The Giallo Collection # 15: All the Colors of the Dark (1972)

Titulo Original: Tutti i colori del buio
País: Italia / España
Duración: 88 Minutos
Ano: 1972
Director: Sergio Martino
Guión: Lewis E. Ciannelli, Ernesto Gastaldi
Intérpretes: Edwige Fenech, George Hilton. Ivan Rassimov, Julián Ugarte
Productor: Mino Loy, Luciano Martino
Música: Bruno Nicolai
Fotografía: Miguel Fernandez Mila, Giancarlo Ferrando
Edición: Eugenio Alabiso

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0069390/

All the Colors of the dark (Tutti i colori del buio) es un film que esta bajo la sombra de una de las obras maestras del cine de horror y en particular de los cultos satánicos. Rosemary's Baby (1968) supo manjar un desarrollo completo de los personajes dentro de una realidad-paranoia implementada por unos vecinos poco amistosos. Sergio Martino y el guionista Ernesto Gastaldi se encargan de adoptar las bases del impresionante film de Polanski, para dotarlo del deleite visual y erótico que poseen los buenos Giallos. La película abre con un viaje al inconsciente de Jane (Edwige Fenech), en el que los eventos traumáticos de su ninez se ven materializados en sus bizarras pesadillas, ambientadas con un nivel artístico surreal en el que están presentes relojes gigantes, una mujer anciana vestida de muneca y el cuerpo sin vida de una mujer embarazada. La imágen de un cuchillo entrando y saliendo del vientre de la madre calará hondo en la desvalida personalidad de Jane. Este lugar surrealista es el gancho inicial para este tercer Giallo del director Martino de cuidada fotografía y de gran manejo de los colores, desde la sangre fresca rojiza hasta los fríos ojos azules del misterioso hombre de los suenos.

Jane sufre de estas recurrentes pesadillas a partir de un accidente automovilístico en el que estuvo involucrada, pesadillas que harán mella en su desempeno sexual. Su novio Richard (George Hilton), trabaja como farmacéutico en el que debe viajar constantemente y por consiguiente se aleja de la figura protectora. Su solución para los problemas de Jane es la ingestión de vitaminas. Es así como Jane parece vivir en una constante histeria. Barbara (Susan Scott) la hermana de Jane, la convence de visitar a un psiquiatra a pesar de la incredulidad de Richard. Pero, es en el misma sala de espera del consultorio que Jane cree reconocer al hombre malévolo de sus suenos (Ivan Rassimov) el cuál, a partir de ese encuentro, tomará la actitud de acosador siguiéndola a todas partes. Desesperada y evidentemente asustada Jane conoce a su vecina Mary (Marina Malfatti) quién le cuenta acerca de un culto extrano en el que celebran misas negras. Prometiéndole ayuda con su problema, Mary lleva a la inocente Jane a una de sus sesiones. Pero para sorpresa de Jane, la reunión incluye beber sangre de un animal recién apunalado y las prácticas orgiásticas en las que los participantes parecen adorar un símbolo extrano. Jane, quién evidentemente no quiere regresar al culto ve como su vida sexual mejora y al parecer sus pesadillas comienzan a ceder. Pero el culto no quiere prescindir de ella y la seguirán acechando....

De nuevo, Martino entrega un thriller de calidad indiscutible alejado de los tópicos tratados en el cine Giallo del momento, distanciándose de sus dos thrillers anteriores (The Strange Vice of Mrs. Wardh, 1971 y The Scorpion's Tail, 1971) en el sentido de evitar la trama criminal para enfocarse en un film de horror psicológico donde a veces la realidad se funde con la pesadilla en la mente de la protagonista. Martino utiliza con inteligencia recursos cinematográficos como el desenfoque, dobes exposiciones y cambios de tonos para las secuencias de ensonación de Jane. En adición, este particular Giallo no se enfoca en las andanzas de un asesino enguantado, sino en la actuación de un culto cabalístico y la presencia de un hombre obsesionado con la apropiación de la voluntad de esta hermosa mujer, sin restar algunas muertes (que las hay) pero sobresaliendo el suspenso por encima de todo.

El guión escrito por el habitual Gastaldi junto con Lewis Ciannelli, toma prestados elementos del film de Polanski pero restando importancia al desarrollo de personajes y elevando el nivel sensual de la historia, algo entendible por la presencia de Edwige Fenech y Nieves Navarro (alias Susan Scott). Esto se traduce en la aparición de personajes planos y de poca importancia, como el desaprovechado George Hilton o la propia Navarro. Fenech muestra por enésima vez porque es la heroína por excelencia del Giallo otorgándole sensualidad e histeria a su personaje. Mientras que Ivan Rassimov (también presente en Lo strano vizio della signora Wardh) hace el papel tenebroso y eje principal del suspenso. El guión tambien padece del recurso tramposo al usar elementos distractores como el libro sobre magia en el que aparece el símbolo del culto. Además hay ciertos elementos forzados que no encajan con el tono construido del film, como la aparición del dinero motivador representado por una la herencia tardía.

Los planos son impecables, representados con una bella fotografía en la que se destacan las transformaciónes de plano con cambios de enfoque, ágil forma de fimar los diálogos y buen manejo del espacio en especial escaleras y ascensores. En contraposición, se tienen el pobre diseno artístico y de vestuario en las escenas orgiásticas. La música de Bruno Nicolai esta correcta aunque es inevitable pensar en la palabra cliché cuando se escuchan los coros para representar la maldad del culto.

All the Colors of the Dark es un film centrado en la paranoia y los alcances de un culto siniestro. El film posee una bella fotografía con un guión que sin estar entre los mejores del género cumple para entregarnos un Giallo que es sin duda un placer visual y un deleite para los seguidores del director Martino y de las buenas producciones de su hermano Luciano...

Calificación: 7/10

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The Giallo Collection # 14: The Case of the Scorpion's Tail (1971)

Titulo Original: La Coda Dello Scorpione (Case of the Scorpion's Tail)
Género: Giallo
País: Italia / España
Ano: 1971
Director: Sergio Martino
Guión: Ernesto Gastaldi, Sauro Scavolini, Eduardo Manzanos Brochero
Intérpretes: Alberto De Mendoza, Anita Strindberg, George Hilton, Ida Galli
Productor: Luciano Martino
Fotografía: Emilio Foriscot
Música: Bruno Nicolai
Montaje: Eugenio Alabiso




Segundo Giallo del director Sergio Martino tras la excelsa "The Strange Vice of Mrs. Wardh, 1971". Martino, como buen artesano que es, muestra una vez más su gran visión para los thrillers italianos fortaleciéndolo con un excelente cast, muy asociado con el género Giallo y un guión sin grietas en el que lo importante es la investigación. El film comienza en Londres, con una pareja de amantes en la cama. Una llamada los distrae, en lo que sería una noticia trágica, en apariencia, para la senora Baumer (Ida Galli). Su esposo murió en una catástrofe aerea, escena mostrada con un modelo a escala muy particular de un avión y una explosión, flashes que retendra Laura en algunas escenas siguientes. Algo particular del guión es el uso de una bomba para cometer un homicidio particular, olvidándose la policía y la prensa de las numerosas victimas del siniestro que pasan a un lado para concentrarse en un sólo personaje. Después de ello, Laura hace planes con su amante para retirar en dinero en Atenas y viajar juntos a Tokyo. Ya en Atenas, hace aparición Peter (George Hilton), un investigador de seguros quién trata de encontrar la verdad acerca de Laura, pues no se descarta que el avión alla sido volado literalmente en el aire por intermedio de una bomba. El seguro por un millón de dólares hace pensar a Peter en dicha posibilidad. Pero las cosas se complican cuando la amante del esposo de Laura y su temible abogado, tratan de forzar a Laura para que les entregue la mitad del dinero una vez sea cobrado. Laura al día siguiente cobra el dinero en efectivo pero antes de desalojar el hotel donde ésta alojada es asesinada mientras que el dinero desaparece. Las sopechas recaen en Peter quién fue el último en ver con vida a Laura. La investigación prosigue mientras que el asesino sigue eliminando personajes con el mismo "modus operandi". Peter se enamora de una bella fotógrafa llamada Cleo Dupont (Anita Strindberg), quién se verá acosada por el asesino dejando como evidencia un gemelo con la forma de un escorpión....

The Case of The Scorpion's Tail tiene una trama muy dinámica con unas bellas set pieces de los asesinatos y un giro sorpresivo final. La fotografía retrata de forma plena el suspenso elaborándo las escenas desde el punto subjetivo del hombre enguantado acompanado por una bella música de Bruno Nicolai (música reutilizada en el film Amer del 2009). Para destacar la escena en la que la amante del senor Baumer (Lara Florakis) se da cuenta que el asesino esta tratando de abrir la puerta de su apartamento, Martino filmó en un bello slow motion el horror en el rostro de la actriz cuando se acerca con desesperación hacia la puerta para evitar que sea abierta. El guión es firmado por Ernesto Gastaldi un gran guionista, quién en varias oportunidades ha escrito Giallos de calidad en otras obras junto a Martino como en su primer Giallo "The Strange Vice of Mrs. Wadh, 1971" y junto a Luciano Ercoli en "Death Walks on High Heels, 1972". Sobresalen además las actuaciones de sus protagonistas George Hilton, habitual en el cine Giallo ("The Strange Vice of Mrs. Wadh, 1971", "All the Colors of the Dark, 1972", "My Dear Killer, 1972", "The Case of the Bloody Iris, 1972", etc, y Anita Strindberg como la sensual e inteligente reportera. Stridberg participaría en otros importantes Giallos como "A Lizard in a Woman's Skin, 1971" de Fulci, o "Who Saw Her Die?, 1972" de Aldo Lado. El reparto lo completa la bella Ida Galli quién aparecería en otros Giallos como "The Bloodstained Butterfly, 1971" y "Knife on Ice, 1976" y Alberto de Mendoza, el Sr. Wardh del Giallo citado de Martino.

También se destaca el uso creativo de la fotografía la cuál además de los habituales zooms y cámaras subjetivas de este cine, utilizó algunos planos singulares y ángulos poco convencionales como el diálogo entre Peter y el comisario de policía filmado de forma cenital inicialmente, pero en él cuál la cámara se movía hacia los personajes sitúandolos en posición horizontal en la pantalla y balanceándose como si de un péndulo se tratase. Este forma de filmación de un diálogo bien podría llamarse "diálogo pendular".

El film tiene cercanía al cine hitchcocliano mediante el uso del McGuffin y el método muy llamativo de eliminar un personaje importante en el primer tercio del film, donde Galli le cede el protagonismo a Strinberg. Otra referencia que salta inmediatamente a la vista es el uso de la fotografía ampliada para resaltar el motivo del anillo, como lo hiciera Antonioni en su Blow-up cinco anos antes.

Perdonando la escena del avión a escala y el plan tan complejo para el asesinato, el film brinda lo mejor del género de principios de los 70, personajes carismáticos y suspenso manejado con solvencia por uno de los directores insignia italianos. Ciertamente, "La Cola del Escorpion" esta un escalón por debajo del "Extrano vicio de la senora Wardth", pero no por ello es menos apreciable.

Calificación: 7.5/10

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The Witchcraft Collection # 5: Häxan (1922)

Titulo Original: Häxan: Witchcraft Through the Ages (The Witches)
Género: Otro
País: Dinamarca / Suecia
Duración: 106 Minutos
Ano: 1922
Director: Benjamin Christensen
Guión: Benjamin Christensen
Intérpretes: Clara Pontoppidan, Elith Pio, Maren Pedersen, Oscar Stribolt
Productor: Launy Grøndahl
Fotografía: Johan Ankerstjerne
Montaje: Edla Hansen

Tagline: Benjamin Christensens stora film.



Häxan es un film único en su especie, un documental dramatizado de la historia de la brujería a través de los tiempos. El director danés Benjamin Christensen, hace la exposición de una tesis acerca de las injusticias cometidas por la iglesia y en particular la caza de brujas por parte de la inquisición que mermó la población femenina en los siglos XV y XVI. El film se divide en siete partes, y está inspirada en La Bruja (Le Sorciere) de Michelet, donde se expone las reflexiones del director acerca de las culturas, la iglesia y el punto de vista científico. La primera parte muestra algunos grabados de la mitología precristiana, como acercamiento visual a las creencias en lo demoníaco cuando no se encuentra ninguna otra explicación. Christensen hace gala de una metodología clara y didáctica para mostrarnos los conceptos acerca de las brujas y sus aquelarres. Luego en las siguentes partes del metraje, se nos presenta las prácticas brujeriles mediante dramatizaciones, las cuáles son intercaladas con el cerrar de la cámara como si de un iris se tratase. Aqui quedan detallados todas las actividades y recursos de las supuestas brujas con todo su folclor, desde la pocima para que el ser que uno quiere se fije en uno (así sea un monje un poco grotesco), la provocación de enfermedades y el despertar de la lascivia en los humanos las cuales se liberaban en reuniones orgísasticas que terminaban con besos en un lugar poco esperado, el trasero del diablo.

Posteriormente se continuará con la documentación del quehacer de una bruja común, y con las diabluras que realiza el senor de las tinieblas (interpretado por el mismo director en el que se luce particularmente su lengua). El diablo se acerca a tentar a las damiselas, algo que comparará Christensen hacia el final del film como las alucinaciones histericas de las personas con problemas de neurosis. Las escenas son filmadas en escenarios en interiores y algunos exteriores con un excelente diseno artístico y una sorprendente fotografía en la que se prima el azul para las escenas demoníacas y el sepia para las escenas en interiores. En una secuencia en particular, muy lograda, se nos muestra a una bruja entrada en anos la cual es llevada a una mansión donde se despierta con una inmensa cantidad de dinero representado en monedas, las cuáles paracen "huir" de ella. Vemos pues que el director exprime al máximo el recurso cinematográfico de la época, utilizando ralentizaciones, secuencias en reversa, doble exposiciones entre muchas otras.

Las siguientes historias se centran en la inquisición y sus poco bondadosos métodos de tortura para encontrar la verdad, su verdad, y es que como lo dice el mismo director en uno de sus intertítulos "Quién no diría las cosas más inconfesables con la ayuda de semenajes métodos?". Aqui vemos expresada en su forma más repugnante la crueldad humana, representada en la mentira, las mujeres que acusan a otras mujeres sin motivos, y la de pruebas imposibles de refutar en lo que concierne al hecho de ser bruja. Las cámaras de tortura son retratadas con dramatizaciones de víctimas a la espera del sufrimiento, como la actriz que hace de conejillo de indias para el mecanismo de apretar los pulgares. Todo ello para mostrar que en situaciones tan extremas cualquiera confiesa lo que le pidan. Y es que en épocas cuando la que trate de impedir que se lleven a un familiar es considerado "bruja"no hay escapatoria posible. El mismo director dice: "Si te opones a la captura de una bruja, es que eres una de ellas" o "¿Conoces el castigo para aquéllos que se niegan a dar testimonio contra una bruja?". Como vemos el director utiliza la ironía a lo largo de su film, pero cuanta verdad hay en sus palabras. En otro curioso episodio el director hace, por primera vez (hasta donde da mi conocimiento), el empleo del policía bueno y malo que tanto se usa en el cine criminal, en esta ocasión llamaríamos el inquisidor "bueno" y el inquisidor "malo". Lastimosamente para las inocentes víctimas es un ardid para enganarlas y lograr que su confesión devele su condición de bruja y confabulación con el demonio. Quizas esta sea la peor tortura mostrada en el film, la promesa de libertad a cambio de la aceptación de algo que no somos para tornarse en una vil mentira.

Finalmente, el documental se traslada al presente, de los anos 20, para comparar los supuestos comportamientos demoníacos y hechos inexplicables con la ciencia, la cuál sí que los puede explicar, desde el punto de vista de la afección psicológica que pertenece al grupo de la neurosis en la denominada histeria. Aunque dicha enfermedad se represente como potencialmente peligrosa, al incitar por ejemplo al robo, por lo que las nuevas víctimas cambian el temor por la inquisición hacia el temor por la justicia.

En resumen, Häxan es un film único y bellamente realizado, con una gran creatividad en sus escenas y en su forma de exponer la tesis del propio director acerca de la brujeria y los abusos de la iglesia. Un film valiente y ambicioso que vale la pena verse...

Calificación: 8/10

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The Slasher Collection # 35: Gawi: The Nightmare (2000)

Titulo Original: Gawi a.k.a Nightmare a.k.a Scissors a.k.a Horror Game Movie
Género: Terror
País: Corea del Sur
Duración: 97 Minutos
Ano: 2000
Director: Byeong-ki Ahn
Guión: Byeong-ki Ahn
Intérpretes: Gyu-ri Kim, Jeong-yun Choi, Ji-tae Yu, Ji-won Ha
Productor: Hyeong-wook Goh, Stanley Kim...
Fotografía: Seok-hyeon Lee
Música: Tae-beom Lee
Montaje: Yong-soo Kim

Tagline: Everyone is going to die

Seon-ae vuelve a Seul tras haber pasado unos años en los Estados Unidos. Tanto ella como sus amigos de la universidad han crecido, pero aun tienen presente el suicidio de su misteriosa compañera Kyung-ah. Seon-ae está aterrorizada y asegura que el fantasma de Kyuang-ah la persigue.

Gawi parte de la premisa popular del slasher, un hecho trágico ocurrido tiempo a trás y una venganza sangrienta que se cierne sobre los perpetradores, en la vena de "Prom Night, 1980" o "I Know What You Did Last Summer". Si bien esta muy mal visto el copy/paste del guión, no lo es así la mezcla de géneros, en particular el cine oriental de fantasmas y el slasher. El director surcoreano Ahn Byeong-ki, afincado ya en el cine de horror, hizo su debut como director/guionista con este film, en el que se destaca la ambiguedad con que maneja los hechos. Desde el inicio, no se sabe si la presencia de la fallecida Kyuang-ah es real o es una proyección de la culpa de sus companeros quienes implantaron su suicidio. Además no esta claro si el asesino es la nina fantasmal asiática o por el contrario es un asesino de carne y hueso quién esta eliminando uno a uno a sus companeros. Este tema manejado con inteligencia, se resolverá en el último plano del film. La fotografía es en algunos puntos destacables, haciendo uso de reflejos y oscuridad para construir el ambiente ominoso del film, algo claramente logrado por el director.

La historia comienza cuando Seon-ae regresa de su estadía de dos anos en USA y se encuentra con su antigua amiga del colegio Hye-jin en su apartamento. Seon-ae descansa pero clama que la fallecida Kyuang-ah esta trás ella. Kyuang-ah era una misteriosa companera quién aparentemente cometió suicidio. Al otro día Hye-jin visita a todos los miembros del grupo "A Few Good Man", un circulo de amigos de su época estudiantil para ponerse al día de sus vidas y contarles del regreso de Seon-ae. Todos parecen reticentes a hablar del tema Kyuang-ah por lo que se hace evidente que han guardado un secreto.

La historia de fondo sobre la introducción del personaje de Kyuang-ah al grupo y su deceso desde el punto de vista de Hye-jin es contado a través de un largo flashback en el cuál aprendemos más sobre los personajes y sobretodo el triángulo amoroso entre Kyuang-ah, Seon-ae y el amigo beisbolista del cuál están enamoradas las dos. Mientras tanto un flashback de segundo nivel (dentro del primero) nos cuenta que Hye-jin y Kyuang-ah ya se conocían de pequenas pero una tragedia las separó. Seon-ae celosa de Kyuang-ah, trata de indisponer al grupo frente a ella revelando su verdaderto nombre y exponiendo que cosas malas suceden cuando ella esta al rededor. Hye-jin se disgusta con Kyuang-ah por no contarle la verdad y le exige que dejen de ser amigas, lo que resulta en el aparente trágico suicidio de la jóven Kyuang-ah. De vuelta al presente, los homicidios comienzan a suceder, combinando muertes por armas blancas y presencias fantasmales. Todo se acalará al final con un nuevo flashback revelando los verdaderos motivos del suicidio y de las verdaderas personalidades del grupo. Pero será alguién del grupo que esta asesinando a sus companeros, o será el fantasma de Kyuang-ah, quién estará buscando venganza?.

Esta historia como vemos parece ser un simple copycat de los slasher americanos, en lugar de colocar a un grupo de jovenes trás el cuchillo de un asesino con máscara, el film va un poco más alla. El merito de Gawi es dar prioridad a una historia de misterio (algo que sucedería también con su similar tailandés "Shutter, 2004"), misterio enfocado no a la identidad del asesino como tal sino de su condición de fantasma/alucinación/cuerpo real todo soportado por un excelente cast.

Calificación: 6/10

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The Slasher Collection # 34: Hatchet 2 (2010)

Titulo Original: Hatchet 2
Genero: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 89 Minutos
Ano: 2010
Director: Adam Green
Guión: Adam Green
Intérpretes: Clare Grant, Danielle Harris, Kane Hodder, Rileah Vanderbilt, Tom Holland
Tony Todd
Productor: Sarah Elbert, Cory Neal, Derek Curl, Jason Richard Miller
Fotografía: Will Barratt
Música: Andy Garfield
Montaje: Ed Marx

Tagline: Victor Crowley Lives Again

Después de conseguir escapar de Victor Crowley, Marybeth sabiendo la verdad sobre la maldición del éste asesino, se dirige de nuevo hacia el pantano embrujado en compania de su tío Bob con el fin de buscar venganza por la muerte de su familia, y eliminar a Crowley de una vez por todas.


Continuando con los eventos tal cual terminaron en la primera parte de Hatchet (ver resena aqui), Marybeth la "chica final" logra escaparse de las garras del innombrable Victor Crowley, un asesino desenfrenado y muy muy creativo. Si bien es cierto que la actriz principal cambió (Tamara Feldman fue reemplazada por Danielle Harris) esto no afecta en ninguna forma el desarrollo de la historia, pues Hatchet 2 es más de lo mismo, pero que no se entienda mal sigue siendo predecible y repetitivo pero realizado de una forma prolija y divertida, un slasher donde prima las escenas de muerte por sobre todas las cosas. La historia y los motivos de los personajes, igual que en su predecesora rozan lo ridiculo sólo destacándose dos aspectos importantes. El primero de ellos es la continuación que hace el director Adam Green en lo referente a la motivación del actor Kane Hodder, pues de nuevo explora su lado menos conocido, el de actor dramático, aunque sea en una sóla escena en vez de conformarse con los papeles usuales de asesino tras la máscara. Green ya le había dado la confianza a Hodder en su primera "Hatchet" para que desarrollara un poco su personaje y se metiera dentro de él (haciendo los dos papeles de padre amoroso y el de hijo el brutal asesino), algo en lo que se ahonda de nuevo en esta secuela para entregarnos más piezas de la vida del padre de Crowley. Mientras que el segundo aspecto se refiere al aumento de minutos y protagonismo en pantalla de otro de los íconos contemporáneos del horror, el actor Tony Todd quién esta vez trascendera la figura del cameo para tomar cartas en el asunto y unirse a la diversión. Ya por este simple hecho el film gana puntos, algo que todos los espectadores agradecemos. El resto del cast lo completa la actriz Danielle Harris (Halloween II, 2009) quién se defiende en las pocas escenas drámaticas del film y el resto son unos personajes rurales que sólo sirven para el conteo de víctimas. Además, siguiendo con la estela de los cameos de su primera entega, el director Green le dió el papel de Bob, el tío de Marybeth, a su colega Tom Holland (director de Child's Play, 1988).

Hatchet 2 se las arregla para entregar asesinatos más originales y más sangrientos si se quiere, con unos competentes efectos especiales. De hecho en mi opinión el film es más disfrutable que su primera parte, pues en esta ocasión se prescindió del humor fácil y de los chistes sin gracia que desviaban la atención en los primeros minutos del Hatchet original. En esta ocasión, todo es más directo, más al grano, ya se conocen los personajes y sus pequenas motivaciones. Desde que inicial el film, las muertes se suceden una a una como una montana rusa donde se piensa en el "como" ocurrirán dichas muertas importando muy poco el "quién" va ser el descuartizado, pues eso es una constante en esta saga como en casi todos los slasher, la falta del desarrollo de personajes.

Otro punto que se anota Green con el film es el de usar el medio televisivo para recordarnos el excelente film "Frozen, 2010" de su misma autoría, en la escena en la que el personaje Parker (Emma Bell), despues de haber sobrevivido al horror en el monte Holliston le dice a un reportero "I'm never going skiing again".

Hatchet 2 sigue siendo un slasher hecho a la vieja usanza con excelentes efectos y diversión. Green sigue demostrando que es un director que llegó para quedarse en el corazón de todos los amantes de este a veces maltratado género....

Calificación: 7.0/10

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The Slasher Collection # 33: Sweet 16 (1983)

Titulo Original: Sweet 16
Genero: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 90 Minutos
Ano: 1983
Director: Jim Sotos
Guión: Erwin Goldman
Intérpretes: Bo Hopkins, Henry Wilcoxon, Steve Antin, Susan Strasberg
Productor: Jim Sotos
Fotografía: James L. Carter
Música: Tommy Vig
Montaje: Drake Silliman

Tagline: Why are all the boys dying to meet Melissa?

Una joven llamada Melissa trata de hacer nuevos amigos en el pueblo, pero se convierte en sospechosa cuando cada uno de los chicos con los que se relaciona, terminan brutalmente asesinados.



Todos los chicos amana a Melissa? Bien podría pensarse que el slasher "All the Boys Love Mandy Lane, 2006" se inspiró en parte en este desconocido film ochentero, pero con unos mejores resultados. Sweet 16, o Dulces 16 en el espanol, maneja la historia de Melissa, una hermosa chica citadina la cuál se muda con sus padres a un pueblo donde todos los chicos se derriten por sus encantos. Melissa ni corta ni perezosa se deja seducir sin resistencia con un punto de vista muy liberal hasta que se da cuenta que cada hombre que se le arrima termina acuchillado. Mientras el guión es interesante no lo es así la forma en que el director nos cuenta los hechos, pues maneja escenas de muy larga duración que no aportan en absoluto al misterio o al desarrollo de los personajes y más aún le resta efecticismo en cada una de los asesinatos al filmarlos en una mal lograda cámara lenta. Además, el visionado requiere de una buena versión en DVD pues el ripeo de VHS hace difícil su visionado al desarrollarse todo el misterio y asesinatos en un ambiente nocturno. Las actuaciones son mediocres a excepción de uno de los veteranos protagonistas, Bo Hopkins (el loco Lee de Wild Bunch, 1969) quién se toma con profesionalismo su papel de sheriff del pueblo, algo que no pueden decir sus companeros contemporáneos los cuáles no parecen tomarse sus papeles en serio, mientras que los jóvenes actores dan mucho de que desear. El film esta virtualmente libre de efectos gore y tiene la escena de desnudo gratuita, regla casi que impuesta en todos los slasher ochenteros de la actriz Aleisa Shirley, quién desaparecería para meterse en la televisión después de éste film. La jóven Dana Kimmell, quién intepreta al personaje cuiriosa de hija del sheriff, tiene una escena con cierta atmósfera al principio del film donde se nos muestra su hobby al leer libros de misterio. Kimmell también pudo ser vista un ano antes en la tercera entrega de Friday the 13th, "Friday the 13th Part III, 1982" y en el entretenido semi-wetern "Lone Wolf McQuaid, 1983" junto a Chuck Norris.

Algo más interesante de la historia es la inclusión de cierta discriminación y racismo hacia la comunidad india americana, elemento de conflicto y generador de sospechosos en el film. No faltaría los clichés con los personajes odiosos y racistas pero es algo en lo que el guionista acierta para ambientar la historia. Es una pena que el ritmo y los personajes secundarios no estén a la altura de los acontecimientos. El director Jim Sotos es más conocido por su anterior y más brutal film, "Forced Entry, 1975" auque no sea realmente rescatable, mientras que su carrera se perdería en el limbo con un par de comedias en los 80s.

Por último hay que hacer mención de la irritante música con que se nos presenta a Melissa y sus momentos románticos, algo que definitivamente no va a la para en un film de horror. Sweet 16 se ve como un film decepcionante, el cuál debería ser considerado para rescatarse, sóloa aquellos que sientan una definida aficción por el slasher americano. Aunque es mejor que no hagan mucho esfuerzo...

Calificación: 4/10

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The Slasher Collection # 32: Happy Birthday to Me (1981)

Titulo Original: Happy Birthday To Me
Titulo hispano: Feliz Cumpleaños Para Mí
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 109 Minutos
Ano: 1981
Director: J. Lee Thompson
Guión: John Beaird, Timothy Bond, Peter Jobin, John C.W. Saxton
Intérpretes: Glenn Ford, Matt Craven, Melissa Sue Anderson, Tracy Bergman
Productor: John Dunning, Andre Link
Fotografía: Miklos Lente
Música: Bo Harwood, Lance Rubin

Tagline: It'll be a killer party!

Una misteriosa serie de asesinatos ocurren en una prestigiosa escuela privada, donde varios de los jóvenes más populares empiezan a desaparecer. Virginia, una chica que esta a punto de cumplir su cumpleanos número 18, comienza a recordar trazos de un trágico accidente ocurrido tiempo atrás en el que su madre perdió la vida. Virginia, parece estar relacionada con cada desaparición y con su bloqueo de memoria se cree culpable. Pero será la asesina o será alguién más?. La verdad estará oculta trás los motivos del accidente y será revelada en una fiesta de cumpleanos sangrienta.....



Atención, la siguiente resena contiene SPOILERS!!

Después de ver este slasher ochentero, queda la sensación de estar ante un buen esfuerzo cinematográfico, logrado pero con un final inchoherente y digamoslo forzado. El guión escrito por varias manos, esta centrado en los recuerdos reprimidos de la protagonista Virginia (Melissa Sue Anderson, la misma de la Familia Ingalls), quién tras un doloroso recuerdo inconscientemente bloquea sus recuerdos sin elaborar lo sucedido, pero debido al tratamiento con su doctor David Faraday (Glenn Ford) y algunos eventos ocurridos con sus amigos comienza a armar el rompecabezas de su accidente y del porque suceden las desapariciones. El film juega con las apariencias y la verdadera identidad del asesino, cuyos métodos pertenecen al género Giallo, clara inspiración para el desaparecido director J. Lee Thompson (el mismo de Cape Fear, 1962). El asesino utiliza guantes, armás blancas y mucho carácter innovador para llevar a cabo sus homicidios. Como en todo buen Giallo, hay varios sospechosos, incluyendo a la propia protagonista, la cuál piensa hacia el final del film que ella mísma es la responsable directa de los asesinatos. De hecho el final original del guión tenía dicha explicación, algo más coherente pero que fue cambiado a última hora por considerarlo muy predecible, por lo que se agregó el giro final. Virginia, esta felíz de ser incluida dentro del "Top Ten" escolar, juntándose con los chicos más ricos y más populares, pero quiénes se muestran extranos en su forma de actuar y de arriesgar sus vidas. Los jovenes beben continuamente yrealizan el juego de la "gallina" sobre un puente elevadizo, donde la velocidad y riesgo aseguran pasar al otro lado con vida mientras el puente se esta levantando. Este hecho será el detonante de los recuerdos de Virginia, pues es allí mismo donde ocurrió el fatídico accidente cuatro anos atrás. Virginia, asustada por revivir los hechos, aunque aún no lo sepa con claridad, visita la tumba de su madre, y le dice que estaría orgullosa de ella, pues ahora es querida y tenida en cuenta por los populares jovenes, principal objetivo de su madre, quién buscaba entrar en la alta sociedad más por el dinero de su esposo que por su linaje y era llamada de forma despectiva como "chica local" por parte de uno de los acaudalados padres.

La historia contiene un suspenso y una forma de desviar la atención originada por falsas apariencias, como la escena del principio donde Virginia cree ver una sombra en su bano, revelándose como un juego de luces, o la forma sospechosa de actuar de su companero más extrano Alfred, quién siendo un taxidermista experto en maquillaje, hace como original broma, una copia fiel de la cabeza de Bernadette, la primer chica desaparecida. Este recurso poco creible dará lugar a la explicación final, donde las apariencias terminan y el rostro del asesino es revelado. Mientras se acerca la fecha del cumpleanos, Virginia recuerda más momentos traumáticos desencadenados por las bromas particulares de sus amigos en la escuela, algunos de los cuáles fingen su propia muerte. Como lo dice el Dr. Faraday, "Tus amigos tienen un sentido del humor muy macabro"...Virginia, encuentra en la figura del Dr. Faraday, el reemplazo de su padre, quién siempre está lejos de casa y no cumple sus promesas de estar con su hija. Faraday, es el segundo personaje en importancia, pero es enganado de igual forma por el asesino. El desenlaze final, se da como no podía ser de otra forma, en el día de cumpleanos de Virginia, donde se revela el sorprendente giro, MAJOR SPOILERS! La aseina es la media hermana de Virginia, Ann, quién toma una máscara perfecta de Virginia realizada por Alfred, y comete los asesinatos haciendo creer que la joven es la culpable. Ann, toma de muy mala forma el descubrir que su padre tuvo un amorío con la madre de Virginia, dando como consecuencia su propia gestación. Asi que Ann, su media hermana decide revivir el cumpleanos de Virginia, pero esta vez haciéndolo perfecto, asesinando a todos los invitados originales de la fiesta, los cuáles no fueron por estar en la casa de Ann. Todos se olvidaron de Virginia tiempo atrás excepto Ann quién cumple el deseo de la madre en realizar el cumpleanos perfecto Fin SPOILER. Le perdonamos al director este poco creíble desarrollo de los hechos y típico final de dibujos Scooby-doo, pues el film cumple con el suspenso y ambientación para hacer de éste un buen clásico del género. Aunque en mi opinión no hubiese tenido nada de malo dejar a Virginia como la autora original de los crímenes en vez de utilizar un recurso tan reforzado.

El manejo de cámara y los efectos especiales están muy bien logrados además se destacan los flashback y la forma creativa de los asesinatos. Happy Birthday to Me es un film divertido y un buen exponente del cine de horror canadiense, recomendado.

Calificación: 7/10

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The Slasher Collection # 31: My Soul to Take (2010)

Titulo Original: My Soul to Take
Titulo hispano: Almas Condenadas
Género: Terror
País: Estados Unidos
Ano: 2010
Director: Wes Craven
Guión: Wes Craven
Intérpretes: Denzel Whitaker, Frank Grillo, Max Thieriot, Zena Grey
Productor: Wes Craven, Anthony Katagas, Iya Labunka
Fotografía: Petra Korner
Montaje: Todd E. Miller

Tagline: Only One Has The Power To Save Their Souls.

En el pueblo de Riverton existe la leyenda de un asesino en serie que volverá a la vida para asesinar a los siete niños que nacieron en la noche que éste murió. Ahora, dieciséis años después, varias personas comienzan a desaparecer. ¿Será que el asesino se ha reencarnado en uno de los siete jóvenes? ¿O será que realmente no murió aquella noche? Sólo uno de los jóvenes tiene la respuesta.


Todo tiempo pasado fue mejor. Y en el caso del director americano Wes Craven nunca ha sido más cierto tras ver su último slasher My Soul to Take (MSTT). Aunque cabe senalar que no todas las peliculas reconocidas del director han sido grandes modelos del terror, si que le debemos algunos de buenos films los cuáles distan de este ejercicio de búsqueda de dinero fácil con toques reminiscentres a su propia obra. El guión de MSTT firmado por el propio Craven, parace escrito por un adolescente quién trata de escribir una historia de miedo pero que se queda en la descripción de personajes planos e idiotizados cuya forma de vivir más parece la de una parodia de la vida escolar. Quizás lo más ridiculo del este film, embarcado en un típico terror adolescente americano, sean sus protagonistas y sus poco elaborados diálogos. Entre las "conversaciones" que resaltan dentro del film, se incluye a una víctima, quién a punto de ser acuchillada, le preguntan de quién se quiere despedir, por lo que se apresura a decir "de mis hijos no nacidos". En otro ejemplo, tenemos a la nina superficial quién supera sus miedos cuando "sale de compras", y finalmente hacia el final del film el joven protagonista busca desesperadamente al asesino, muy oculto dentro de su casa, y éste atina a llamarlo "destripador" esperando cándidamente su respuesta (?). El film tamién incluye a la adolescente religiosa quién cree ver senales cuando su madre le dice que llegará tarde al colegio, una senal al parecer de presagio de la llegada del asesino. También esta la joven mayor quién rige una especie de mafia escolar, donde se contabiliza el grado de paliza que se infringirá a los parias del instituto. Y para completar el protagonista y su amigo quién le aconseja que para ser hombre tiene que "fingir" y hacer creer que dsfruta de las palizas de sus victimarios.

Dialogos tontos para personajes tontos, conclusión sin empatía no hay interés y sin interés no hay historia. Esto nos lleva a pensar que es mejor cuando Craven dirige guiones escrito por otros pues su último guión original data de 1991 con su "People Under the Stairs", el cuál tiene sus propias fallas.

La fotografía es técnicamente correcta, aunque es evidente el uso de sangre digital, otro elemento dispersador del director. Entonces según lo dicho no hay verdaderamente nada rescatable del film? La respuesta está en sus primeros 9 minutos claro ésta. En ese tiempo se nos presenta al asesino, con reminiscencias a Fredy y a Shocker pero que de hecho funciona en captar nuestra atención, lastimosamente luego del "16 anos despues" este asesino se pierde en medio de una trama juvenil. La última media hora, desarrollada en la casa del protagonista involucra a cinco personajes distintos los cuáles no se enteran de nada y por si fuera poco dan explicaciones del porque. Es increíble que un director con tanto recorrido haga uso de este recurso tan facilista y ordinario.

En resumen, MSTT es una más de una lista de malos slashers el cuál solo busca atraer al público en base a su director. El film intenta ser fresco pero cae precipitadamente en el abismo de los clichés. Es mi firme candidata al peor film del 2010. Espero que no le haga dano en su promoción para la cuarta entrega de Scream, pero lo veo muy difícil....Sera que Craven perdió su mojo?

Calificación: 3/10

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The Giallo Collection # 13: Amer (2009)

Titulo Original: Amer
Género: Thriller
País: Francia / Belgica
Duración: 90 Minutos
Ano: 2009
Director: Bruno Forzani, Hélène Cattet
Guión: Bruno Forzani, Hélène Cattet
Intérpretes: Bianca Maria D'Amato, Cassandra Forêt, Charlotte Eugène Guibeaud, Delphine Brual, Harry Cleven, Marie Bos
Productor: François Cognard, Eve Commenge
Fotografía: Manuel Dacosse
Montaje: Bernard Beets

Alguien observa a una niña a través de la cerradura de una puerta. El viento levanta tenuemente la falda de una mujer bajo la mirada de un grupo de hombres. La fantasía de un vestido que se desgarra. Compuesta por fragmentos –de ojos, luces, sombras, gestos— y sin diálogos, Amer se adentra en la vida de Ana, a camino siempre entre lo real y lo imaginario.

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1426352/

Primerísimos planos, colores saturados, guantes y armas blancas. Sí, estamos ante un nuevo Giallo, una nueva gestacion que surge casi cuatro décadas despues desde su apogeo, un Giallo contemporáneo para mostrarnos que este subgénero está más presente que nunca y el cuál se niega a morir debido a la pasión desenfrenada de cineastas que se dejan seducir por sus virtudes. Para los directores Bruno Forzani y Hélène Cattet, Amer (del francés amargo) es una carta de amor escrita con dulces planos y tambien con un erotismo sádico, todo rodeado de una conseguida atmósfera. Siendo este su primer largometraje, los directores recogen y aplican con inteligencia los planos y secuencias que hicieron reconocer a los maestros italianos como Argento o Bava. Pero estos hábiles de la imágen no sólo se nutren del cine de los 70s, sino que crean a partir de él, conduciendo a éste Giallo hasta niveles muy estilizados. La imágen es la reina dentro de esta novedosa propuesta que es Amer, los sentimientos son transmitidos por expresiones faciales que llenan literalmente la pantalla y nos hipnotizan con su belleza. A través de su cuidada y creativa fotografía, vemos como como se esbozan los miedos de una nina, el erotismo representado mediante una falda al son del viento o el voyerismo que se revela a través de un ojo en el interior de una cerradura, voyerismo que tenemos presente en cada uno de nosotros los amantes del cine. El guión no puede tomarse como una historia con una narrativa clara o lúcida, es más una sencuencia de suenos y pesadillas que suceden a una mujer en tres etapas de su vida. La ninez de Ana se desarrolla a la par con sus miedos, expresados como formas misteriosas que observa desde su cuarto y un juego de luces saturadas con reminiscencias al Argento de Suspiria y Profondo Rosso. Estas son las secuencias ominosas más elaboradas y más surrales de todo el film. La adolescencia de Ana se nos exhibe con una fotografía diferente, llena de luz y elaborada con un marcado erotismo principalmente en locaciones en exteriores. Es en ella donde la luz de día se tranforma en un elemento importante para retratar el desarrollo corporal de Ana. Mientras que su parte final, nos muestra a una Ana adulta, con una sexualidad reprimida, retratada en forma eficiente en la secuencia del taxi donde el vehículo sirve como detonante de sus fantasías eróticas. Todas las bellas imágenes son acompanadas por la música recuperada de clásicos del género como la banda sonora compuesta por Bruno Nicolai para La coda dello scorpione, 1971 de o la de Stelvio Cipriani para La polizia chiede aiuto, 1974.

Amer es un placer visual y un deleite para los sentidos, una forma de hacer cine que llegará a lo profundo de los que amamos este subgénero. Damos gracias porque surgan propuestas que mantengan presente esta bella forma de hacer cine.

Calificación: 8/10

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The Monster Collection # 14: The Troll Hunter (2010)

Titulo Original: Trolljegeren
Género: Fantasia
País: Noruega
Duración: 90 Minutos
An0: 2010
Director: André Øvredal
Guión: André Øvredal
Intérpretes: Hans Morten Hansen, Johanna Mørck, Knut Nærum, Otto Jespersen, Robert Stoltenberg, Tomas Alf Larsen
Productor: Sveinung Golimo, John M. Jacobsen, Lars L. Marøy
Fotografía: Hallvard Bræin
Montaje: Per-Erik Eriksen

Tagline: You'll believe it when you see it!

Un grupo de estudiantes investiga una serie de misteriosas muertes asociadas a los ataques de oso, pero lo que encuentan es algo mucho más peligroso. Seguidos por su espiritu investigativo y aventurero, ellos comienzan a seguir a un misterioso cazador, quién no se enfrenta a criaturas convencionales. Lo que realmente caza este hombre son unas criaturas mitológicas llamadas Trolls.



"La verdad esta ahí afuera", decia Fox Mulder, popular personaje de la serie X-Files, frase que tendremos en cuenta para mostrar el planteamiento de este nuevo falso documental. The Troll Hunter (TTH) es un nuevo aporte que nos llega desde las frías tierras escandinavas, lugares referentes actuales del cine fantástico. Al igual que en la serie X-Files, el film se desarrolla bajo una negación e incubrimiento por parte del gobierno acerca de la existencia de unas criaturas que se creían de ficción. La forma narrativa que escogió el director André Øvredal es idónea para la historia, pues nuestros ojos curiosos son fundidos con el lente de la cámara de video la cual es manipulada por uno de los estudiantes protagonistas. La planeación de secuencias esta motivada por el misterio hacia las criaturas y el deseo de encontrarse con algo nuevo por parte del espectador, es así como al inicio se nos presenta los acontecimientos de forma azarosa, imágenes precipitadas por el enfrentamiento hacia lo desconocido. El miedo se apodera de los ingenuos estudiantes, quienes no tendran tiempo de pensar acerca de la realidad que se les esta presentando, recurriendo incluso a la negación o la incredulidad. Pero una vez se adentran en el mundo de un experimentado cazador, su percepcion cambiará y a la par lo hará las imágenes cada vez más cercanas y majestuosas exhibiendo toda la imponencia de estas criaturas mitológicas. La manipulación del guión esta presente en especial en lo referente a las reacciones de los documetalistas como la secuencia ambientada en la cueva de los Trolls en la que el camarógrafo sufre un ataque de pánico debido a sus creencias, momento que es tomado en cuadro por un muy conveniente posicionamiento de la cámara. Con todo, es el momento de más tensión del film elaborado de forma ingeniosa por el director. El verdadero protagonista del fim es el cazador, mientras que los estudiantes universitarios sirven como canal para encontrar la verdad. El actor Otto Jespersen quién hace el papel del cazador de Trolls, tiene un desempeno sobrio y contenido con unas trazas de humor fino e indudablemente valeroso como es repetido varias veces en los diálogos. Su personaje es un hombre curtido, cansado de su trabajo exigente y poco reconocido el cual siempre esta al filo del peligro. Éste es el mayor acierto del film, vivir a traves de los ojos del cazador y su varipinta vida nocturna.

Los efectos visuales son lo suficientemente buenos como para mantener el interés en la historia, la cual termina de forma abrupta como se esperaría en una cinta perdida. Los trolls son imponentes, mostrados en sus diversas modalidades desde trolls de la montana, del bosque o el troll colosal del tramo final. Además se introduce inteligentemente algunos conceptos desarrollados en la literatura escandinava, como la creencia religiosa y su detección por parte de las criaturas y el uso de la luz ultravioleta como elemento de transformación. Es sabido, que el miedo a la oscuridad hace parte de los seres humanos, mientras que la luz del sol despeja todos los monstruos que opuedan estar ocultos dentro de los ambientes oscuros. No es de extranar pues, que esta luz de longitud de onda corta, sirva a los escritores como recurso dispersor y mortal para los seres malignos llámense vampiros o llámense Trolls en este caso. Por otra parte, un aspecto más interesante y que no se profundizó lo suficiente es el debate moral acerca de la eliminación de las criaturas, mortales y preligrosas pero evidentemente torpes e idiotas como se nos muestran, pero a su vez indefensas frente al poder de destrucción humano.

TTH es un film fantástico, atrayente debido al acercamiento a la mitología Noruega filmado como falso documental pero lo suficientemente dinámico e interesante como para tenerlo en cuenta como uno de los films con monstruos más ingeniosos de nuestros tiempos, con permiso de "The Host" claro esta.


Calificación: 8/10

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Donnie Darko [2001]

Titulo Original: Donnie Darko
Género: Ciencia Ficción
País: Estados Unidos
Duración: 115 Minutos
Director: Richard Kelly
Guión: Richard Kelly
Ano: 2001
Intérpretes: Daveigh Chase, Holmes Osborne, Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Maggie Gyllenhaal, Mary McDonnell, Noah Wyle, Patrick Swayze
Productor: Sean Mc Kittrick, Nancy Juvonen, Adam Fields
Fotografía: Steven Poster
Música: Michael Andrews
Montaje: Sam Bauer, Eric Strand

Tagline: Life is one long insane trip. Some people just have better directions

Resumen
Donnie Darko (Jake Gyllenhall) es un joven inteligente, con problemas de autoridad quién durante varias noches camina dormido fuera de su casa. En una de esas noches, Donnie se encuentra con un conejo de 1.82 metros quién le dice que el mundo se acabará el 28 de octubre. Debido a su encuentro con el conejo, Donnie se libra de una muerte segura, pues un motor de un avión cayó esa misma noche en su habitación. Desde ese momento, el conejo llamado Frank, incita a Donnie a realizar actos vandálicos y le pregunta acerca de viajes en el tiempo. Donnie, reconoce en una anciana la escritora de "La Filosofía de los Viajes en el Tiempo", y cada vez sus visiones se asemejarán a lo descrito en el libro, en especial las "líneas" o "flujos" líquidos que salen del pecho de las personas. Estos flujos parecen ser los canales de la vida futura de las personas. Pero, que hará Donnie cuando vea su propio canal?


En el 2001, un novel director americano llamado Richard Kelly, sorprendió en su debut cinematógrafico con la premiada película Donnie Darko. Pero no fue fácil, el film tuvo problemas para encontrar distribución en los Estados Unidos, debido a que los mismos distribuidores estaban confundidos con el mensaje del film y de como debían venderlo. Y no sorprende el porque de esta situación, pues Donnie Darko es un film único, independiente, el cuál tiene mucho que ver con la cultura popular. Es ciencia ficción, tocando temas como viajes en el tiempo; es un drama familiar, al lidiar con un jóven esquizofrénico y sus problemas de adaptación a la sociedad; es un alegato contra la mala educación y una sátira política en el momento de elecciones, entre otras cosas. La película tuvo un éxito mayor en los videoclubes hasta convertirse en un film de culto. Kelly, autor del guión, realizó está fábula oscura con tintes de surrealismo envuelta en una completa recreación de los 80s. La música de la década forma una parte importante de la historia, hasta el punto de que varios pasajes están filmados como videoclips, ya sea para introducir nuevos personajes o para captar las reacciones de ellos antes los acontecimientos. Donnie, quién ha sido etiquetado como "intimidante" en su escuela, es un adolescente inteligente y adelantado, quién no encuentra en el sistema educativo la forma de potenciar el conocimieto. Y no lo culpamos, pues el Gurú del pueblo (Jim Cunningham), interpretado por un hilarante Patrick Swayze, trata de motivar a la gente con su modelo de autoayuda, encasillando los problemas en tan sólo desde dos conceptos, el miedo y el amor, olvidándose de la complejidad humana como lo reflexiona el personaje principal. Casi todos los maestros siguen como borregos esta deformación de la esenanza, hasta el punto de minimizar cualquier acto de pensamiento o rebeldía que se salga del esquema. Es allí, cuando aparecen la profesora de inglés (Drew Barrymore, productora ejecutiva del film), personaje con reminiscencias al profesor Keatin de "La Sociedad de los Poetas Muertos, 1989" y el profesor de física (Noah Wyle). Barrimore, trata de incentivar a los estudiantes a leer clásicos de Graham Green, pero pronto es acusada de provocadora y sus métodos son cuestionados pues incitan a la violencia y pornografía, al parecer mientras se mantenga una imágen pública impecable, no hay problema con que setenga toda una red de pornografía infantíl en el sotano como lo hace Cunningham. Donde están los verdaderos valores que se ensenan en las escuelas?. Mientras que el profesor de física, es quién puede tener conversaciones inteligentes con Donnie, quién acude a él con la filosofía de los viajes en el tiempo.

Kelly dejó el final a la interpretación del espectador, algo que es destacable porque además de hacernos sentir con sus personajes nos hace pensar y sacar nuestras propias conlcusiones. Se podría pensar que el motor del avión, en un momento futuro cayó a través de un agujero de gusano hacia el pasado, específicamente 28 días antes, en el instante en que Donnie esta acostado en su cama, quién toma la decisión de esperar la muerte segura y salvar su mundo. En realidad Donnie, como se lo dijo a Gretchen, es un superheroe después de todo. La paradoja puede ser resuelta si se mira desde el punto de vista de universos paralelos, pero, en realidad no importa cuales sean las conclusiones que saquemos, lo importante es que Donnie Darko es un film que nos de una sacudida a nuestras mentes. Es una pena que Kelly no llegará a este nivel es sus dos siguientes películas, la fallida "Southland Tales, 2006" y "The Box, 2009", ahora mismo en cartelera, que se queda en medio camino entre el horror y la ciencia ficción. En el 2009, salió la secuela llamada "S. Darko", en la que Samantha, la pequena hermana de Donnie y estrella de "Chispitas" crece para sufrir un destino parecido al de Donnie. El film no aporta nada al universo Darko, y es tomado simplemente como historia predecible teniendo en cuenta que se dedica a calcar los trazos más sobresalientes de la original.

El mensaje del film es claro: "Todas las críaturas vivientes mueren solas" y está muerte puede llegar en la forma de un motor de un avión que cae encima de la habitación....

Como curiosidad, hay varios hechos relacionados con los números que son más que coincidentes. El film se desarrolla en 1988. Frank le dice a Donnie que el mundo se terminará en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos, si se suman estos números da 88. De acuerdo a la reportera de televisión, el incendio en la casa de Jim Cunningham fue extinguido a las 8 pm. El vuelo en que casi ocurre el accidente mortal es el vuelo 2806 el cuál se abordó en la puerta 42 a las 12 am. El climax del film ocurre el 28 de octubre de 1988 una semana antes las elecciones presidenciales en las que George Bush ganara en noviembre 8.

Es curioso también que las "ensenanzas" de Cunningham describan las drogas, alcohol y el sexo premarital como "instrumentos del miedo", y no es hasta que Donnie realiza estos tres actos que su vida termina.

Calificación: 8/10

Trailer:


El tema final "Mad World" se convirtió en un éxito tras el film, mientras que el videoclip de la versión de Gary Jules y Michael Andrews fue dirigido por el genial director francés Michel Gondry. Aca tiene el video:

The Giallo Collection # 12: The Designated Victim (1971)

Título Original: La vittima designata
Título en Espanol: La Víctima Designada
Ano: 1971
País:Italia
Género: Giallo
Director: Maurizio Lucidi
Productor: Pier Ludovico Pavoni, Vittorio Pinelli
Guión: Augusto Caminito, Aldo Lado, Maurizio Lucidi, Antonio Troiso
Intérpretes: Tomas Milian, Pierre Clémenti, Katia Christine, Luigi Casellato, Marisa Bartoli, Ottavio Alessi, Alessandra Cardini, Enzo Tarascio, Carla Mancini, Bruno Boschetti
Música: Luis Bacalov
Fotografía: Aldo Tonti

Un adinerado conde conoce a un desilusionado hombre de negocios llamado Stefano quién tiene un conflicto con su esposa. El conde tiene sus propios problemas con su maléfico hermano, por lo que le plantea un negocio a Stefano, él se encargara de matar a su esposa mientras el asesine a su hermano. Stefano no se lo toma en serio, pero las cosas para él cambiarán cuando la policía encuentre el cadaver de su esposa y el conde le exiga cumplir con su parte, para conseguirlo el conde dejará evidencias que inculpan a Stefano....

La influencia del maestro Hitchcock es muy grande produciendo la inspiración de numerosos realizadores a lo largo de todo el mundo. El director Maurizio Lucidi tomaría prestada la historia de "Strangers on a Train" y la adaptaría a una historia italiana pero con el mismo fin, el doble asesinato sin motivos, sin sospechosos, el crímen perfecto. Al igual que en el caso del film del director británico, el protagonista de La Víctima Desiganada ve como su esposa es asesinada, mientras que él mismo se convierte en el principal sospechoso, debido a una relación extramatrimonial que tiene y a una disputa de los negocios familiares. Stefano no es un jugador de tenis, pero es un hombre de negocios quién ya no esta enamorado de su posesiva esposa y tiene una amante con quién planea fugarse a Venezuela vendiendo parte de su negocio, pero para ello necesita la firma de su cónyuge. Stefano es un hombre mentalmente castrado, atrapado, quién no es capaz de tomar decisiones firmes y simplemente se aguanta su situación. Su esposa, es dominadora y es quién se ha llevado parte de su masculinidad. Es así como mientras está de paseo con su amante en Venecia , conoce al conde Matteo (en una escena inicial enganosa por parte del director, donde se introduce el personaje a partir de una mano enguantada la cuál sugeriría la presencia de una mujer, pero no es más que Matteo), un hombre de apariencia femenina, quizás "Andrógina" cuya bisexualidad esta a flor de piel. En varios encuentros casuales, se hacen amigos y es donde Matteo le propone el elaborado plan al inocente Stefano. Entre los dos personaje hay una atracción homo-erótica, representada en los movimientos delicados y suaves de Matteo, las caminatas "románticas" que toman y la empatía con se observa con el personaje de Stefano. Stefano ve como Matteo hace lo que el no pudo hacer, desacerse de su esposa. Matteo es alguién quién actúa en contratse con la pasividad de Stefano. Esta construcción de los personajes y la psicología inherente a ellos es el punto fuerte del guión escrito entre el propio director y Aldo Lado (Last Night Train, 1975), un reconocido escritor y director italiano cuya influencia en el acabado final del film es evidente (además de ayudara en la escritura del guión se encargó de la segunda unidad en la dirección). La historia está bien desarrollada pero hay que recordar de donde parte y de sus influencias, de las cuáles se desentiende sobretodo en su tramo final, donde el personaje de Stefano hará algo muy diferente a lo propio del jugador de tenis. A pesar del gran estilo visual y de la excelente fotografía de las dos ciudades en las que se desarrolla el film, milan y Venezia y de una adecuada y competente música, The Designated Victim es un film con un toque personal que se desvía del típico giallo italiano, en el sentido de las muertes, el asesino y las escenas eróticas. En esta ocasión, el director Lucidi escoge crear la tensión sin mostrar los asesinatos en pantalla, de hecho sólo hay uno después de 40 minutos de metraje. Las tomas son un poco más largas de lo que se tiene acostumbrado en este estilo de hacer cine, con menos planos detalle y dejando a los personajes femeninos en un segundo plano, ya sea como víctima del asesino (esposa de Stefano) o soporte amoroso del personaje (amante de Stefano).

The Designated Victim destaca por se un remake competente con sabor italiano, con una buena atmósfera melancólica soportado por unas excelentes actuaciones, pero cuya etiqueta de Giallo es enganosa en la mayor parte del film. Mas thriller y película criminalista que Giallo, el film de Lucidi tiene elementos propios que lo hacen un film digno de ver.

Anos más tarde el director Argento también homenajearía al director británico con su "Do You Like Hitchcock?, 2005" con un resultado regular.

Calificación: 6/10

Trailer: