta que para que una pelicula funcione no es necesario que se especifique la causa del levantamiento de los muertos, de hecho es más apreciable si se evitan las explicaciones. Además del horror representado en la interpretación del actor Brooks y del maquillaje, el film se centra en el drama familiar. Y es que cada miembro de la familia asimila distinto el regreso de Andy. La madre, satisfecha por tener de nuevo a su hijo, se autoconvence que nada malo sucede y simplemente permite que las cosas se salgan de control hasta las correspondientes consecuencias funestas. El padre, es quién más sufre, pues al descubrir en Andy a un frío asesino, queda en la encrucijada entre entregarlo a la policía o dejarlo ir. Mientras que su hermana trata de adaptarse a la situación pero sin saber muy bien lo que pasa. Al final, los dos hermanos saldrán en una cita doble con una antigua novia de Andy, lo que desembocará el ataque sin piedad del soldado zombie....

Es una lástima que tras sus tres primeras incursiones en el cine y más específicamente en el horror, el director decidiera cambiar de registro para sus siguientes trabajos, más comerciales tipo "Porky's" y demás. Se extrana el Bob Clark de su epóca zombie y slasher, ese director que le gustaba hacer trabajos provocativos e inquietantes, pero lastimosamente ya no lo podremos ver pues murió en un accidente automovilístico en el 2007....Dead of Night a.k.a. Deathdream es tanto una película de miedo como de reclamo social, como ya lo hiciera el padre de los zombies modernos George Romero. Para los que quieran ver un film de zombies diferente, y un clásico del género esta es su historia.....

Calificación: 7/10

Trailer:

lunes, 18 de octubre de 2010

Underwater Creatures # 2: Piranha (1978)


Título Original: Piranha
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 93 Minutos
Ano: 1978
Director: Joe Dante
Guión: John Sayles
Intérpretes: Barbara Steele, Belinda Balaski, Bradford Dillman, Heather Menzies, Keenan Wynn, Kevin McCarthy
Productor: Roger Corman
Fotografía: Jamie Anderson
Música: Pino Donaggio

Tagline: Lost River Lake was a thriving resort - until they discovered...

Piranha puede ser considerada una película copycat de Tiburón, en la que se cambia el gran tiburón por unas hambrientas piranhas modificadas genéticamente, pero a pesar de que toma prestados varios elementos del clásico de Spielberg, Piranha tiene sus propias virtudes y se aleja en su mayor parte de Jaws lo que la hacen una película más que disfrutable. Veamos la historia. Dos jóvenes amantes traspasan un lugar prohibido (carte con que abre el film) para darse un bano en una piscina poco acojedora, y la cual tiene unos amigos inesperados. Tiempo después, una investigadora privada es contratada para encontrar a la pareja y con la ayuda de un alcohólico que vive cerca donde la pareja desapareció, descubren unas instalaciones secretas del gobierno junto con la piscina llena de piranas. Sin saberlo, desaguan la piscina para encontrar los cuerpos, pero como consecuencia liberan las piranas al rio. Estas criaturas genéticamente mutadas resisten tanto el agua dulce como salada y seguirán su curso hacia un nuevo Resort repleto de turistas....


Trás el éxito mundial de Tiburón, y el desperar del miedo a las aguas que se generó en la gente, Roger Corman decidió producir este film contando con Joe Dante tras las cámaras. El jóven Dante, amante de este tipo de historias, repitió la fórmula del director Spielberg, sobretodo en su tramo final en el que las piranas se dirigen hacia un resort y el dueno se rehusa a creer las advertencias acerca de las piranas, por lo que todo termina en un bano de sangre, literalmente. De hecho, Dante realiza un homenaje /broma a Jaws en una escena al principio donde la protagonista está jugando un videojuego Arcade de Tiburón, eso sí solo comiendo pescados...Pero Piranha destaca por el hecho de que esta creada con unos personajes inteligentes quiénes hacen lo posible por evitar una catástrofe a toda costa, dotado de un suspenso preciso de la mano del buen guionista John Sayles (The Howling, Alligator). Los personajes de Piranha, se toman las cosas en serio otorgándole autenticidad al film. Sayles dota de humanidad a los personajes y de justicia para los causantes del desastre, representados por la maldad del coronel, mientras que el final esta construido con un suspenso que quita el aliento. Dante, quién se encargó además de la edición junto con Mark Goldblatt (editor de Humanoids from the Deep, y The Howling), realiza las escenas de los ataques tomándose su tiempo, combinando escenas bajo y fuera del agua, dotando a las piranas de un sonido peculiar en el momento de la alimentación. La edición esta realizada siempre potenciando la tensión, con pocos acercamientos a los cuerpos cercenados. El uso de ninos que están en competencia es otro acierto del film, pues es allí donde el ataque de las piranas se siente con mayor fuerza, debido a la impotencia de los adultos, y donde una nina decide superar su miedo al agua para ayudar a sus maestros, algo que no se ve todos los días...El bajo prespuesto se siente en algunas escenas, pero los efectos más alla de que sean relativamente artesanales, son realizados con amor al arte. Por ejemplo, en una de las escenas iniciales se muestra a una linda criatura tipo Harryhausen animada con stop motion, la cual aunque no tiene nada que ver con la historia es apreciable de ver. Hablando del final, y por si alguién aún no ha visto este clásico, cuidado que viene un SPOILER, el protagonista vence a las criaturas mediante el uso de la contaminación nuclear , elemento irónico por parte del guionista quién toma claramente una poisición en contra de los abusos del hombre frente a la naturaleza FIN SPOILER.


En el film destaca la presencia de Kevin McCarthy (Invasion of the Body Snatchers, 1956), la musa de la serie B italiana Barbara Steel, y Dick Miller habitual en todo el cine de Dante, mientras que la banda sonora fue compuesta por el maestro Pino Donaggio. Piranha, es un film trepidante rodado con un talento único como lo es el de Dante, quién no esconde en ningún momento sus influencias del cine de monstruos y ciencia ficción de los 50s. Científicos, mutaciones y la autoridad como eje del mal están presentes, en un film con valentía y posición frente a las consecuencias del abuso a la naturaleza. Más de 30 anos después de su estreno, Piranha sigue brillando con luz proipia, ya veremos como lo hará su remake que está pronto ha estrenarse...

Calificación: 7/10

Trailer:

jueves, 14 de octubre de 2010

The Hole (2009)


Titulo Original: The Hole
País: Estados Unidos
Duración: 92 Minutos
Ano: 2009
Director: Joe Dante
Guión: Mark L. Smith
Intérpretes: Bruce Dern, Chris Massoglia, Haley Bennett, Nathan Gamble, Quinn Lord, Teri Polo
Productor: David Lancaster, Michel Litvak, Jon Silk, Vicki Sotheran
Fotografía: Theo van de Sande
Música: Javier Navarrete
Montaje: Marshall Harvey

Tagline: What Are You So Afraid Of?

Joe Dante, excelente contador de historias familiares (Gremlins 1984, Small Soldiers 1998) y no tan familiares (The Howling 1981, Piranha 1978) ha regresado a la gran pantalla tras un paso algo prolongado en la pequena, donde se destacan sus aportes para la serie "Masters of Horror". Es bueno ver retornar a estos directores que hicieron grande el cine en los 80s, caso Dante, Carpenter, Landis y demás. En esta ocasión, Dante retorna a una de las cosas que mejor sabe hacer, contar una historia de terror juvenil. El guión de "The Hole" bien podría considerarse como una historia de un film ochentero. Trás mudarse constantemente a lo largo del país, la madre soltera Susan (Teri Polo), y sus hijos Lucas (Nathan Gamble) y Dane (Chris Massoglia) llegan a un pequeno pueblo en donde todo transcurre con tranquilidad. Lucas, despues de conocer a su hermosa vecina Julie (Haley Bennett), se la presenta a Dane y juntos comienzan a investigar un misterioso agujero que encontraron en el sótano de su nueva casa. El hueco, al parecer sin fondo, despierta la curiosidad de los jóvenes quiénes se encotraran que algo allí dentro que quiere salir a la supercie, algo que tocarán sus más íntimos miedos......


Las virtudes que The Hole exhibe en pantalla son principalmente la nostalgia con que fue filmada, un amor del director a las películas de hace tres décadas y un automenaje a su propia filmografía. Además de la clara referencia a "Poltergeist, 1982" materializada en el payaso que asusta al pequeno Lucas, The Hole bebe de Gremlins y en especial "Paperhouse, 1988", SPOILER de la que toma prestado la forma surrealista de retratar al padre de Dane una vez están los personajes dentro del hueco. Esta caracterización de padre malvado, con voz profunda, tenebrosa y el hecho de que no se distinga bien el rostro, fue retratado de una forma más siniestra en el film de Bernard Rose, pero que aca funciona como miedo más juevenil FIN SPOILER. Casi que ninguna de las escenas tiene el caracter siniestro que requiere una verdadera historia de horror, pero el guión escrito por Mark L. Smith, el mismo guionista de la excelente "Vacancy, 2007", es atrante y el buen hacer de Dante ante las cámaras, que demuestra que todavía puede tener algo que contar, hace llegar el film al aprobado. En mi opinión, el fallo del guión está en la información que esconde de los personajes, la cuál es revelada de sorpresa como si fuese sacado de los pelos, sobretodo en el pasado de Julie, la jóven vecina y su consecuente problema a enfrentar. Esto contrasta con el miedo a los payasos, tan típico en las historias de horror, el cuál es mejor retratado a los ojos del asustadizo Lucas, quién casi cada noche se pasa a dormir al cuarto de su hermano. Pero obviando eso, y los recurrentes clichés tipo viejo loco que sabe el tejemaneje de la historia (caracterizado por un ya poco visto Bruce Dern), el film destaca por su cuidada fotografía y por unas adecuadas actuaciones. Los movimientos de cámara son clásicos y ayudan a la narrativa de la historia, llevándola a terrenos, si bien son conocidos, pero de forma tal que cumplen en su función de entretención.

The Hole opera en el terreno familiar y puede considerarse como un "Flatliners" para menores, cada jóven enfrentandose a sus propios miedos para llegar a un final poco más que esperado......

Calificación: 6/10

Trailer:

miércoles, 13 de octubre de 2010

The Monster Collection # 12: The Host (2006)


Titulo Original: Gwoemul
Titulo Hispano: El Huesped
Género: Terror
País: Corea del Sur
Duración: 119 Minutos
Ano: 2006
Director: Bong Joon-ho
Guión: Chul-hyun Baek, Joon-ho Bong, Won-jun Ha
Intérpretes: Song Kang-ho, Byeon Hie-bong, Park Hae-il, Bae Doona, Ko Ah-Sung
Productor: Yong-bae Choi, Junyoung Jang, Neung-yeon Joh, Lewis Kim
Fotografía: Hyung-ku Kim
Música: Byung-woo Lee
Montaje: Seon Min Kim

Tagline: Man has made his newest predator

The Host es una película que combina humor negro, drama familiar y suspenso, un coctel de de aventuras en la que la mayoría de las escenas están disenadas para hacer brincar al corazón....

Park Gang-Du (Song Kang-ho) vive con su padre y le ayuda con su puesto de comida cercano al rio Han. Gang-Du es un hombre peculiar, quién pasa la mayor parte del día durmiendo sin ser conciente de sus actos. Su única hija (abandonada por su madre) y sus hermanos lo ven como un idiota y una verguenza. Cuando un pez mutante aparece en el rio Han, el pánico surge en la ciudad y Gang-Du junto con su hija se ven involucrados en medio de los acontecimientos. Su hija es tomada por la criatura como un posterior aperitivo mientras que el gobierno cree que la criatura es un huésped (Host) de un nuevo virus y como consecuencia marcan a Gang-Du y su familia como infectados. La carrera comienza entre la red burocrática y el desespero de Gang-Du por salvar a su hija......


Bong Joon-Ho, director de la aclamada "Memories of Murder, 2003", decidió para su tercer largometraje como director, realizar una megaproducción de acuerdo a los estándares coreanos (10 billones de wones), y el resultado fue The Host, un éxito instantáneo que se convirtió en la película más taquillera de Corea del Sur. The Host tiene un cuidado trabajo en cada uno de los aspectos principales del film. La calidad y fluidez de Bong para dirigir escenas esta plasmada en la caracterización de personajes memorables, asi como la combinación de narrativa tensionante en cada una de las escenas en las que aparece el monstruo a la par con escenas dramáticas que muestran el amor familiar. Hay en particular un par de escenas filmadas en slow motion las cuáles tienen un gran significado visual, la primera de ellas cuando el padre de Hyun-Seo quién trata de salvar a su hija de la inminente amenaza, toma por equivocación la mano de otra nina lo que precipitará el secuestro de su hija. La escena se enfoca en el actor Song quién descubre a su pesar, su inocente equivocación. La otra escena es en la que el personaje de Hyun-Seo trata de subir por encima de la criatura con una soga imrpovisada hecha de ropa, quién sin inmutarse atrapa a la pequena con su larga cola. Las acuaciones son un punto alto del film, comandadas por el actor Song Kang-Ho, referente del los últimas películas de calidad que han salido del país asiático incluyendo, "Memories of Murder", "Join Security Area" o "Thirst". En esta ocasión, Song realiza una caracterización de un personaje lento en su pensamiento (al pobre le faltaron porteínas de pequeno) pero grande de corazón, quién hace todo por recuperar a su pequena hija. Los tres hermanos protagonistas son perdedores en sus respectivos campos, la hermana deportista profesional quién no logra alcanzar sus metas por su indecisión, el hermano proefional quién es alcohólico y Gang-Du quién sufre de narcolepsia y no es un padre responsable. Los tres cometerán equivocaciones dolorosas, pero al final se juntarán como familia para redimirse y enfrentar a la criatura, así como un mauro Gang-Du aprenderá a ser padre. Por otro lado, la otra estrella del film, es el monstruo mutante, el cuál fue bellamente disenado por Chin Wei-chen, mientras que los estudios Weta Workshop, companía de efectos especiales se encargó del modelado y para complementar el estudio The Orphanage, quiénes trabajarán en los films "Superman Returns", y en en las dos secuelas de Piratas del Caribe realizó el CGI. El mosntruo es una máquina de matar perfecta, con una agilidad impresionante para balancearse sobre los puentes y quién puede almacenar comida en su interior para degustar posteriormente...Como película de monstruos funciona en cuanto a la caracterización del pez mutante, con sus movimientos elegantes y el cuál aparece en buena parte del metraje con luz de día, algo poco usual en este tipo de films lo que demuestra una valentía del director. Mientras otros realizadores tratan de esconder al máximo la criatura con el fin de generar misterio y tensión, como lo hiciera Ridley Scott en el clásico "Alien, 1979", Bong retrata a la perfeccción al monstruo, introduciéndolo en pantalla lo más pronto posible en un ataque a plena luz de día, con un pulso narrativo trepidante. El director no esconde sus cartas y esto le permite sorprender al espectador además de complementar la historia con los personajes.

The Host está emparentada argumentalmente con las historias japonesas de Godzilla, en la cuál una mutación crea un monstruo gigante que aterroriza a una ciudad. Pero más allá de esta premisa simplista, La brillantez de The Host radica en que utiliza la excusa de un ataque de un monstruo desconocido e intimadante para reflejar un drama familiar, desinformación de la sociedad, además del encubrimiento y los exceso por parte del gobierno. El film posee una posición política definida en cuanto a una crítica contra Estados Unidos, reflejado desde la primer escena del film cuando un científico americano fuerza a su asistente coreano a verter cuantiosas cantidades de formol hacia el rio Han, algo que a posterior sería el origen de la mutación del monstruo. Esta falta de conciencia ecológica o simple estupidez americana es reflejada con soberbia por el científico quién califica al rio Han como "muy ancho" para preocuparse, mientras que su arrepentido asistente tomará las cosas a pecho y decidirá suicidarse en el mismo rio Han. El otro aspecto a resaltar es como la desinformación, paranoia y falta de conciencia humana, hacen que las autoridades coreanas cedan ante el pánico de un virus, el cuál solo éxiste en sus cerradas mentes, dejando a la familia protagonista desvalida y sin una voz a ser escuchada, como lo retrata el personaje principal "Porque no me escuchan?, mis palabras también son palabras". Existen referencias al SARS, y al 9/11 y las consecuentes reacciones irracionales por parte del gobierno, originando a una de las escenas más terroríficas del film, la cual no incluye ningún monstruo, hablamos de la escena en la que se busca por cualquier medio la presencia del virus, así sea dentro del cerebro de Gang-Du....

El otro aspecto a destacar es el humor latente a lo largo de todo el metraje. Al igual que con la primera parte del film "Memories of Murder", el director Bong utiliza el humor peculiar para balancear las secuencias de ataque de la criatura. En una escena en particular hace reminiscencia a "Little Miss Sunshine, 2006", escena desarrollada en un parqueadero, en la que la familia se monta a una minivan en movimiento con la puerta abierta. Asi mismo la fusión de géneros se ve plasmada en el dolor de la familia con toques humorísticos durante el funeral de las víctimas, escena imposible de clasificar en la que la familia da rienda suelta a su dolor....

The Host, es una película casi inclasificable, divertida y una experiencia única enfocada en las emociones de los protagonistas. El film está lleno de grandes momentos cinematográficos además de unos efectos a la altura de cualquier producción de Hollywood. Universal Pictures adquirió los derechos del film, y se espera que el próximo ano se empieze a filmar su remake.

Calificación: 8/10

Trailer:

domingo, 10 de octubre de 2010

Burning Bright (2010)


Titulo Original: Burning Bright
Género: Thriller
País: Estados Unidos
Ano: 2010
Director: Carlos Brooks
Guión: Christine Coyle Johnson, Julie Prendiville Roux
Intérpretes: Briana Evigan, Charlie Tahan, Garret Dillahunt, Mary Rachel Dudley, Meat Loaf, Peggy Sheffield
Productor: Mark Amin, David Higgins, Cami Winikoff
Fotografía: David Higgins
Música: Zack Ryan
Montaje: Miklos Wright

Kelly Taylor (Briana Evigan) tiene una vida complicada. Su madre murió por culpa de una sobredosis al tomar pastillas para dormir y tiene que ser la que cuide a su pequeno hermano autista Tom (Charlie Tahn) mientras que su padrastro Johnny (Garret Dillahunt) ha tomado todo el dinero que Kelly iba a usar para internarlo en una institución especializada con casos autistas. Para complicar las cosas, Johnny compra un tigre de bengala para ser parte de un "Rancho Safari" el cuál está construyendo cerca a su casa. La noche en que deciden bloquear las ventanas por culpa de un huracán que se avecina, el tigre quedará suelto en la casa en búsqueda de los dos hermanos. Kelly hará todo por salir de la casa viva junto con su hermanito....



Que pasa cuando te levantas por la noche a tomar un poco de agua y encuentras a un tigre de bengala merodeando por la casa? Bueno, pues hacer el menor ruido posible e intentar sacar a tu pequeno hermano autista de esa casa...Esto es lo que propone Burning Bright, un film de bajo presupuesto pero realizado con un suspenso efectivo y tensionante. La actriz Briana Evigan, muy ocupada en estos ultimos anos en películas como el remake de "Sorority Row" y "S. Darko", ambas del 2009 y también hará su aparición en el remake de "Mother's Day", hace un fino trabajo exhibiendo sus dotes actorales. Ella se enfoca en las emociones duales hacia su hermano autista, primero la mujer quién quiere cuidar de su hermano y ganarse el amor que éste sentía por su fallecida madre y la mujer frustrada que quiere seguir con su vida universitaria adelante e inclusive tiene pesadillas en las que asesina a su hermano. Evigan llena la pantalla con su belleza y el director, además de mostrarnos sus miedos y frustraciones, retrata los detalles físicos de este personaje, desde su piel que luce sospechosamente brillante en casi cada escena, hasta el sudor que recorre su cuerpo. Esto da pie para una de las mejores escenas del film en donde unas gotas de sudor de Evigan son lamidas por el tigre que esta al acecho y puede percatarse de su presencia. Pero estos conflictos se resuelven una vez el personaje de Briana ve el peligro palpable en los rugidos de un tigre hambriento, la situación extrema revive la necesidad de cuidar a su hermanito y lo más importante activa sus sentidos de supervivencia. Los motivos por los cuáles está el tigre dentro de la casa son claros desde el principio, no hay que hacer cuentas difíciles para deducir el porque esta allí y también porque todas las posibles salidas están selladas. Pero este método poco convencional para cobrar un seguro es la fuente ingeniosa de tensión. Carlos Brooks, tiene claro que para que un film de éstas características funciona, debe dedicarle tiempo a los personajes, para despuer situarlos y enfrentarlos al horror, esta vez materializados en un animal salvaje. Brooks, inteligentemente reduce las escenas en que intearctúan animales y personas minimizando el uso del CGI, demostrando así el peligro latente que se siente en la segunda mitad del film. Este juego del gato y el ratón está prácticamente libre de gore, él cuál no es necesario para la historia, mientras que el tigre real usado es la decisión más sólida e impresionante...

Burning Bright, desarrolla una idea simple, guión con algunas grietas, pero lo hace de forma inteligente para entregar un buen y entretenido thriller. El film es uno de los contados buenos ejemplos de películas que van directo al mercado del DVD.

Gracias al amigo Darkerr por recomendar este film. Pueden leer su respectiva resena del film aca

Calificación: 6.5/10

Trailer:

jueves, 7 de octubre de 2010

The Rural Horror Collection # 9: Mother's Day (1980)


Titulo Original: Mother's Day
Título en Espanol: El Día de la Madre
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 90 Minutos
Ano: 1980
Director: Charles Kaufman
Guión: Charles Kaufman, Warren Leight
Intérpretes: Deborah Luce, Frederick Coffin, Nancy Hendrickson, Tiana Pierce
Productor: Charles Kaufman, Michael Kravitz
Fotografía: Joseph Mangine
Música: Phil Gallo, Clem Vicari Jr.
Montaje: Daniel Loewenthal

Tagline: If you go down to the woods today.

Cada ano desde su graduación en Wolfbreath College, Abbey (Nancy Hendrickson), Jackie (Deborah Luce) y Trina (Tiana Pierce) se reunen para compartir sus vacaciones. Con Abbey soportando a su despótica madre, Jackie constantemente usada por su novio cocaínomano quién no la aprecia, y Trina ubicada en Hollywood jugando con los ricos y famosos, el trio está felíz de alejarse de todo ello y tomar una semana de relajación. Esta vez, el lugar de vacaciones, seleccionado por Jackie (un lugar aislado en New Jersey) resulta ser su ruina. Cuando son atacadas en medio de la noche en su campamento, Abbey, Jackie y Trina se encuentran a merced de la Madre (Beatrice Pons) y sus dos amados hijos Ike (Frederick Coffin) y Addley (Michael McCleery), quiénes se deleitan con la tortura sistemática y el asesinato....

Pocas películas salidas de la productora Troma llegan a trascender los límites de la serie Z y llegar hacia un producto entretenido de mediana calidad. Ese es el caso de Mother's Day, la cuál ha sido revisada y presumiblemente mejorada por Darren Lynn Bousman, pendiente de estreno. De hecho este tipo de films es carne fresca para remake como lo fuera en su momento "The Hills Have Eyes, 1977" o "The Last House on the Left, 1972", ambas de Wes Craven. La película original, es basada en una historia emparentada con las películas setenteras de violación-tortura-venganza, siguiendo no sólo sus derroteros sino que además se le agrega el humor típico de la Troma. La visión del director Charles Kaufman, es dividir la película en una primera parte en la que se introducen los personajes, seguido de los ataques de la familia combinado con las bromas para terminar de forma más seria y contundente. La idea de que una mamá y sus dos hijos sean una familia asesina y torturadora de inocentes es lo que le ha permitido a Mother's Day ganarse un pequeno nombre en el ambito del terror, pero su problema más allá del presupuesto o de algunos efectos poco reales, es su guión, en algunas partes desordenado y con momentos de relleno, como el innecesario flashback de las chicas cuando están acampando, o la idea del entrenamiento militar a la que somete la querida madre a sus hijos. El guión se balancea entre un humor gamberro y una apología a la violencia desencadenada en un ambiente rural libre de justicia. En donde se muestra un mejor desarrollo es en su última parte (la última escena del film es inpagable), donde las cosas se ponen serías entre víctimas y victimarios desencadenando una pequena ola de violencia. Las actuaciones son aceptables dentro de la calidad del producto, y se muestra de forma interesante el cambio de actitud de una de las víctimas hacia el tramo final cuando decide hacer algo contra la enferma familia. La madre y sus dos muchachos exhiben fielmente la demencia y sadismo hacia sus víctimas, en especial en la escena en la que obligan a una de sus víctimas a vestirse como Shirley Temple para hacer una "actuación" con uno de los hijos teniendo a la Madre como espectadora, quién ofrece opiniones y críticas acerca de las actuaciones, para terminar en una horrible violación. Esta es quizás la escena más perturbadora del film..



A gusto personal, y a ser escrito como un Spoiler, el personaje más interesate más allá de la atípica viejecita es su hermana rabiosa "Queenie", peligro latente a lo largo de estancia en la cabana y de la cuál se describe en los diálogos que se dan entre la madre (quién vive temerosa de Queenie) y sus hijos. Queenie aparece en el último fotograma dejando abierta la puerta para una secuela que nunca se llevo a cabo. Será que el remake retoma este personaje?.

Como curiosidad, de acuerdo al director Charles Kaufman la película fue filmada al otro lado del lago donde se filmó al mismo tiempo la primer película de Friday the 13th.

Mother's Day, es un producto irregular del cuál se rescatan sólo partes del metraje, pero que vale la pena revisar a los que les gustan el horror ochentero....

Calificación: 5/10

Trailer:

martes, 5 de octubre de 2010

Låt den rätte komma in (2008)

Titulo Original: Låt den rätte komma in
Título en Inglés: Let the Right One In
Titulo en Espanol: Déjame Entrar
País: Suecia
Director: Tomas Alfredson
Guión: John Ajvide Lindqvist
Intérpretes: Henrik Dahl, Kare Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar
Productor: Carl Molinder, John Nordling
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Música: Johan Söderqvist
Montaje: Tomas Alfredson

Tagline: Eli is 12 years old. She's been 12 for over 200 years and, she just moved in next door.

En epocas en las que los vampiros "emos"son vistos como modelos de farándulas e idolos de adolescentes, una película sobresale, abanderando los temas clásicos del vampirismo con una vuelta de tuerca que desde ya se torna como un clásico instantáneo del género. Los tópicos del mundo de los vampiros son retratados fielmente en el film, desde la capacidad de arder con la luz del sol, la necesidad de sangre para evitar la descomposición, capacidad de volar y como no, la regla de la "invitación a la casa", la cuál es traspasada por primera vez en un film. El romanticismo de los seres de la noche es visto a través de la ninez, con su inocencia y sus miedos que expresan una jóven pareja pre-adolescente. Él tímido y temeroso con un miedo constante a enfrentarse a sus abusadores y ella, un ser sobrenatural con mucha confianza en sí misma pero con una soledad evidente. Los dos son polos opuestos, pero que se complementan y entablan una relación que sobrepasa cualquier frontera.

La historia es la siguiente. Estamos en un suburbio de Estocolmo en los 80s. Oskar (Kåre Hedebrant), es un nino solitario quién presenta todas las senales para convertirse en un potencial asesino. Oskar es constantemente intimidado en la escuela, tiene que lidiar con la separación de sus padres, quiénes sólo le prestan la atención de acuerdo a sus ocupados horarios, de hecho la pérdida de la figura paterna hace mella en su comportamiento y su hobby es recortar noticias de asesinatos para llenar un álbum. Oskar, pasa sus noches ensayando con su navaja e imaginando el asesinato como un alivio. Pero, las cosas cambian cuando conoce a Eli (Lina Leandersson), quién se muda al apartamento lindante con la habitación de Oskar. Eli es una nina casera, a pesar de tener la misma edad de Oskar, 12 anos "más o menos", nunca va a la escuela y sólo sale de noche. Los dos pasan tiempo juntos en las frías noches y ven crecer una amistad que eventualmente pasa a la etiqueta de "estar juntos". Eli, alienta a Oskar a defenderse por sí mismo, le asegura que si no demuestra miedo las cosas se areglarán y podrá estar tranquilo. Sin embargo, Eli, la única verdadera amiga y buena consejera de Oskar, esconde un lado oscuro, su necesidad de beber sangre humana para subsistir.....


Déjame Entrar, es técnicamente un film de horror que esconde trás de sí una historia de amor, la cuál se aleja del melodrama y la cursilería. Las escenas románticas contrastan con la frialdad con que Eli trata a sus víctimas, filmado con una exquisitez cinematográfica poca veces vista en el género, donde los movimientos de la pequena nina, asi como la violencia "sugerida" dan en el blanco desde el punto de vista estético y narrativo. Los planos fijos, tan clásicos como bellos, captan la escencia y atmósfera del film. Una mano apoyada en un vidrio expresa más sentimientos que los diálogos, las imágenes son la expresión de los protagonistas. La película está más centrada en los personajes y ambientación, pasando por alto los "sustos" de sónido o los típicos Boo del género. No quiere decir que no contenga escenas de muerte y algo de gore (como la excelsa composición del plano en la piscina), que aunque pocas, y con moderado CGI son necesarias para mostrar el mundo de los chupasangre. El trabajo de maquillaje es prolijo, mostrando las dos caras de Eli, pálida y dulce contrastada con el monstruo sobrenatural. Eli, está emparentada con Claudia (Kirsten Dunst), la pequena vampira de "Interview with the Vampire (Entrevista con el Vampiro), 1994", pero a diferencia de la incapcidad para reconocer sus áctos salvajes que evidencia Claudia y de su acompanamiento por parte de vampiros adultos, Eli hace lo que sea necesario para vivir, lo hace por necesidad y está sola. Más allá de la figura sensual del mito vampírico, Eli se presenta como un animal a ser cazado, quién confía en su cuidador para que le consiga el alimento. Eli a pesar de tener muchos anos, psicológicamente sigue siendo una nina de 12 anos y de ahi la compenetración que siente hacia Oskar. Ella es solitaria, tanto como Oskar, por lo que hacen la pareja perfecta... Los personajes son tan bien construidos, que nos alegramos de su final y nos dejan palpable la necesidad de saber que pasará con ellos. "Huir es vivir, quedarse es la muerte", es la cita de Eli, y mejor si se huye con alguién a tu lado, in final hermoso adornado con la complicidad que otorga la clave Morse.....

Déjame Entrar es una historia inusual acerca del amor. Es una bocanada de aire fresco hacia el tema vampírico. El director Thomas Alfredson adapta la novela de John Ajvide Lindquist, quién también escribió el guión, centrandose en las emociones más que en el horror, pero sin olvidar lo siniestro de los personajes. Es una película hermosa, dulce y violenta que desde ya se convierte en un clásico contemporáneo.

El fin de semana pasado se estrenó en Estados Unidos el remake americano, el cuál contrario a lo que se podría pensar viene acompanada de buenas críticas, pero vuelve la pregunta que necesidad hay de revisar una película que funciona a la perfección?

Calificación: 8/10

Trailer:

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