The Supernatural Collection # 18: Prince of Darkness (1987)

Título Original: Prince of Darkness
Director: John Carpenter
Productor: Larry J. Franco
Guion: John Carpenter
Fotografía: Donald M. Morgan
Edición: Gary B. Kibbe
Año: 1987
País: Estados Unidos
Intérpretes: Donald Pleasence, Jameson Parker, Victor Wong, Lisa Blount, Dennis Dun, Susan Blanchard, Alice Cooper

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0093777/reference
Tagline: Where are you...? Christ?


Cansado de los estudios de Hollywood, John Carpenter decidió salirse de ese medio y volver a sus raíces, es decir, regresar a la manufactura de historias pequeñas, independientes y sobre todo controlables. Debido a ello, aceptó realizar cuatro largometrajes para el sello Alive Films, pues le cedieron el control total de sus historias, a partir de solo un esbozo de sus ideas. Prince of Darkness (El Príncipe de las Tinieblas), es una película de horror intelectual, basada en soporte científico y dogmático, centrada en pocos personajes, aunque tiene que ver también con el fin del mundo, tan así, que es su segunda parte de la denominada trilogía del Apocalípsis. El filme funciona como historia contenida con los habituales efectos creativos de bajo presupuesto, además del suspenso y tensión que maneja el director. Sin embargo, la historia posee muchas capas, y muchos detalles que confunden un poco al espectador, sobre todo al inicio del filme, y falla además en crear un ritmo atrapante.

Hace 2000 años existe sobre la tierra la llamada "Hermandad del Sueño", quienes se han mantenido en secreto para el resto del mundo. Pero, el padre Carlton, el guardián de una llave importante para la hermandad ha muerto, y el secreto de sus compañeros no puede sostenerse más debido a que hay un mal que se está despertando. En lo profundo de un sótano de una antigua iglesia, ubicada en la ciudad de Los Ángeles, se encuentra un artefacto lleno de un líquido verde que parece tener vida propia. El nuevo cuidador de la llave (Donald Pleasence), reconoce la necesidad de obtener ayuda científica, filosófica y teológica para tratar con este mal creciente. Es por ello, que le pide ayuda al profesor Birack (Victor Wong). El profesor enlista a algunos de sus más brillantes alumnos, con la promesa de subir sus notas, para que pasen un fin de semana con él en la iglesia y hagan un estudio científico. Inicialmente, el profesor se muestra escéptico en cuanto a las teorías dogmáticas, tratando de encontrar explicación a sus mediciones por medio de la teoría cuántica y el tiempo no lineal. Sin embargo, pronto se dará cuenta de que no hay dudas de la presencia de un ser maligno en el sótano que quiere revivir entre nosotros, como una fuerza negativa del mundo que lo destruirá.

John Carpenter escribió el guion de Prince of Darkness bajo el seudónimo de Martin Quatermass, todo un guiño al escritor Nigel Kneale y sus historias de Quatermass, de la cual se inspira Carpenter, en especial de la historia de Quatermass and the Pit (1967). El guion se destaca por ser un estudio acerca del Apocalipsis del mundo visto desde varias teorías, pero todas confluyendo a la materialización de un ser maligno, que puede mover objetos con la mente y además puede tomar posesión de los humanos. La historia, que es entretenida y atrapante, también tiene su parte negativa, debido al gran número de ideas y de diálogos sin sentido, que tienen los protagonistas y no es claro que es lo qué se estudia en la iglesia, como se preguntan constantemente los científicos. Es decir, hay momentos en que los actores parecen no entender muy bien de que va el guion así como lo siente el espectador, problema aumentado por la falta de ritmo inicial del filme. Esta confusión distrae un poco al espectador, quien es atrapado de nuevo solo por la maestría de la tensión y el manejo del suspenso que hace el director. Carpenter decide crear una historia de horror creciente, pero al fallar en explicar las ideas del filme, éste se resiente a nivel rítmico, solo para recuperarlo de buena forma en la segunda parte del metraje. Para destacar, las escenas finales y el manejo de los espejos, toda una muestra de creatividad al usarlos como un portal hacia otra dimensión. Todos los efectos, fueron realizados con bajo presupuesto y con predilección por la creatividad, pero siendo siempre eficientes y contundentes. En el filme existen un buen puñado de ellos, como por ejemplo el líquido verde que cae hacia arriba (un efecto simple de cámara invertida), el espejo convertido en líquido (manejado con una gran iluminación y una piscina) o actos de violencia que se alejan del detalle, como algunas muertes de los personajes.

En Prince of Darkness, Carpenter toma prestado algunos elementos de su propio cine, como el regreso a la historia de asedio, como ya lo hiciera en su imprescindible Assault on Precint 13 (Asalto a la comisaría 13, 1976), o el protagonismo "coral" que utilizara en The Fog (La Niebla, 1980). En el filme, todos los personajes tratan de ayudarse, sin saber con que tratan realmente, mientras que sus actuaciones y miedos son más creíbles debido al uso de actores semi desconocidos, aunque algunos de ellos repitieran con el director tras su trabajo inmediatamente anterior en Big Trouble in Little China (Rescate en el Barrio Chino, 1986), como por ejemplo Dennis Dun y Victor Wong. La excepción sería el actor Donald Pleasence, aunque su personaje deambula entre los otros sin tomar de lleno todo el protagonismo. Por otro lado, Carpenter se inspira en otros directores de género, como por ejemplo, el asedio de los indigentes poseídos, tomado del cine de Romero, el uso de insectos como seres vivientes fácilmente controlables, tomado del cine de Argento, la escena del apuñalamiento con tijeras, guiño también a Argento, posesiones de los personajes, tomado del filme The Evil Dead (1981) de Sam Raimi, etc.

La atmósfera inquietante está presente en todo el metraje, en particular con los movimientos extraños de los indigentes alrededor, y del peligro interno cuando algunos personajes son transformados. La tensión está allí, sin poder salir al exterior, los personajes restantes deberán encontrar un escondite dentro de alguna habitación. Todo el misterio y la tensión se incrementan con la creación musical original de Carpenter y Alan Howarth, que cazan perfecto con el tono del filme. El sueño "compartido" es otro elemento destacable, que ayuda al ambiente macabro del mismo.

Prince of Darkness, fue un éxito de taquilla para el director, el cual demostró una vez más su talento para la creación de historias mínimas con bajo presupuesto, soportado solo por su talento y el del equipo de trabajo. Aunque la historia se torna compleja en un principio, retoma las riendas en la segunda parte del metraje para brindar un horror contundente, como si fuese una historia basada en un cuento de H.P. Lovecraft, con un final más que decente. Sin ser uno de sus mejores filmes, Prince of Darkness es una película que vale la pena redescubrir y apreciar como un producto de terror sólido. Como curiosidad, el jefe de la pandilla de indigentes es interpretado por el ícono del rock Alice Cooper, del que se utiliza una de sus canciones llamada de la misma forma que la película. También es curioso la forma en la que se presentan los créditos iniciales, los cuales se extienden por un tiempo de diez minutos, intercalando nombres y escenas del filme. Finalmente, el símbolo que aparece en uno de los brazos de la protagonistas, que se dice ser antiguo, es el símbolo de la banda de rock americana Blue Öyster Cult.

Trailer:

The Supernatural Collection # 17: The Fog (1980)

Título Original: The Fog
Director: John Carpenter
Productor: Debra Hill
Guion: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Edición: Charles Bornstein y Tommy Lee Wallace
Año: 1980
País: Estados Unidos
Intérpretes: Adrienne Barbeau, Jamie Lee Curtis, Janet Leigh, Tom Atkins, Charles Cyphers, Hal Holbrook, Nancy Loomis.

Tagline: What you can't see won't hurt you...it'll kill you...
imdb: http://www.imdb.com/title/tt0080749/reference

Después del cambio de registro con el biopic Elvis (1979), John Carpenter volvería al cine de género, con una historia de fantasmas muy a su estilo, con suspenso creciente y muy creativa. Al igual que la mayoría de sus anteriores obras, La Niebla contó con un apretado presupuesto, pero gracias al ingenio del director y a la gran labor del director de fotografía Dean Cundey, el filme maneja perfectamente unos artesanales efectos visuales, con las actuaciones de su protagonistas, los cuales en esta ocasión están repartidos en varios personajes. El filme es entretenido de principio a fin, respirando esa magia ochentera muy difícil de igualar.

"Es casi medianoche, hay tiempo para otra historia. Otra historia antes de las 12, para mantenernos en calor. En cinco minutos será el día 21 de abril. Hace cien años, un 21 de abril, en las aguas de Spivey Point, un pequeño barco se dirigía hacia tierra. De repente, en medio de la noche, apareció la niebla. Durante un momento no podían ver nada, ni siquiera a 30 cm delante de ellos. Y después vieron una luz. Dios mío, había una hoguera ardiendo en la orilla. Suficientemente fuerte como para atravesar los remolinos de bruma. Siguieron en dirección a la luz. Pero era una hoguera como esta. El barco chocó contra las rocas. El casco se partió en dos. El mástil se quebró como una rama. Y los restos del barco se hundieron con todos los hombres a bordo. En el fondo del mar quedó el Elizabeth Dane con su tripulación, con los pulmones llenos de agua salada, los ojos abiertos y mirando a la oscuridad. Y arriba, igual de rápido que vino, se levantó la niebla, se retiró a través del océano y ya nunca volvió. Pero cuentan los pescadores, sus padres y sus abuelos que, cuando la niebla regrese a Antonio Bay, los hombres en el fondo del mar, en las aguas de Spivey Point, se levantarán y buscarán la hoguera que los condujo a su oscura y helada muerte. Las doce en punto. 21 de abril".

Así comienza La Niebla, con este hermoso prólogo de un viejo capitán a la luz de una fogata y con unos pequeños atrapados por la historia. Esa misma noche, justo a la víspera del cumpleaños número 100 del pueblo costero Antonio Bay, una niebla comienza a acercarse, poco a poco, pasando primero por un barco pesquero del cual no queda vivo ninguno de sus tripulantes. ¿La razón?, la niebla no viene sola, dentro de ella hay un grupo de almas vagantes con sed de sangre, pues el pueblo al que le pidieron ayuda les dio la espalda, ahogándolos en el mar, solo por el hecho de ser leprosos, además que les robaron todo su oro. El pueblo está en peligro, y sólo las advertencias de Stevie Wayne, la DJ local, harán eco en los protagonistas, a los que incluye su pequeño hijo, la esposa de uno de los pescadores muertos y una pareja que recién se conoce, entre otros. La niebla recorrerá el pueblo dejando cada vez menos lugares para esconderse, mientras los protagonistas corren contra el reloj para encontrar la forma de liberarse de esta maldición.

Desde el comienzo, el filme presenta una gran ambientación, con la historia en la hoguera (escena adicionada al final de la grabación, debido al metraje tan corto de la edición final). Las palabras del viejo capitán, no solo cautivan a los niños, sino también a los espectadores, los cuales se imaginan antes de que aparezcan en pantalla, las criaturas que hay en la niebla. Así mismo, y por fortuna, el buen manejo que le imprime Carpenter a la historia, hace que se construya el suspenso, dejando a los seres ávidos de venganza para que permanezcan escondidos en la niebla, solo permitiendo ver en las escenas iniciales, los garfios que caen sobre sus víctimas. La historia coescrita entre Carpenter y su productora del momento, Debra Hill, dio excelentes resultados desde su anterior colaboración en Halloween (1978), y acá no es la excepción. La Niebla es una historia de fantasmas, pero contada de una manera original, además que no hay un protagonista único, pues sus diversos personajes luchan por sobrevivir en diferentes lugares, hasta el punto de que por ejemplo, el personaje dueña de la radio estación, interpretada por la esposa de Carpenter en el momento, Adrienne Barbeau, nunca comparte pantalla con ninguno de los otros actores, a excepción de su hijo, pero es un personaje clave para guiar a los demás mediante sus ojos desde lo alto, pues el personaje está ubicado en un faro, teniendo comunicación con todo el pueblo por intermedio de la radio. La excelente fotografía y puesta en escena, logra otorgar una mayor calidad técnica y apariencia de mayor presupuesto, algo habitual en el director. La niebla, es un ente palpable, que se reparte por doquier y además brilla en la oscuridad, sobre todo en las grandiosas escenas de la playa. Acompañan a Barbeau, la actriz Jamie Lee Curtis, una de las grandes heroínas del género, descubierta por el director dos años atrás en el clásico Halloween, aunque en esta ocasión cede mucho su protagonismo. También aparecen otros actores habituales al cine de Carpenter como Charles Cyphers, Nancy Loomis -ambos actuaron también en Halloween-, y algunos primerizos con el realizador, como la propia madre de Lee Curtis, Janet Leigh (Psycho -Psicosis, 1960) o Tom Atkins (Escape From New York - Escape de Nueva York, 1981).

Buena parte de los personajes fueron nombrados por amigos o ídolos del director, por lo que están por ejemplo, los nombres de Nick Castle (quien interpretó al propio Michael Myers en Halloween, además que coescribió el siguiente filme de Carpenter, Escape From New York, Escape de Nueva York), Dan O'Bannon (su compañero de estudios y coescritor de Dark Star, el debut cinematográfico de Carpenter), o Tommy Lee Wallace (editor de Halloween y de este mismo filme). Adicionalmente, el director ha recurrido varias veces al cameo, emulando al maestro Hitchcock, por lo que se reservó una escena al inicio del filme, como ya lo hiciera en el filme Elvis. La música original fue igualmente compuesta por el realizador, otorgándole ese sonido único que acompaña a la perfección el tono del filme.

La historia es por momentos espeluznante, con algunos trazos de gore, aunque sin ser en ningún momento un filme sangriento. Cabe destacar la escena en el hospital, cuando el cadáver del pescador se levanta para asustar al personaje interpretado por Jamie Lee Curtis, o todas las escenas al interior y exterior de la radio estación, ubicada en un hermoso faro, un perfecto lugar para rodar la historia, el cual posee un largo y siniestro camino para llegar a él. Así mismo, se destaca la persecución final a la locutora, quien no le queda más remedio que trepar hasta el techo faro, siendo perseguida por varios de los seres de ultratumba, momento en el cual Carpenter decide hacer un plano más detallado de sus rostros llenos de gusanos, algo quizás innecesario de acuerdo al tono que se había construidos anteriormente.

La Niebla es una historia sólida, con una fotografía única, siendo además un éxito de taquilla, aunque la crítica fuera un poco más reservada. Pero debido a esto, y a que en los últimos años se ha dado una re visitación a algunas de las historias de Carpenter, incluyendo a La Niebla, la película inspiró un remake totalmente fallido, producido en el 2005 y dirigido por Rupert Wainwrigth, siendo uno de los peores fiascos del cine de terror. La Niebla es un filme que se ganó su condición de clásico a pulso, una obra creativa y artesanal en el que convergen los diversos talentos de personas que aman lo que hacen y que encuentran en el cine de género una forma de narrar historias atrapantes, entretenidas e inolvidables.

Calificación: 7/10
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The Supernatural Collection # 16: Let's Scare Jessica to Death (1971)

Titulo Original: Let's Scare Jessica To Death
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 89 Minutos
Ano: 1971
Director: John Hancock
Guión: Lee Kalcheim, Ralph Rose
Intérpretes: Barton Heyman, Gretchen Corbett, Kevin O'Connor, Zohra Lampert
Productor: Bill Badalato, Charles B. Moss Jr.
Fotografía: Robert Baldwin
Música: Orville Stoeber

Tagline: Something is after Jessica. Something very cold, very wet... and very dead...

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0067341/


Este clásico de principio de los anos 70 se ha filmado de una forma apacible con elementos de horror gótico que van creciendo a medida que el personaje principal se va desestabilizando. La historia comienza cuando Jessica, una mujer con problemas mentales, quién recientemente ha salido de una institución, es llevada por su marido y un amigo a vivir a un lugar rural, a una granja donde piensan dar un nuevo comienzo a sus vidas. Pero en el transcurso del camino, cuando se detienen en un cementerio para que Jessica copie la textura y los grabados de unas tumbas (muy macabro proyecto), Jessica comienza a ver a una nina a lo lejos. Desde ese momento Jessica se cuestiona si lo que esta viendo es verdad o sólo es su imaginación, pero por el miedo a ser cuestionada o devuelta a la institución se guarda sus visiones para sí misma. Cuando llegan a la granja, Jessica observa a una mujer dentro de la casa, con senales de temor, Jessica se queda paralizada pero por fortuna el esposo la calma diciéndole que él también vió a alguién dentro de la casa. Cuando encuentran a la persona, resulta ser una hermosa mujer que esta viviendo en la casa pues la consideraba abandonada. Jessica la invita a aquedarse por la noche con ellos mientras cenan juntos. Al otro día comienza la nueva vida para ellos, a pesar de que los habitantes del lugar se muestran como personas recelosas e inquietantes para con ellos. Jessica mira como sus visiones se van mezclando con la realidad dando origen a un final escalorfriante...

La película ha sido influenciada claramente por el clásico de Polanski "Rosemary's Baby, 1968" en la forma en como retrata los rostros de los vecinos del pueblo, la deformación de sus caras, las tomas cercanas con gran angular que muestran el sentimiento hostíl que se siente con ellos. Además, Jessica comparte con su hermana de ficción Rosemary, la paronia y la constante desazón que siente al no saber si en realidad los hechos que está experimentando son producto de su fantasía, su imaginación o por el contrario es algo muy real y tangible. Jessica es un personaje que se va transformando, se sabe parte de su pasado mediante los diálogos del esposo y sus pensamientos internos. En un buen esfuerzo de la actriz que interpreta a Jessica, Zohra Lampert, junto con los pensamientos del personaje que nos llega a nosotros por medio de una constante y a veces terrorífica voz en off, vemos como Jessica trata de encajar de nuevo en la sociedad y en particular dentro de su familia. Para ello oculta sus reacciones frente a la extrana atmósfera que va observando. Esto es muy bien retratado en una escena en la que Jessica, durante una escena con su esposo, el amigo y la desconocida, se esfuerza para reir de una broma que no entiende ni ha prestado atención solo para sentirse normal dentro de su grupo social.

La granja a la que llegan puede ser vista como una casa embrujada, pues según la leyenda de la película la hija de los anteriores duenos murió antes de contraer matrimonio y su espiritú anda rondano el lugar. Jessica por supuesto, tiene visiones de una mujer en el fondo de un lago quién trata de arrastrarla con ella. Pero no sólo están estas apariciones sino también la nina quién trata de comunicarle algo pero está incapacitada pues no puede hablar. Let's Scare Jessica to Death es un thriller melodramático y psicológico el cual es narrado de forma pausada, desde el punto de vista de su protagonista, de nuevo como en el caso de Rosemary, mediante el uso de pequenos personajes y en general espacios cerrados como la casa, elaborando de esta forma la claustrofobia y los miedos internos del personaje principal algo que logró muy bién el director John Hancock. Lo mejor del film es la ambiguedad que nos presenta el director, pues como se lo pregunta el mismo personaje principal en un punto del film, que es real y que no. Una vez termina el film es el espectador quién decide escoger si estamos en un pueblo lleno de una especie de no muertos sedientos de sangre quienes están tras Jessica, o todo es una imaginación de una enferma mujer. Llegados a este punto, el final es desolador e inquietante debido a esta ambiguedad. Se entiende porque este film es uno de los favoritos del escritor Stephen King...

Calificación: 7/10

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The Supernatural Collection # 15: The Ward (2010)

Titulo Original: The Ward
Titulo Hispano: El Pabellón
Género: Terror
País: Estados Unidos
Ano: 2010
Director: John Carpenter
Guión: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen
Intérpretes: Amber Heard, Danielle Panabaker, Jared Harris, Lyndsy Fonseca, Mamie Gummer, Mika Boorem
Productor: Peter Block, Doug Mankoff, Mike Marcus, Andrew Spaulding
Fotografía: Yaron Orbach
Música: Mark Kilian
Montaje: Patrick McMahon

Tagline: Only Sanity Can Keep You Alive

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1369706/



No hay lugar a dudas que el nombre de John Carpenter ha resaltado como uno de los grandes directores del cine fantástico y de terror americano en las décadas del 80 y 90. Con gran pulso para la narrativa y empleando generalmente bajos recursos ha brindado joyas del cine como The Thing o In the Mouth of Madness sin olvidarnos también de uno de los slashers más famosos, Halloween. Carpenter quién trás su film Ghost of Mars del 2001, permanecería en silencio durante diez anos hasta este su nuevo estreno. Durante su período asusente, Carpenter aportó su talento para la serie Masters of Horror con dos espisodios personales, dotados de su particular visión siendo quizás Cigarette Burns el mejor episodio de toda la serie. Es pues, que los aficionados estuviésemos impacientes por ver su regreso a la pantalla grande, pero éste sería de forma dispareja, pues The Ward es su film más impersonal. La historia nos sitúa en 1966 en North Bend, Oregon, donde una jóven llamada Kristie es encerrada en una institución mental trás ser capturada por la policía cuando incendió una casa. Sin tener memoria de porque lo hizo, Kristie es confinada en la institución en cuyo pabellón conoce a sus companeras quiénes son tratadas por el Dr. Gerald Stringer. Los métodos empleados por el Dr. incluyen el uso de drogas y en casos más extremos el electro-shock. Cuando pasa el tiempo, Kristie empieza a notar que sus companeras van desapareciendo uno a una, mientras ella misma se percata de la presencia de un fantasma que la empieza a acosar. La motivación por la supervivencia obliga a Kristie a organizarse con sus companeras y tratar de escapar del recinto antes que sea demasiado tarde..

The Ward no fue escrita por Carpenter, sino por los debutantes Michael y Shawn Rasmussen (quiénes pronto debutarán también en la dirección con Dark Feed que se encuentra en post-producción), algo que evidentemente juega en contra del film, pués el guión toma varios elementos "prestados" de otros films ni que decir de su final ni de sus numerosos momentos de susto imprevistos. SPOILERS El final del film es equiparable a la última obra maestra de Scorsese, Shutter Island, la cuál se estrenó meses antes que The Ward viera la luz. Además, los distintos personajes que representan cada una de las personalidades de Kristie, ya se había retratado de mejor forma en el excelente film Identity de James Mangold. Dos comparaciones que disminuyen notablemente la calidad del producto final. No olvido mencionar igualmente la última escena del film, dedudora de Phantasm y A Nightmare on Elm Street, cuya finalidad en The Ward carece de sentido. FIN SPOILERS.

Los diálogos son escuetos y hacen ver mal a los personajes pobremente caracterizados y claramente forzados por los clichés del psicoanálisis visto desde celuloide. Sólo Amber Heard y su doctor (Jared Harris) lográn trasmitir algún sentimiento en el espectador haciéndonos interesar por la historia. Amber, una confesa admiradora del cine de Carpenter, ha participado en dos thrillers revisitados, The Stepfather y And Soon the Darkness, en esta última haciendo también las veces de productora, mostrándo su predilección por este tipo de films. Amber combina belleza y talento que la pueden llevar más lejos si sabe escoger bien sus papeles. Ahora, si obviamos los clichés, los momentos de susto fácil y el CGI tan evidente, hay que decir que The Ward no aburre en ningún momento. El film se sostiene por Amber Heard y por la capacidad de Carpenter para narrar. La sobresaliente fotografía acompana la visión de Carpenter para crear atmósferas. El director toma su tiempo para mostrarnos el pabellon, construyendo poco a poco la tensión de la protagonista.

The Ward no es el regreso triunfal de Carpenter, pero es un regreso al fin y al cabo. Se extrana el uso de las composiciones musicales de Carpenter y su aporte en el guión, elementos que nos hace pensar de éste como un film impersonal. Pero en definitiva es un film entretrenido, y nos alegra que el artesano este de vuelta. Ojalá que en su siguiente película tome más control sobre su producción....

Calificación: 6/10

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The Supernatural Collection # 14: Phantasm (1979)

Titulo Original: Phantasm
Titulo Hispano: Fantasma
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 88 Minutos
Ano: 1979
Director: Don Coscarelli
Guión: Don Coscarelli
Intérpretes: A. Michael Baldwin, Angus Scrimm, Bill Thornbury, Kathy Lester, Reggie Bannister
Productor: New BreedProductions
Fotografía: Don Coscarelli
Música: Malcolm Seagrave
Montaje: Manga Films

Tagline: If you're looking for horror that's got balls...IT'S FOUND YOU.

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0079714/



Despues de trabajar en un drama y una comedia el director Don Conscarelli irrumpió en el horror con un viaje psicodélico a través de sus fantasias más oscuras representadas por la figura de un hombre alto. Si bien, los guiones de Coscarelli no son perfectos, pues como en esta ocasión poseen fallos en diálogos y situaciones irreales de los personajes frente a una situación determinada, si que tienen un encanto inherente que logra sobresalir sobre el producto final. Coscarelli rodó el film en varios fines de semana, maximizando al máximo el equipo rentado. La idea le surgió a través de un sueno donde era perseguido en unos corredores de mármol por una esfera que trataba de atravezar su cráneo. Dicha escena utilizada en el film ha sido icónica dentro del cine de serie B así como su estrella principal, Angus Scrimm, el misterioso hombre alto que maneja la funeraria. La extrana historia comienza con Mike, un adolescente quién trás perder a sus padres teme por quedarse sólo, pues su hermano Jody parece que lo va a abandonar. Es por ello que Mike sigue a su hermano a todas partes inclusive al entierro de su amigo donde ve por primera vez al hombre alto. Mike se queda hasta después del entierro y observa que el hombre alto se lleva el ataud con el amigo de Jody. La curiosidad de Mike lo lleva a presenciar un malévolo plan del hombre alto que incluye unos extranos seres y unas esferas asesinas.....

Lejos de ser una maravilla, Phantasm sabe retratar oscuras fantasias, narradas desde las experiencias de un adolescente quién necesita desesperadamente llamar la atención de su hermano. Por otro lado, el film trata de una forma diferente el mundo de los zombies, con un original punto de vista del uso de los cadáveres. Los puntos más altos del film incluyen todas las apariciones de el hombre alto y su extrano lugar. Estas escenas sinestras son en realidad inspiradas como se observa, con el extrano mundo paralelo y las pesadillas de Mike, las cuáles debido a una abrupta edición no se sabe si son realidad o pesadillas del jóven. Al parecer el primer corte que realizó el director sobrepasaba las tres horas por lo que fue necesario reducirlo hasta la versión que se estrenó, dejando de lado quizás una edición más fluída, pero paradójicamente ésto es parte del encanto del film. El material extra fue posteriormente utilizado en la cuarta entrega de la serie, Phantasm IV: Oblivion. El final, muy adecuado para la historia, tienen un gran porcentaje de similitud con el famoso salsher de Craven que vendría unos anos después. Angus Scrimm quién prácticamente no tiene diálogos en la película, llena con su majestuosidad la pantalla en especial con su caminata en slow motion quién con su olfato detecta la presencia de su jóven enemigo. Misterioso e imponente, El hombre alto es uno de los íconos de serie B.

A pesar de las ganas con que Coscarelli filmó Phantasm, y de la creatividad expuesta, no tendría el mismo desempeno con el guión, olvidándose de desarrollar mejor los personajes en particular el hermano de Mike, Jody quién parece no estar nunca en el lugar que es, no se cuestiona lo que ve, actuando sin exponer ninguna sorpresa ante los extranos eventos que están ante sus ojos o las apariciones repentinas de su hermano. Es impagable la cara que pone cuando ve por primera vez la prueba de los eventos sobrenaturales con el inquieto dedo cercenado del hombre alto contenido en una pequena caja.

Phantasm a pesar de sus fallos es un film recomendable, no sólo por entregar el personaje de El Hombre Alto sino por hilvanar una fantasía oscura, sin tomarse sería a sí misma.

Calificación: 6.5/10

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The Supernatural Collection # 13: Fertile Ground (2010)

Titulo Original: Fertile Ground
Género: Terror
País: Estados Unidos
Ano: 2010
Director: Adam Geirasch
Guión: Jace Anderson
Intérpretes: Gale Harold, James Stordahl, Jami Bassman, JoNell Kennedy, Leisha Hailey
Productor: Moshe Diamant, Courtney Solomon
Fotografía: Yaron Levy
Música: Joseph Conlan
Montaje: Andrew Cohen

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1515199/



Al igual que "Husk", "Fertile Ground" (FG) pertenece al grupo del After Dark Originals, películas producidas por el festival contandoen esta ocasión con el director del remake de "Night of the Demons", Adam Gierasch. FG no es más que un deja vu de casas encantadas, la historia varias veces contada narra los acontecimientos de Emily (Leisha Hailey) una mujer que tras sufrir un aborto se mudará con su esposo Nate (Gale Harold) a un ambiente rural, propio para olvidar sus penas y volver a comenzar. Cuando llegan al nuevo lugar, el cual pertenecía a los antepasados de Nate, es cuando empiezan los verdaderos problemas. Emily comienza a tener extranas visiones, o quizás podría tratarse de suenos muy reales que transtornan su vida diaria?. Emily quién busca apoyo en su pareja, ve como se va aislando poco a poco, pues su esposo Nate se encierra en su trabajo de pintor descuidándola y comportándose en ocasiones como un verdadero psicópata. Emily queda de nuevo embarazada pero eso no detendrá la influencia que tiene la antigua casa sobre ella. Pero, será la casa o será su imaginación?...

Sin lugar a dudas, el After Dark ha impulsado el cine de horror independiente en los últimos anos encontrándose en contados casos en los que la calidad sobresale. Este ano tomó las riendas en la producción de 8 films originales, pero FG es todo menos original. La producción se destaca con una acertada elección de la locación, un perfecto ambiente rural de Iowa, transmitiendo el sentimiento de aislamiento y además con una estela muy cinematográfica. También es de resaltar la entretenida fotografía y el desempeno de la actríz principal, pero hasta ahi llegamos. El guión co-escrito entre el director y Jace Anderson toma varios de los clichés del género de casas encatadas para armar la historia, así como situaciones que no concuerdan con la realidad, como lo demuestra la escena de muerte en la fiesta de la casa, en donde la policía no investiga la muerte de una mujer quién cayó de un segundo piso, no hace ningún interrogatorio y se olvida fácilmente del trágico asunto, sin tratarse de una elipsis pues los personajes continúan con sus vidas justo después del evento. La buena locación es desperdiciada por la manía de utilizar los sustos de "sonido" para generar el suspenso y el brinco en el espectador, descuidando una forma más natural de construir la tensión y el miedo que puede expresar una indefensa protagonista. Además todo se ve muy "limpio", la casa es reluciente y no se siente en ningún momento el ambiente "malsano" que debería generar en los protagonistas. Una de las visiones de Emily es acerca de uno de los antepasados de Nate, que no es más que el mismo actor con una ropa diferente y una barba. Donde quedó el trabajo de maquillaje?. Los actores hacen lo que pueden con el material que tienen, destacando el esfuerzo que muestra Leisha Hailey, mientras que Gale Harold, pasa de adorable esposo a psicópata en un segundo, sin construcción o tranformación de su personaje y con una expresión de desconcierto constante. El film es mostrado por "capítulos" como en un libro, con sus propios títulos para serparar las situaciones, títulos que no aportan en lo absoluto a la calidad del film.

Con Fertile Ground After Dark Originals baja dos escalones en comparación a la estimable Husk, con un guión predecible y repetido y falta de tensión y desarrollo de personajes este será probablemente el films más flojo de la companía, esperemos que las cosas mejores con la prometedora Seconds Apart.


Calificación: 4/10

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The Supernatural Collection # 12: Sole Survivor (1983)

Titulo Original: Sole Survivor
Género: Terror Sobrenatural
País: Estados Unidos
Duración: 85 Minutos
Ano: 1983
Director: Thom Eberhardt
Guión: Thom Eberhardt
Intérpretes: Anita Skinner, Caren L. Larkey, Kurt Johnson, Robin Davidson
Productor: Don Barkemeyer
Fotografía: Russell Carpenter
Música: David F. Anthony
Montaje: Thom Eberhardt

Tagline: Before "Final Destination" There Was ... "Sole Survivor"

Sinopsis
La única superviviente de un accidente aéreo continúa viviendo su vida normal. Pero las cosas comienzan a andar mal: oye voces que la llaman, empieza a ver como los muertos del accidente la persiguen... El doctor que la trata le diagnostica el "síndrome del único sobreviviente", psicosis que mueve al suicidio a sus afectados en el transcurso del primer año del accidente.

imdb: http://www.imdb.com/title/tt0181012/

Antes de "Final Destination" existió "Sole Survivor", dice este tagline actualizado, y tienen razón. Para los que no han tenido la oportunidad de ver este film, Sole Survivor trata el tema de la muerte y la sobrevivencia a un accidente de avión, con la diferencia que la visión del accidente no la tiene la sobreviviente sino una persona externa. La otra principal diferencia esta en el hecho de que en la famosa franquicia actual tiene como protagonista a la misma muerte mientras que en este pequeno film la muerte tiene una representación más corporea, exhibida por muertos que caminan. Pero que no se engane a nadie, el film no es tampoco original pues es un remake de la película australiana estrenada dos anos antes con el título de "The Survivor" en el que el sobreviviente era el piloto del avión.

Narrada desde un punto de vista más pausado, Sole Survivor se toma su tiempo para mostrar lo que pasa al rededor de la protagonista, quién no muestra los signos traumáticos que debería después de un evento tan trágico. El film combina el cine sobrenatural y el de los muertos vivientes, no como seres hambrientos de carne sino como sonámbulos o "escuadrón de muetos" que se demoran en tomar acción y quiénes quieren colocar las cosas en su sitio al reclamar la muerte de quién debería estarlo. Estos muertos no son otros sino las almas perdidas del accidente y los reciéntemente fallecidos quienes irán recogiendo más miembros a su paso, aunque parezcan organizados su aparición será harán en puntos diferentes pero siempre al acecho de Denise la mujer sobreviviente. La película abre con una inspirada secuencia de la "visión" de una mujer llamada Denise (Anita Skinner) sentada en los asientos de un avión en el suelo, rodeada de cadáveres y restos del avión en llamas, una forma más que inteligente de introducirnos en la historia. Para superar su traumática experiencia el doctor Brian Richardson (Kurt Johnson) le ayudará, dando como resultando una relación amorosa que cubre los primeros minutos del metraje. Desafortunadamente para Denise, lo que esta viviendo no tiene nada que ver con el síndrome del sobreviviente, una condición en la cuál las personas que logran vivir después de un evento de estas características muere antes de una ano del evento debido a que incosncientemente buscan la muerte al sentirse culpables de haber sobrevivido. Lo que sucede con Denise va más alla de ello, cuando comienza a ver extranas personas que se quedan paradas observándola a la distancia. Esto genera las mejores secuencias del film con una constante atmósfera de suspenso y terror, las cuáles aumenan en tensión cuando los muertos comienzan a interactuar con los vivos de manera muy marcada.

El guión firmado por el propio director aunque le falte dinamismo y más escenas gore, esta bien estructurado, apoyado por una historia interesante y uno de los mejores finales de una película de serie B. La atmósfera es en todo momento muy lograda, acompanada de susurros inquietantes y con buen manejo del espacio por parte de del director de fotografía Rusell Carpenter, en especial las escenas dentro de la casa grande de Denise y de su amiga vecina. Carpenter ganaría el oscar en 1997 nada más y nada menos que al hacer la fotografía de Titanic. Todo el film tiene unos colores muy marcados, tendiendo en el arte y los vestuartios hacia el rojo, propio de la época en que se desarrolla el film, la navidad. Las actuaciones están correctas, teniéndo en cuenta que para la actriz principal Anita Skinner, esta sería su segunda y última película, al igual que el actor Johnson quién moriría tres anos más tarde. Los dos crean unos personajes simpáticos y apreciables que generan evidentemente empatía. El director debutante Eberhardt se haría más conocido con su siguiente film "Night of the Comet, 1984" donde exploraría con más ahínco el tema zombie, aunque en la actualidad este pérdido en producciones para la televisión.

Sole Survivor es un buen representante del los films de terror realizado en los 80s, con una atmósfera tenebrosa y una historia inteligente. Lejos de las complejas secuancias de su predecesora "Final Destination", ell film toma su tiempo en arrancar, creando el suspenso poco a poco, asi que no es más que tener paciencia y disfrutar de un film semi desconocido.

Califiación: 6/10

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The Supernatural Collection # 11: Husk (2010)

Titulo Original: Husk
Género: Terror
País: Estados Unidos
Duración: 80 Minutos
Ano: 2010
Director: Brett Simmons
Guión: Brett Simmons
Intérpretes: Ben Easter, C.J. Thomason, Devon Graye, Michael Cornelison, Tammin Sursok
Wes Chatham
Productor: Stephanie Caleb, Limor Diamant, Moshe Diamant, Courtney Solomon
Montaje: William Yeh

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1504403/

Tagline: Join the harvest


El festival After Dark, el reconocido "8 Films to Die For" ha entregado desde hace cinco anos una diferente mirada al cine de horror, otogándole la oportunidad a directores y escritores nuevos quiénes tienen un lugar donde proyectar sus trabajos, eso sí con unas películas mejor resueltas que otras. Aunque la calidad media de los films no es alta, sí que se puede rescatar films tales como "Dread, 2009", "Mullberry Street,2006", "The Gravedancers, 2006" entre otros. El festival de horror se ha unido a Lionsgate films y SyFy/NBC-Universal para crear una nueva marca llamada Afterdark Originals, una serie de 8 peliculas originales enmarcadas en el género del horror para ser lanzadas en el After Dark Horrofest. La primera de ellas que tengo oportunidad de ver es Husk, del director Brett Simmons y basado en su propio corto del mismo nombre realizado en el 2005. La historia es la siguiente: Cuando una manada de cuervos se estrellan en el parabrisas de un automóvil causando que choquen, el grupo de jóvenes pasajeros se verán forzados a abandonar el vehículo. Varados al lado de un campo de maíz, discuten sus opciones. Cuando uno de los companeros se ha perdido dentro del campo, dos de los jóvenes deciden entrar a buscarlo encontrando una casa abandonada. Pero algo extrano que habita dentro del campo de máiz parece perseguirlos sin piedad....

Si bien el tema del espantapájaros ha sido varias veces utilizado en el cine de horror (pueden verlo en el especial de Scarecrows), y hay inevitables comparaciones con "Children of the Corn, 1984" , el film no se limita a ser una copia más de este tipo de films. El guión sabe manejar y mantener a un grupo de personas en un espacio cerrado, la casa abandonada, pues los espantapájaros asesinos sólo se pueden mover a través del campo. Este encierro emulando a Night of the Living Dead, pero cambiando zombies por espantapajaros (aunque de hecho siguen siendo muertos vueltos a la vida) es lo más interesante del guión, un guión escrito pensado en el ajedrez, donde la "dama" o "espiritu" se puede mover como cualquier ficha y en la que se puede acceder a la regla de la "coronación del peón", situación en la cuál uno de los recientes muertos puede llegar a la casa y coser su propia máscara de espantapájaros para regresar al campo y ser parte de la cosecha. La razón por la cuál esto ocurre no esta del todo bien explicada en el film, el cuál se limita a dar información a través de los ojos del jóven nerd quién puede ver a los muertos, sin saberse por que realmente, o porque es el único que puede hacerlo, mostrando el orígen de la maldición de los campos de maíz. Esta explicación, quizás innecesaria realmente, va en contra de la atmósfera del film tan bien construida hasta el momento.

Husk funciona como una pequena película de horror, entretenida y de poca duración que mantiene en cierto modo el espíritu de la serie B. Hay que reconocer el buen hacer del director en cuanto a la composición visual y el acertado uso de efectos tradicionales en lugar del sobrexplotado uso del CGI. El film posee algunos buenos momentos de suspenso repartidos entre las criaturas que se mueven dentro de las cosechas y la conversión de los muertos. A pesar de que el director y guionista Simmons hace uso de los habituales estereotipos de jóvenes protagonistas, toma decisiones que sorprenden por su valentía, como lo es SPOILER la eliminación del único personaje femenino en la primer parte del film. FIN SPOILER. Estos detalles, acompanados por un aceptable desarrollo y final poco usual hacen valer el visionado de este pequeno film. Entre los protagonistas, de los cuáles en algunos casos no es muy rescatable su desempeno, o la culpa puede ser atribuída a los pésimos diálogos, se encuentran Devon Grave (el actor que hace de un Dexter jóven), Wes Chatham (The Unit), C.J. Thomason (Harper's Island) y Tammin Sursok (próxima a aparecer en Sleepaway Camp Reunion). Por más esta decir que los personajes están en vía de desarrollo, pues apenas tienen ciertos pincelazos de su carácter y motivaciones, escuetamente mostrados al inicio del film, repartidos entre un amante del ajedrez, una pareja de novios que se aman y un hombre egoísta que sólo piensa en salvarse a sí mismo. Esto es lo que da orígen a los problemas del film, resumidos en el poco desarrollo de personajes junto con un guión en algunas ocasiones precipitado, donde hay situaciones sin sentido que simplemente debemos absorber por ósmosis. Pero aceptando esto, el film se puede considerar como lo que es, un film fresco con muy buena vocación al horror pasado.

Sin esperar mucho de un film de este tipo, Husk realmente logra sorprender por brindar un espectáculo de horror de bajo presupuesto, claustrofóbico y directo al grano o al maíz si se quiere.

Calificación: 6/10

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The Supernatural Collection # 10: Rubber (2010)

Titulo Original: Rubber
Género: Terror
País: Francia
Ano: 2010
Director: Quentin Dupieux
Guión: Quentin Dupieux
Intérpretes: Daniel Quinn, Haley Ramm, Remy Thorne, Roxane Mesquida, Stephen Spinella, Thomas F. Duffy
Productor: Julien Berlan, Gregory Bernard
Fotografía: Quentin Dupieux
Música: Sébastien Akchoté, Gaspard Augé, Quentin Dupieux
Montaje: Quentin Dupieux

imdb: http://www.imdb.com/title/tt1612774/

Tagline: Are You Tired of the Expected?

Spoilers Ahead!!

Desde Francia nos llega esta curiosa propuesta donde se nos muestra que la originalidad en el cine todavía es posible. Y vaya que más original la historia de una neumático el cuál no sólo esta vivo sino que tiene poderes telekinéticos?. El film es una cachetada al cine de Hollywood, donde día trás día en un buen número de producciones, recurren al facilismo al contar historias previsibles, o lavadas de cara de películas clásicas y no tan clásicas para el consumo llamado "cine de palomitas". La película del director Quentun Dupieux, quién no es un novato en el negocio pues ya tenía dos comedias a cuestas, abre con un excelente monólogo de Stephen Spinella, quién prepara el terreno para lo que estamos a punto de ver, una apología a la sin razón. Las preguntas del proque E.T es de color marrón o el porque los personajes de la excelente Masacre en Texas nunca van al bano es algo en lo que pocas veces pensamos, pero el director y guionista francés pone estos pensamientos en palabras del actor Spinella quién parece dirigirse directamente a nosotros, los espectadores. Un gran discurso para abrir el film y del cuál le perdonamos su elevación del ego al considerar como grandes peliculas las que estén basadas en la sin razon, y por deducción Rubber sería una gran película, que no lo es. Este diálogo directo con nosotros se ve incrementado con el uso de espectadores reales dentro del film, un grupo de personas a quién se les dota de vinoculares para que presencien lo que esta ocurriendo, el despertar de un neumático con tendencias asesinas y su interacción con un pueblo de California. Estos actores/espectadores representan nuestros pensamientos como consumidores de cine, y las diferentes actitudes frente a un film, como por ejemplo el nino que le parece aburrido el film, o el senor en silla de ruedas quién esta evidentemente interesado y continua observando cuando muchos de sus companeros se duermen durante los eventos. Todos tenemos amigos o familiares que se duermen en un film, cierto?. Este recurso cinematográfico es original y de alguna forma interactivo con nosotros, pero como veremos más adelante también va en contra del desarrollo natural de la historia y sobretodo del ritmo de los sucesos. El guión, aparentemente inexistente, se centra en la crítica al cine de Hollywood, más que en la historia del neumático, haciendo un poco difícil de apreciar su valor cinematográfico. Aunque no hay que negarle el buen uso del espacio y de algunas escenas muy logradas, como el nenumático tomando un bano, viendo televisión o espiando a una mujer cuando toma una ducha.

Uno de los aportes más importantes de Rubber, es la idea de que todo courre en realidad mientras alguién este observando y este interesado en lo que courre. Los actores no pueden ejercer su profesión si no existe público para ello, la sangre se vuelve falsa y la vida como tal se vuelve aburrida, sin sentido. Y es que el cine es la máquina de los suenos, esta allí para crear historias, para ver cosas posibles e imposibles y para calmar nuestra sed de eventos interesantes, sin puntos muertos como en la vida cotidiana. Esta doble función del cine es la que maneja el director en Rubber, la combinación de eventos interesantes y puntos muertos, inclinando la balanza hacia lo segundo al final del metraje. Consecuente con su discurso, el último tramo de la película se nos presenta como anticlimático, con una elipsis enorme en la que suceden muchas cosas, de hecho cosas muy interesantes que se nos prohiben ver, para luego adelantarse a una escena absurda, propia de la sin razón, con un plan disparatado para eliminar a Rubber. Funcionando como discurso pero no como entretenimiento, este final moderado surge como una opinión concreta de que las ideas originales pueden alcanzar a Hollywood, con un Rubber reencarnado y sus amigos.

Rubber esta filmado correctamente, con una prolija fotografía y una atmósfera atrapante en su inicio, pero debido a su discurso anti-hollywood e intencional aplacamiento del ritmo el film inevitablemente va perdiendo fuelle y asi también el interés en la historia. Después de 5 minutos, el nino espcetador clama "It's already booring", lo cuál no es cierto en ese punto pero sus palabras llegan a ajustarse a la narrativa una vez se decide cortar la acción. En definitiva un projecto curioso que podría haber dado más de sí, no es el excelente film que se cree él mismo pero si tiene elementos apreciables y es condenadamente original....

PD. Hay que darle buenos putnos al director al darle créditos al final a Robert el neumático, uno de los personajes más carismáticos de estsos tiempos...

Calificación: 6/10

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The Supernatural Collection # 9: Shutter (2004)

Titulo Original: Shutter (They Are Around Us)
Titulo Hispano: Están Entre Nosotros
Género: Terror
País: Tailandia
Duración: 97 Minutos
Ano: 2004
Director: Banjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom
Guión: Banjong Pisanthanakun, Sopon Sukdapisit
Intérpretes: Achita Sikamana, Ananda Everingham, Natthaweeranuch Thongmee, Unnop Chanpaibool
Productor: Yodphet Sudsawad
Fotografía: Niramon Ross
Música: Chartchai Pongprapapan
Montaje: Manop Boonvipat, Lee Chatametikool

Tagline: The most terrifying images are the ones that are real.

Shutter cuenta la historia de un fotógrafo llamado Tun y su novia Jane quiénes comienzan a notar imágenes fantasmales en sus fotografías despues de un accidente automovilístico donde atropellaron a una mujer. Cuando los amigos de Tun comienzan a morir, Jane descubre que hay una verdad oculta trás la misteriosa desaparición de una antigua amante de Tun....

En la época en que el terror asiático estaba en todo su apogeo con producciones de Japón y Hong Kong como "Ringu, 1998", "Ju-On, 2002", y "Gin Gwai, 2002" una película tailandésa sobresalió en el mundo de los fantasmas de pelo largo. La película Shutter, se basa en un tema tradicional del cine de horror asiático, el fantasma vengativo. Los directores tailandéses Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom (guionistas del film junto a Sopon Sukdapisit) como ya lo hicieran Hideo Nakata con el video en Ringu o Takashi Miike con el celular en Chakushin Ari (One Missed Call), utilizaron aparatós tecnológicos para generar miedo, en este caso las cámaras de fotografía, entregando una de las películas más tenebrosas de este tipo de films. Al parecer los directores fueron inspirados después de ver algunas fotografías de los disturbios ocurridos en Bangkok en 1973 durante los cuáles 77 protestantes fueron asesinados. En varias de dichas fotografías, supuestamente aparecieron varias imágenes fantasmales, un fenómeno conocido como "fotografía de espíritus". A partir de allí los directores concibieron una historia en la que no sólo aparecieran imágenes fantasmales sino que el mismo fantasma se materializara y acosara a la pareja protagonista, pero esto no es al azar pues sólo cada quién sabe que porcentaje oscuro guarda en su interior. Las claves del film, además de un guión correctamente escrito esta en las actuaciones de sus protagonistas y la seriedad con que se crearon sus personajes, pues Shutter es un film que entrega terror y suspenso en forma creciente y es virtualmente exento de algún punto cómico, a excepción de la escena del papel en el bano. Escena que se entiende como un respiro para el espectador para continuar con las apariciones. Esta seriedad hace que el espectador se concentre en el film hasta llega a un final más que original. La atmósfera del film es muy conseguida destacando las escenas en el cuarto de revelado, incluyendo una escena en total oscuridad iluminada sólo por los flashes de la cámara. Natre, el equivalente tailandés de Sadako, es una mujer pálida y misteriosa quién es la verdadera víctima del film. El fantasma de Natre, a diferencia de muchos otros equivalentes cinematográficos (ej. Ju-On), no elige sus víctimas al azar, Natre esta empecinada en seguir al protagonista, y a quines le rodean, por lo que se crea el misterio de lo que realmente sucedió en su pasado. Quizas uno de los puntos menos trabajados del film sea la apariencia fantasmal de Natre, la cuál no es diferente a muchas de sus contemporáneas.


Shutter es un film que a pesar de no ser original, se sostiene por una buena historia, acompanada por sustos inesperados y un final inolvidable. Queda la pregunta, será cierto que la fotografía puede captar el alma humana?

Calificación: 7/10

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The Supernatural Collection # 8: My Name is Bruce (2007)

TITULO ORIGINAL: My name is Bruce
GENERO: Terror
PAIS: Estados Unidos
AÑO: 2007
DIRECTOR: Bruce Campbell
GUION: Mark Verheiden
INTERPRETES: Bruce Campbell, Dan Hicks, Ellen Sandweiss y Ted Raimi
PRODUCTOR: Mike Richardson y Bruce Campbell
FOTOGRAFÍA: Kurt Rauf
MONTAJE: M. Scott Smith

Sinopsis
La película trata sobre la vida de Bruce Campbell, quién se interpreta a sí mismo, y el cual termina en una batalla contra un demonio de guerra chino llamado Guan Di, en un pequeno pueblo donde los habitantes creen tener a un heroe representado en el personaje de Ash de la trilogía Evil Dead.



Tagline: Kick Some Ash

My name is Bruce es el retorno a la silla de director del ícono de serie-b Bruce Campbell, donde además se interpreta a sí mismo. En esta, su segunda película como director, tras un cortometraje y dos documentales, Campbell nos muestra su pasión y amor por la serie-b y nos brinda un espectaculo sencillo, de bajo presupuesto y con dosis de humor. La película como tal no es redonda, tiene varios fallos incluyendo su anticlimático final, pero es el propio actor el que saca la película a flote. Los gags en su mayoría funcionan, y hay un buen complemento con su amigo Ted Raimi quién interpreta un par de personajes cómicos, siendo el del agente de Campbell mucho mejor elaborado que el viejo chino en el cuál las bromas poco funcionan.

Cambell interpretando aun Campbell en horas bajas es de lo mejor. En esta versión suya, es un actor que le cuesta conseguir trabajo y al cual sólo le ofrecen ridículas películas de serie b y secuelas de las mismas. Vive en un trailer, esta divorciado y es un bebedor frenético. Su ex-esposa sale con su agente a sus espaldas y es en él momento de su cumpleanos, cuando en un pequeno pueblo un jóven adolescente, fanático de Campbell libera accidentalmente un demonio de guerra chino quién irá cortando cabezas a todo el que se le acerque. El joven convence a la gente del pueblo que Bruce es su salvador y heroe, así que decide secuestrarlo y lleveralo allí. Bruce creyendo que es una fiesta de cumpleanos preparada, les sigue el juego hasta que lo llevan a enfrentar al demonio, el cuál es muy real y hace salir sus miedos....



Parece ser que se quiere poner de moda interpretarse así mismo, como ya lo hiciese también el actor Jean-Claude Van Damme con su JCVD en el mismo ano, con muy buenos resultados. Pero a diferencia de esa película donde los eventos son algo cercanos a la realidad, en esta ocasión, Campbell nos muestra una versión caricaturesca de su vida y lo que puede pasar si confunden actuación con realidad. La película funciona bien en mi opinión, pero es más que todo enfocada a los fanáticos de este actor de serie-b. Si no se conoce al actor, y algo de sus películas es difícil entender como un guión casí ridículo pueda llegar a entrener, así como sus baratos efectos especiales. El encanto radica en la interpretación de Cambell y en su gran carisma que lo refleja muy bién tras la cámara. La parte negativa es la ausencia total de horror, el film es más enfocado al humor físico. El demonio y cada una de sus asesinatos son poco creíbles cuando menos, pero es allí donde radica su amor por la serie b. La película fue escrita por Mark Verheiden (Timecop, Smallville, Battlestar Gallactica), que a pesar de su muy buen currículo aqui solo hace un trabajo pasable...



My name is Bruce no es una joya del género peor se deja ver, y demuestra el gran carisma de Campbell, peor también muestra que la dirección no es su punto fuerte...

Calificación: 6/10

Trailer...